El Tercer Miope

The Artist: El tiempo la pondrá en su sitio

2012-02-28T01:28:00.000+01:00

THE ARTIST (2011)
7 / 10

Ya está. A The Artist le han dado los parabienes definitivos y es la ganadora de los Oscars en la gala de ayer. Y todas las tirrias que las envidias suelen remover están creciendo como las setas. Como toda buena sorpresa, muchos empiezan a verlo como un bluff, como un truco de marketing (muy bueno) ayudado por una apuesta original y la simpatía del público. Quizás 10 años antes, esta misma película hubiera pasado inadvertida, pero ha caído en gracia y este año es el año de The Artist.

Me gustó la película del desconocido Michel Hazanavicius. Un proyecto de siete años, pensado hasta el mínimo detalle y donde participa como gran gancho el simpático Jean Dujardin, ahora oscarizado. ¿Quién iba a pensar algo así cuando veíamos la serie Un gars, une fille o los bodrios tipo Mariages? Sí, las películas en las que homenajea al agente secreto clásico, bajo el nombre de OSS 117 o aquella de Le Convoyeur estaban bastante bien, pero no lo veía de otra manera como un chaval majete más dedicado a lucir sonrisa socarrona que a actuar con mayúsculas. Y ahí lo tienes, con su estatuilla. Pero volviendo al tema inicial, me gustó esta película, no tanto por Dujardin como por el resto del elenco, lo curioso del experimento, un regreso al origen del cine pero sin olvidar que estamos en el 2012. Pero aún con todo, no creo que ésta fuera la mejor película del año, algo que no es de extrañar. Nunca estoy de acuerdo con que una película se convierta en la mejor del año de forma absoluta. Pensemos en algunas de las ganadoras de estos últimos años: Slumdog Millionaire (2009), No country for old men (2008), Chicago (2002), Una mente maravillosa (2001), Shakespeare in love (1998), etc. ¿De verdad pondríamos de forma unánime estas películas entre las mejores de los últimos años?

Hace poco oí un periodista cuyo nombre no recuerdo, comentando que no recordamos las películas que ésta homenajea. Si así lo hubiéramos hecho, no la apreciaríamos tanto. Puede ser. Pero el punto fuerte de esta película es recoger con tanto acierto el espíritu naïf de aquellos años. Grandes escenarios, estrellas rutilantes consideradas quasidivinas, el público enamorado, los tiempos del cambio al sonido, la criba que eso supuso. Hay muchos detalles que hacen de The Artist un experimento muy interesante que se merece un gran reconocimiento. Los actores se vuelven mucho más expresivos por la falta de sonido, sin duda, sus gestos nos parecen más grandes, más irreales, pero por otro lado tenemos momentos extraordinarios, de gran plasticidad, algo imposible con palabras. La escena en la que Peppy Miller (Bérénice Béjo) fantasea con la americana de George Valentin (Dujardin), o la conversación de Peppy con el personaje de Malcolm McDowell. O también su encuentro (segundo) con el propio Valentin, enfrentados en un baile sin saber quienes eran cada uno. Y todo ello aderezado con la ausencia de voz, a veces hasta de música. La escena en la que Valentin descubre el sonido es de gran fuerza visual (y sonora). Sí creo que The Artist no pasará el juicio del tiempo tan bien como otras, pero las buenas vibraciones que transmite, la alegría que contagia y las buenas actuaciones de esos magníficos secundarios junto con un gran dirección hacen que el Oscar no sea algo tan raro. No estoy de acuerdo, pero tampoco me parece algo tan extraño. Al fin y al cabo estamos hablando de una comedia: ¿cuántas comedias han ganado en los últimos veinte años? ¿Cuántas comedias han ganado? Pues por qué no premiar algo tan distinto como The Artist.

P. D. Me encanta Béréncie Béjo. Ahí lo dejo.

La invención de Hugo. Scorsese no sabe nada ni de dormir ni de laureles

2012-02-27T02:01:00.000+01:00

LA INVENCIÓN DE HUGO (Hugo, 2011)
7,5/10

Cuanto francés este año en los Oscars. Lo mismo a alguno le molesta. Si no en cuanto actores, que los hay, por la temática: Midnight in Paris, The Artist, la animada Une vie de chat o La invención de Hugo, la nueva lección del maestro Scorsese. A mi modo de ver, el cine de los últimos treinta años tiene un ganador y es el amigo Martin. No solo por sus películas en sí, que las tiene unas más acertadas que otras, sino también por su amor al cine y a la música. Solo hay que echar un vistazo a esa maravilla de documental que es Mi viaje a Italia o el retrato de Jagger and co. en Shine a light. Un señor de 72 años que no se conforma con hacer lo de siempre y se pone ahora con una película familiar en 3D, pero utilizado con conocimiento de causa. Es como el tema de los efectos especiales, aquí el 3D está usado en servicio de la historia, no al contrario y vaya si funciona.

No quiero poner peros a una película que me ha emocionado. No soy crítico de nada y solo hablo desde el punto de vista del aficionado entregado. Así que críticas destructivas, en otro lado. Diré, entonces, que esta historia del joven huérfano Hugo Cabret, rodeado de personajes tan peculiares en su no menos peculiar hogar, los muros de una estación de tren en el París de los años 30, me ha encantado. No estoy muy seguro que funcione tan bien como película infantil, no sé si un chaval de 10 años iba a disfrutar tanto de ella como un adulto amante del cine Es cierto que la primera parte funciona muy bien dentro de ese género, tan poco "Scorsese" por otro lado, pero conforme va pasando la cinta me temo que se pueda ir perdiendo interés por parte de un público menos entrenado. Pero se compensa con una maravillosa puesta en escena y la magia que acompaña a los personajes.

Una historia que se inscribe en el género de lo maravilloso, más que del fantástico. Es decir, pequeños (según se mire) acontecimientos de difícil explicación interfieren en la vida de unos personajes, podíamos decir, realistas. Todo ello en un marco tan especial como es París, la ciudad de las luces que quiere olvidar su pasado más reciente marcado por la guerra. Una ciudad espectacular que rebosa vida y misterio. Solo hay que ir a buscarlo. Todo ello tan bien combinado por el maestro Scorsese basándose en la novela de Brian Selznick, y tenemos una de esas películas que te dejan imágenes en la retina, que dejan huella, que saben conectar con un espectador entregado.

Los actores se les ve muy medidos en su trabajo. Es lo que tiene trabajar con el 3D. Ante el espectador, el trabajo puede parecer muy logrado, pero siempre te da la impresión de estar demasiado estáticos. Cada movimiento cuenta y la improvisación no tiene lugar. Llegar a controlar a Sacha Baron Cohen no debió ser tarea fácil para Scorsese. Aunque seguro que Martin ha tenido que lidiar con actores bastante más problemáticos. Por lo demás, Ben Kingsley está perfecto en su papel de Georges Méliès, un hombre hundido por lo que fue y lo que es ahora, los secundarios como Jude Law o Ray Winstone (los dos en papeles muy cortos) también funcionan muy bien. Los papeles importantes son para los niños Chloë Grace Moretz como Isabelle y Asa Butterfield como Hugo. Ya son pequeños veteranos los, con alguna aparición complicada. Curioso además que Asa Butterfield va a ser la cara de Ender Wiggin en el que será gran estreno del 2013, la mítica El juego de Ender. ¿Se convertiré en un futuro Haley Joel Osment? Sus papeles son bastante típicos: niña soñadora deseosa de aventuras, niño marginado por una sociedad que no tiene tiempo para los huérfanos...sin embargo no caen en el almíbar más barato. De eso se encarga sin duda la buenísima dirección del maestro.

Es una pequeña joya del cine moderno, sobre todo para aquellos que siguen viendo el invento de los hermanos Lumière como algo hecho para ayudarnos a soñar. No sé si será premiada o no, tampoco es importante, pero sí el recuerdo que dejará en los que la vean. De eso se trata el cine, de soñar, ¿no?

P.D. Por cierto, Georges Méliès se está convirtiendo en una especie de héroe oculto, primero en la novela archiconocida La mecánica del corazón, donde ayudaba al protagonista en la búsqueda de su amor y ahora vuelve de nuevo.

P.D. ¡Se me olvidaba! La banda sonora a cargo del inseparable Howard Shore. Como ha sabido entender lo que quería su compañero de viaje Scorsese.

Contador, los guiñoles y la tontería humana

2012-02-15T00:33:00.001+01:00

De verdad que tanto orgullo español suelto en el aire nos está volviendo un poco tontos. A todo el mundo en general, pero a esta parte del mundo que llamamos España, más. Una semana después de la resolución del caso Alberto Contador, seguimos con la misma cantinela sobre si los demás nos tienen manía o no. La clásica envidia por ser más guapo y más fuerte, "más bueno y más mejor". El ciclismo es un deporte tremendamente épico, excepcionalmente duro. Además tiene unas reglas estrictas, tanto o más que en otros deportes, en relación al dopaje. Y si no es así (al fin y al cabo, la lucha contra el consumo de sustancias prohibidas debe estar más o menos unificada), lo parece ya que en otros deportes más populares no estamos tan acostumbrados a eso de los "vampiros" y los análisis sorpresa. Una cantidad mínima es inmediatamente sancionable, a pesar de no estar comprobado su efecto positivo sobre la actividad desarrollada. Creo que con Contador se han cebado, pero también es cierto que ha habido errores por parte de abogados y que el juego es el juego. No es el primer ciclista que recibe una sanción desproporcionada.

Y resulta que salta la noticia y todos nos indignamos de forma explosiva. Terrible. Y para más inri tenemos a esos Guignols de l'info que se mofan de nuestros máximos representantes deportivos. Para nosotros es como si mentaran a la madre o algo peor. Periodistas enrabietados soltando sandeces, otros más cuerdos, ahora sale un equipo de fútbol con una inscripción poniendo algo así como "liberté, égalité...superioridad" (que memez...), hoy aparece nuestro monarca diciendo en público que los del guignol son tontos y Rajoy habla como un forofo más sobre nuestra valía ganando títulos extranjeros tipo Roland Garros. Una imagen un tanto cutre, ¿no? Entiendo el enfado de los aficionados, de acuerdo. Pero, ¿cómo se puede convertir en estado la broma de un programa de televisión que tiene a gala hacer bromas de todo y de todos?

Los guiñoles son muy franceses. Tienen una forma de sacar punta a la realidad que no siempre es comprendida por cualquiera. Más que comprendida, compartida. No estamos hablando de algo extraordinario. Cuando lo he visto, el programa me ha hecho una gracia relativa, en función de mi mayor o menor conocimiento del tema. Pero es eso, un programa de humor, más o menos acertado. De ahí a decir que todos los franceses son unos cerdos, gente, sobre todo, que no se ha molestado en hablar con un francés en su vida...un poco exagerado, digo yo. Son los mismos que juzgan a todo el que nos rodea y que se creen con conocimiento superior. Dicen que ellos no nos quieren (los franceses a nosotros). Son los mismos hablan pestes de los portugueses, y de los de Cuenca, y de los del pueblo de al lado y si me apuras de su vecino. Sobre todo de su vecino.

Dicen que estos guinoles han pasado el límite con tanta tontería sobre el dopaje, que nos están acusando sin pruebas y que nos están ninguneando. Pero es que somos un país que merece serlo. Es propio de país pequeño preocuparse por esas nimiedades. Lo justo sería contraatacar con igual sentido del humor, o ignorar directamente esos supuestos ataques. Así que los guiñoles no tienen gracia. Pero sin embargo, tiene mucha gracia (y hasta calado social) el llamar Machu Pichu a un personaje como el de la serie Aida, tratarlo de imbécil a ratos, insultando así a todo un colectivo de inmigrantes que llegan a este país. Pero no ahora, de hace muchos años. Nadie se siente molesto por eso. Cada vez que sale un italiano en algún programa de humor español aparece el clásico estereotipo del mafioso, damos a entender que todos los italianos son unos delincuentes de trajes caros. Merkel es una vaca burra y los alemanes unos cuadriculados. Los ingleses, unos borrachos hooligans. Los americanos, unos felices incultos. Y cuando le cogemos tirria a un personaje...madre mía. No soltamos hueso hasta que el personal comienza a aburrirse. Y sin embargo, nos molestan unas acusaciones malintencionadas de un programa de humor. Vaya una pandilla de zopencos que estamos hechos. Y seguiremos dándole Perico al torno. Lo mismo es bueno y todo, siempre un enemigo en común ha sido muy saludable.

Van Halen - A different kind of truth. La vieja fórmula es la buena

2012-02-09T23:42:00.001+01:00

Van Halen - A different kind of truth (Interscope, 2012)
7/10

Van Halen. Como me ha gustado siempre ese nombre. Van Halen. Ya dijera "banalen" que "fanjalen", el insigne apellido de Eddie era garantía de rock and roll diversión con un punto de locura y mucho de egotrip. Si luego le ponemos al viejo saltimbanqui de Diamond Dave, uno de los mejores frontmen de los ochenta, tenemos una mezcla explosiva. Sus primeros cinco discos cargaditos de melodías no siempre pegadizas pero sí bien surtidas de buenas vibraciones, son una referencia en la música que escucho. Sólo hay que decir el nombre de algunas de esas gemas: Ain't talkin' 'bout love, Dancin' the night away, Hot for teacher, Eruption o esas míticas ya versiones del You really got me de los Kinks o el (Oh) Pretty Woman del gran Roy. Esos riffs imposibles, esos solos enormes y el tío que mejor se lo pasó en toda la década, Mr. Roth, a las voces. Quizás no eran perfectos, pero Van Halen crearon un sonido propio y más que reconocible. Después se fue Dave y vino Sammy, y alguna cosa buena trajo. Pero se fue, y llegó Gary Cherone, sí el de Extreme, ¿os acordábais? Yo no...pero mejor, porque Van Halen III (1998) es sencillamente infumable. Normal que después de eso le dieran a pasaporte al cantante de la pastelosa More than words. Y todo fue enredándose un poquito más, primero con el cáncer de Eddie, que superó afortunadamente, luego con la marcha un poco a hurtadillas del bajista Michael Anthony, que además se fue con Sammy Haggar. Además hubo un tour con Dave Lee Roth y Sammy Haggar juntos. La cosa pintaba mal para los Van Halen...

Pero no hay nada como unos buenos temas del Pleistoceno, es decir, temas que habían quedado fuera de su disco debut allá en 1978 con el superior disco homónimo, alguna falta de dinerillo también, y que ya no tenemos cuerpo para buscarnos las castañas fuera del hogar...que la reunión, tan esperada, se hizo realidad. Y ampliando la familia. Ahora tenemos al bajo a Wolfgang Van Halen, sí, Wolfgang, el hijo de Eddie, completando la formación Alex Van Halen a la batería, Eddie Van Halen a la guitarra y Dave Lee Roth en la voz y parafernalias varias. El resultado de todo esto es un disco llamado A different kind of truth, con una portada nada transgresora y que recuerda a tiempos pretéritos, y con el logo de la banda bien a la vista. Los tiempos han cambiado, pero lejos de querer adaptarse (que ya lo habían intentado) han vuelto al inicio, han incluso apartado los sintetizadores que les dieron tanta fama con Jump. Aquí hay puro rock and roll, con temas absolutamente espectaculares y maravillosamente sencillos. Nada de estridencias, solo ese rock soberbio basado en la genial guitarra (y tan reconocible) de Eddie. Y es que estos dos (Dave y Eddie) son perfectos, una combinación tan buena como otras clásicas parejas del rock que tanto disfrutamos. Pero con un toque incluso mucho más divertido. Tattoo es el tema inicial, quizás demasiado paradito para empezar, no sé si es la mejor opción para dar a conocer el disco, pero luego llegamos a She's the woman, y ya te sientes automáticamente transportado a finales de los setenta. You and your blues avanza poco a poco, pero conforme va pasando los segundos, la velocidad y la fuerza van incrementándose mostrando la mejor parte de toda la banda. China Town empieza con una línea de guitarra típica y un Diamond Dave endiablado. Blood and Fire es uno de los más pegadizos, más comercial y melódico. Pero luego viene Bullethead, ya con el título podemos imaginarnos que vamos a encontrar. Y así podíamos seguir hasta Stay Frosty, un tema para lucimiento de Dave Lee. Recuerda a aquel cachondo Ice cream man. Pero es que en general no hay descanso en todo el álbum, guitarras asesinas dispuestas a atacar a la orden de Mr. Roth, potente base rítmica y con una gran producción adaptada a los tiempos. Los peros, que también los tiene, es que la banda va a cumplir cuarenta años dentro de poco. Que ya no están con la forma que haría falta para levantar algo así en directo, para qué nos vamos a engañar. Y que la voz de Eddie puede parecer como siempre, pero hay ciertos momentos que no puede esconder que el tío tiene 58 años. Y que no tiene tantos coros épicos ni estribillos ultrapegadizos como hubiera cabido esperar, quizás sea demasiado rocoso a ratos y enfocado a los que disfrutan del onanismo guitarrero. Ah, y el video de su primer tema (Tattoo), un poco embarazoso. Aún así, si siempre te han gustado los Van Halen, ésta es tu oportunidad de volver a escucharlos como la primera vez. Premio para el caballero.

P.D. El video da vergüenza ajena, el disco no.

P.D. (2) Por alguna extraña razón, servidor creía que David Lee Roth era Templeton "Faceman" Peck en el Equipo A. Sí, mezclaba fantasías y me parecía tan normal.

Alcest - Les voyages de l'âme. Cuánta tristeza junta...

2012-02-04T00:43:00.000+01:00

ALCEST - Les voyages de l'âme
8/10

Ce soir sans doute mon âme,

Asservie, usée par les bas chagrins,

Sentira le besoin de fuir sa prison de chair.

Nunca me he sentido atraído por el Black Metal. A pesar de las bondades (perdón por la ironía) de una música tan depresiva, que sé que las tiene, y muchas, creo que siempre he optado por una música menos oscura y mucho más positiva. Pero cuando me pongo a escuchar este disco de Alcest, Les voyages de l'âme (2012, Prophecy Productions), me cuesta meter en el mismo saco al proyecto del multiinstrumentista Neige con grupos como Darkthrone o Satyricon. Las composiciones de Les voyages....destilan belleza dentro del dolor que puedan haberlas inspirado, delicadeza e incluso felicidad, todo ello matizado por una capa de melancolía que plaga el álbum. Pero, ¿también esto es black metal? También sé que los franceses han optado más por un estilo mucho más melódico y menos marcado por la guturalidad o la agresividad explícita en las letras. Lo que podría hacernos pensar en un estilo mucho más intelectual, íntimo, black vanguardista lo llaman, algunos también lo llaman...aburrido. Vuelvo a repetir que mi conocimiento del black metal es muy limitado, con lo que no insistiré en lo adecuado o no de su nombre. Si Neige está de acuerdo, mejor que mejor.

El propio Neige se encarga de todo en este disco salvo la batería (más que notable) a cargo de Winterhalter, que le acompaña desde 2009. Alcest se crea a partir de estos dos músicos de una forma realmente espectacular. Los ingredientes principales de este nuevo disco son la tristeza y la sensación de pérdida. Un paisaje desolador hasta la aceptación de lo trágico de la vida. Todo ello acompañado de preciosas melodías que no tienen reparo en seguir caminos cercanos a un pop barroco. La voz de Neige muestra una extraña sensación de paz, a ratos infantil, en otras ocasiones parecen sacadas de un imitador de Morrisey. Mira que puede ser difícil meter a Alcest dentro de un estilo concreto. Temas que oscilan entre los dos y los nueve minutos. Algunos más accesibles que otros, aunque todos siguiendo parámetros parecidos. Entre los temas más asequibles está Nous sommes l'emeruade o el inicial Autre temps. Yo personalmente, me quedo con Faiseurs de monde y la muy Paradise Lost Là où naissent les couleurs nouvelles. Les voyages de l'àme es un disco a disfrutar con paciencia, sin prisas. Un disco para dejarse llevar. Avisados quedáis.

Blessed by a Broken Heart - Feel the power. Sacad la laca chicos...

2012-02-01T00:49:00.003+01:00

6'5/10

Mirad esta portada. Madre mía. En plan Mad Max jugando con el catálogo verano 2012 de giochi preziosi. Menos mal que dicha portada la vi bastante después de escuchar el álbum, de lo contrario no me hubiera acercado ni por asomo.

Los Blessed by a Broken Heart (también conocidos como BBABH, lo que les resta todavía más puntos) son una banda originaria de Montreal, Quebec. Y alguno dirá, diablos, canadienses, como los Rush...no. Como Rush, no. Los BBABH son bastante menos originales y más básicos. Sus dos discos anteriores son All is fair is love and war y Pedal to the Metal. Con estos títulos y esas portadas, solo podrían conseguir que lo último que quisiera fuera saber de ellos. Adornan sus canciones con un estilo metalcore comercial pero no pueden negar que son glam. Por muchas voces guturales que quieran meter, a ellos les pone la idea de tocar el Smokin' in the Boys Room de los Crüe. Incluso podrían pasar por una banda al estilo hard A.O.R. como los geniales Danger Danger, cuando entró Paul Laine en la formación. O sea, la peor época. Además son calificados como una banda cristiana...qué emoción, hacía tiempo que no le daba una oportunidad a ninguna. Desde los Stryper, creo. Hace mucho de eso ya. Por cierto, Stryper también tenía esa estética pseudofuturista como los BBABH, ¿será un requisito de las christian bands?

Aquí no soy imparcial. Me encanta esta vuelta a la música ochentera en el rock. Siempre me ha hecho tilín un buen sleazy rock, con sus toques glam, sus coros, sus solos interminables y sus grandes estribillos. Como consecuencia de todo eso, Feel the power no me puede parecer un disco tan terrible. De hecho tiene excelentes momentos. Para empezar, conviene decir que la banda ha pasado del punk hardcore de su primer disco al A.O.R. reforzado de este último. Desde luego, alguien que le gustara su primer disco no va a tragarse este cambio. Y menos con esas pintas. Pero es que tanto Tony Gambino (cantante) como Shred Sean (guitarrista) han nacido para tocar metal melódico. Lo clavan. Son una gran banda de glam metal, de verdad que me recuerdan en momentos a los mismísimos Warrant (más pop), con buenas armonías vocales, y mejores riffs y solos. Contiene los clásicos himnos que toda hair band necesita: Holdin' back for nothin', Shut up and rock (aquí me recuerdan mucho a los Taking Dawn, colegas suyo de generación y estilo) o Scream it like you mean it. También tiene mucho relleno, no vamos a pasarnos con las alabanzas. Y las letras son muy simples, pura diversión sin maldad (claro, son una christian band). Temas tan trillados como Rockin' all night (qué original), la balada pop rancia I've got you, hacen que la escucha sea mucho más aburrida. No podía faltar un tema que se titulara Forever, eso nunca. Además está bastante bien. Si no tienes prejuicios, te gustan las bandas de los ochenta y te da igual el hardcore metido con calzador (Deathwish o Love nightmare) no pierdes nada dándoles una oportunidad. Buen sonido, malas letras, buenas guitarras....lo dejamos ahí.

P.S. No, en serio, que alguien asesore a esta gente. No solo el nombre de la banda resulta especialmente empalagoso, títulos como Pedal to the metal o Feel the power no son nada atractivos. Otra cosa es que eso les de igual. Entonces vale, de acuerdo.

P.D. Será una tontería, pero hay que ver el efecto tan raro que me produce ver en un video de un grupo tan 80's revival...usar smartphones!!

Skrillex - Bangarang (EP). No, gracias. Lo estoy dejando

2012-02-01T00:08:00.001+01:00

3/10

Como no entendido en música, sino mero oyente con gustos variados, no me apetece criticar ningún disco. Todo lo que cuente en este blog son opiniones personales, por lo que poco sentido intentar sentar cátedra sobre cualquier tema sobre el que cualquier otro pudiera intervenir de forma mucho más certera. Una pequeña puntualización, seguramente no demasiado necesaria. Cualquiera que se ha pasado por aquí ya debe haberse dado cuenta que no está hablando ningún avezado crítico musical. Digo lo que siento, sin ningún tipo de cortapisas, pero sin ser demasiado cruel, no lo creo necesario.

Dicho esto, creo que dar una opinión (una más) negativa sobre un producto no hace daño a nadie. Pues bien, el último álbum de Skrillex, Bangarang, me ha parecido demasiado cercano a lo insoportable. Todas las sensaciones que puedo buscar en la, difícil , escucha de este EP (gracias a Dios) son negativas. Entiendo perfectamente que el aficionado al dubstep y al electro pueda disfrutar de algo así. Y que en ciertos momentos y en ciertos lugares, esta música pueda tener sentido. Pero desde luego, fuera de contexto, lo mejor que puedo decir de él es que es aburrido, molesto y que no aspira a otra cosa que a ser escuchado por alguien cuya última preocupación sea la música que está sonando.

Es una amalgama de ritmos sincopados, con una sempiterna base y unos samples vocales que resultan, cuanto menos, desesperantes. Las repeticiones pasan de ser rítmicas a simplemente malas. Su abuso es una de las desgracias del trabajo de Skrillex. En ese sentido le veo su pasado punk y metalcore, su deseo de marcar la diferencia, de epatar, de sorprender, o de noquear al personal. Lo de pasado entre comillas, que el chaval (Sonny Moore) tiene 24 años recién cumplidos. Y no digo que el tipo no sea capaz de crear cosas interesantes, solo que su música no me ha llegado, ni siquiera de cera. He llegado a aborrecer estos Right in time y el insoportable ritmo de Kyoto. Creo que solo el tema Bangarang y Summit podrían ser rescatados del fuego, pero solo si realmente tuviera que decir algo bueno por contrato. Quizás porque Summit parece sacado de un disco de Daft Punk que otra cosa. Si alguien quiere saber más, sólo tiene que echar una escucha en Spotify, y armarse de paciencia. Por lo demás diré también que esto no significa nada, supongo que Skrillex seguirá teniendo un éxito brutal y sus locuras controladas cada vez encajarán más. Quién sabe, quizás se dedique a hacer bandas sonoras y sea el John Williams del siglo XXI .... creo que he escuchado demasiado Skrillex....

Drive: ¿te gusta...conducir?

2012-01-29T03:11:00.000+01:00

8,5/10

Lo único que esperaba de Drive era que me decepcionara. No podía ser de otra manera con la avalancha de loas y alabanzas que ha venido recibiendo en todo el mundo. También estaba al tanto de sus defectos, pero tanto de éstos como de los aspectos más positivos, he preferido mantenerme un poco al margen hasta poder comprobarlo por mí mismo. La experiencia no ha podido ser más positiva. Si tuviera que elegir un referente personal, éste sería Amor a quemarropa, porque me ha provocado sensaciones muy parecidas tanto tiempo después.

Todo en esta cinta del danés tan preciosista llamado Nicolas Winding Refn resulta estimulante. Una cuidada puesta en escena, una estética entre nostálgica e intencionalmente démodé, unos actores que naturalmente nos llevan de la normalidad más absoluta a la violencia extrema. Y una ridículamente pegadiza banda sonora basando en el synth-pop de grupos de nuevo cuño anclados treinta años atrás junto con la música original del ya veterano Cliff Martinez (echad un vistazo a su discografía cinéfila, tiene de todo y bueno, la última la podemos encontrar en Contagio). Es difícil no dejarse atrapar por esta película que podemos definir como una preciosidad salpicada de violencia visualmente muy atractiva.

Un tipo tranquilo y callado, que trabaja a tiempo parcial como muchas cosas, desde mecánico hasta especialista de cine, pasando por chófer en golpes criminales. Su jefe medio inválido tras un accidente que frustró una prometedora carrera de piloto, decidido a salir de la mediocridad en la que vive. Un delincuente de medio pelo deseoso de hacerse respetar. Un empresario que quiere generar dinero y que está dispuesto a todo por recuperar su inversión. Una joven madre encantadora y sola con su hijo hasta que su marido salga de la cárcel. Y coches, y persecuciones y silencios. Unos silencios que cortan la respiración. Todo comienza con un escueto monólogo telefónico del protagonista, un Ryan Gosling que está demostrando mucho talento en los últimos tiempos en producciones bastante variadas. Asistimos a una escena de persecución por una ciudad de Los Ángeles, cuyas vistas aéreas impresionan tanto como lo que suceden en sus amplias avenidas. Toda una oda al coche americano clásico. No sé si se hubiera podido conseguir el mismo efecto con los menos cinematográficos turismos europeos. El estílismo del Chevy Impala burlando al coche patrulla resulta siempre difícil de superar.

Irene, la madre trabajadora enamorada del conductor e interpretada por Carey Mulligan, presenta el contrapunto real, el cercano con el que el espectador tiene que conectar. Es el personaje que nos une a la historia. Su ternura es su mayor atractivo, junto con ese aire indefenso que la envuelve, rodeada de tantos "tiburones". Bryan Cranston sigue demostrando que es un actor brillante, no era tarea fácil recrear un personaje como Shannon y darle tantos matices. El resto del elenco (Ron Perlman, Catherine Hendricks y Albert Brooks, éste tiene algunas de las mejores escenas como la de la pizzeria) está a la altura de la película creando el equilibrio justo entre lo recargado del montaje cinematográfico y la labor de los actores. Quiero decir con esto que sí, en efecto, Drive es una película visualmente impresionante. Tiene unas escenas de acción sublimes, esas persecuciones en la ciudad nocturna o en las afueras a plena luz del día, son simplemente espectaculares. Pero luego tenemos escenas como la primera en la que vemos la violencia de la que es capaz el protagonista, sentado en un bar mientras un tipo que le reconoce le propone un negocio. O la del ascensor (una de las que más se van a recordar, sin duda) en la que la química de los actores funciona como un reloj, sumándose, por supuesto, la pericia de un director que sabe lo que quiere perfectamente. Del danés ya había visto la extrañamente hermosa Valhalla Rising. Y aunque pudiera parecer que son diametralmente opuestas, sí que pueden tener puntos en común. En Valhalla también tenemos un antihéroe desconocido, un hombre callado y apático que muestra su parte más violenta cuando es necesario. Es una película de gran factura visual, con imágenes evocadoras de no siempre fácil comprensión, y con un gusto por la violencia no demasiado refinado. Pero donde Valhalla Rising fracasa es a la hora de transmitir emociones. Ahí, Drive es un triunfo absoluto.

El papel de la música no es baladí. No podía ser de otra manera. Es una banda sonora deliberadamente romántica, siempre dentro del pop más artificioso y barroco. Que choca con fuerza con una acción trepidante y con escenas muy agresivas. Personalmente no me he podido resistir a melodías tan pegadizas como "A real hero", "Nightcall" o "Under your spell". Diferentes artistas todos bajo la influencia de Air (tanto en la nacionalidad como en el estilo) o incluso podemos irnos más atrás y quedarnos con unos Soft Cell. Por otro lado, tenemos la música original de este trotamundos musical reconvertido finalmente en compositor para cine y televisión, que es Cliff Martinez. Puede que no soportara un disco de este hombre fuera del entorno natural que supone una película, pero en su contexto, la música de Martinez engancha perfectamente.

Homeland

2012-01-07T22:00:00.002+01:00

Cuando era joven e influenciable, Claire Danes me encantaba. Esa chiquilla que aparecía en aquella serie de Canal +, Es mi vida (creo que la emitían en el plus, en abierto además) que luego sería la elección lógica para Baz Luhrrman en su versión ultrapop de Romeo + Julieta. Era toda inocencia en un mundo de tiburones deseando zamparse al pescadito que aún así guardaba cierta mala leche, más que necesaria para sobrevivir. En aquella serie también salía el, ahora, pesado de Jared Leto, con el personaje de Jordan Catalano. Fíjate que ese nombre no se me había olvidado. Adolescencias aparte, poco más supe de Claire. Salvo su aparición en Terminator 3, apenas he visto nada de su cine. Excepto una muy buena película llamada Belleza prohibida (Stage Beauty) del 2004, película que recomiendo encarecidamente si os gusta el teatro. Pocas películas retratan tan bien esa época tan oscura de teatros clandestinos en la Inglaterra post-Shakespeare. Bueno, de hecho, ninguna más lo hace, creo. En cualquier caso, Claire Danes no ha dejado de trabajar, solo que no ha tenido el reclamo de hace 15 años. Aún así, ha vuelto y lo ha hecho a lo grande. En cuanto a Damian Lewis, ha estado muy presente en los últimos años gracias a su papel de Charlie Crews en Life, serie que me gustaba mucho y no solo por Lewis y su traumatizado personaje, también por una colección de secundarios muy vistosa. Pero a mí me gusta recordarlo por su absolutamente pasado de vueltas personaje de Jonesy en la machacada por la crítica Dreamcatcher. Basada en una historia de Stephen King, la película tiene muchos puntos oscuros, pero la escena del baño con Jason Lee tapando inodoro para que el alien no le haga pupita todavía queda en mi memoria. Luego lo vi en Hermanos de Sangre y ya todo me pareció mucho más serio. Pues bien, ahora juntos estos dos en una de las series de la temporada. Junto con el gran Mandy Patinkin y Morena Baccarin en un papel algo más rico en matices que la Anna de V. Por cierto, creo que hay un chiste privado o algo por el estilo cuando el personaje de Patinkin viene a interrogar a una señora y ésta le pregunta si se trata de un asesino fugado que acaba de matar a una chica, el pan de cada día del personaje de Patinkin (Jason Gideon) en Mentes Criminales. En general, todos los actores de la serie están muy bien dando una fantástica coherencia argumental que va in crescendo hasta el obligatorio "finale".

La historia de Homeland es la de Nicholas Brody, un sargento de los marines dado por muerto tras ser atrapado por unos yihadistas en Irak. Finalmente es rescatado en otra misión y lo traen de vuelta a los Estados Unidos, ahora como un héroe y un ejemplo que motive al país. Su mujer, Jessica (Baccarin), estaba tratando de rehacer su vida con un amigo de Brody y sus hijos ya se habían habituado a ser huérfanos de padre. Pero no me quiero meter en el aspecto más "rosa" de la historia, aunque evidentemente tiene su importancia. Por otro lado tenemos a los agentes de la CIA, Saul Berenson (Patinkin) y Carrie Matheson (Claire Danes). Carrie ha oído el soplo según el cual, Abu Nazir, uno de los terroristas más buscados del momento, planearía un atentado en suelo americano. Paro ello, Nazir utilizaría un topo en la figura de un soldado americano al que habría convertido a su causa. Carrie desconfía de Brody, cree que puede ser el infiltrado aunque nadie parece hacerle caso.

A lo largo de los doce episodios de esta primera temporada, vamos descubriendo los secretos que los personajes nos tienen que ofrecer. No son pocos. De eso se trata precisamente. Brody va cambiando de víctima indefensa, primero de los terroristas, luego de las maquinaciones de una enferma Carrie que intenta demostrar a todos su valía. Berenson es un hombre paciente, muy experimentado, ha preferido un tipo de vida más activa, alejada de los despachos y, principalmente, de la burocracia. Todo fluye entorno a estos personajes. Lo mejor de la serie para mí radica en ese triángulo mágico de protagonistas. Y un guión muy sólido con muchos puntos donde agarrarse que animan a querer saber más de una historia que parecía no tener un gran recorrido. Profundizamos en la vida de Carrie, enferma bipolar que no puede desvelar su secreto o la echarían de la CIA. Berenson que está perdiendo a su mujer por culpa de un trabajo que no le permite el lujo del descanso. Brody que ha vuelto como un héroe pero que corre el peligro de convertirse en un títere de los políticos deseosos de conseguir prestigio para las próximas elecciones. Y luego está su familia, ¿qué significa volver a encontrar a tu padre cuando ya ni te acordabas de él? Es siempre un motivo de alegría, ¿no es así? Pero, ¿es este hombre el mismo que se fue? ¿Qué es lo que ha cambiado realmente?

El año pasado leí una novelita de ciencia-ficción llamada ¿Quién? de Algis Budrys. Un científico había vuelto a Estados Unidos tras un terrible accidente que lo había desfigurado. Su recuperación había ido a cargo del enemigo y las sospechas recaen sobre él desde el primer momento. No tiene mucho que ver, en la novela, el científico vuelve convertido en algo irreconocible. Es el intento de demostrar quién es, de ver que aún es humano. Aquí se puede ver algo parecido, aquí tenemos a alguien muy distinto, pero ha sido mucho tiempo el que ha estado encerrado, quizás lo han lobotomizado, o quizás, simplemente, ha visto las cosas de manera distinta. ¿Sigue siendo el patriota que se marchó como el desfigurado científico de la novela de Budrys? ¿Es realmente Brody? Toda la trama, el peso de la trama, recae en esta pregunta. En saber cuáles son las motivaciones de Brody, en entender esos gestos, esas miradas, lo extraño de su comportamiento.

Otra forma de ver la serie es mediante el miedo. El miedo a que el enemigo sea capaz de convencerte, de hacerte ver que no tienes toda la razón. De eso también trata Homeland. Toda la tensión de la primera parte de la temporada viene por este lado, no queremos creer que "uno de los buenos" se haya convertido en "uno de los malos". No he visto la versión israelí, que venía a llamarse algo así como Secuestrado, pero me imagino que ambos países comparten dicho temor. Quizás la situación de Israel es más tensa y, al parecer, el peligro es más real. Por otro lado tenemos la propaganda, como otra arma a emplear por el gobierno o por los que nos quieren gobernar. Usan a Brody como un apoyo extra, lo involucran en su campaña casi como un florero, si bien él va tomando cartas en el asunto a medida que va pasando la trama. Son dos puntos fuertes a lo largo de la serie, una crítica a los medios de comunicación y a su tendencia al amarillismo, así como el eterno miedo a lo que no es ajeno.

Y luego está el funcionamiento de la CIA. No sé hasta qué punto la serie es realista, en su planteamiento a mí sí me da esa impresión. No hay grandes algarabías y todo sucede como una investigación bien planificada, pero también transmite la idea que se descartan con demasiada facilidad ciertas pistas o incluso ideas que pueden tener un fundamento. Como he dicho, ignoro si realmente es así cuando estás en una cuenta atrás o si no hay personal cualificado suficiente para estudiar todas las posibilidades. O si la política se mete demasiado en las operaciones. O las emociones personales. No es ciertamente una versión CIA de Anatomía de Grey tampoco.

Las actuaciones están muy bien. El personaje de Claire Danes se lleva buena parte de esos elogios, muchos pensarán que hacia la parte final se vuelve histriónico y totalmente fuera de pista. Y sin embargo creo que funciona a la perfección. Ella puede encontrarse desquiciada por como los acontecimientos se están precipitando y la necesidad de poner en orden todo ese puzzle de ideas que entre su cabeza y su salón. Lewis también va mostrando sus cartas. Los últimos episodios nos muestran a un Brody dubitativo, empieza a sentir la presión brutal a la que se le está sometiendo, los últimos tres episodios están realmente conseguidos. Saul es un tipo tranquilo, muy sutil (a veces uno puede llegar a pensar que él es el topo en la agencia del que tanto hablan, ¿lo es?), Patinkin tiene un estupenda actuación como especie de guía para el personaje de Carrie incluso en sus peores momentos.

Ahora bien, dicho todo esto, no sé si la segunda temporada tendrá realmente coherencia con esta primera. Para mí, el seguir tirando de la madeja del presunto terrorista puede ser un lastre en los nuevos episodios. Creo que ha sido una gran temporada, con algún altibajo, pero con muchos aspectos de gran calidad. La música entre otros. Fantástico el momento jazz en el décimo episodio y también la falta de ella cuando la hija de Brody intenta hablar con su padre, mientras éste se "prepara" en la habitación. Por no hablar del clímax final que no quiero desvelar. Quizás se abran nuevas vías en la trama para esta siguiente temporada, Nazir pueda tener mayor protagonismo. Para eso es posible que algún personaje importante deba ser sacrificado, de lo contrario creo que entraremos en un bucle que pueda cansar y hay demasiada competencia por ahí.

Los discos del 2011: Selección pobre pero honrada de lo mejor del año

2012-01-06T21:00:00.000+01:00

Este año ya pasado me había propuesto como buen propósito, de los que no se cumplen, el escuchar una música lo más variada posible. No es que lo haya podido hacer todo el tiempo, pero intentarlo sí lo que he intentado. Desde luego no me ha parecido un mal año musicalmente hablando, al menos yo lo he disfrutado bastante aunque tengo que decir también que no ha habido una gran avalancha de canciones pegadizas, al menos canciones por las que no sentirse culpable evidentemente. Ahora mismo estoy pensando en ellas, qué mente ésta. Voy a hacerlo rápido, pondré los discos que me han ido gustando más, con algún motivo que lo adorne, y luego haré una lista de cinco que sí me han dejado huella. La posición es anecdótica, depende del momento y el lugar.

In Flames "Sounds of a playground fading" Porque a nadie parece haberle gustado esta disco de los nuevos/falsos In Flames. Una banda tan veterana sin cambios es como un jardín sin flores o un banco sin abuelos "mellaos". Le falta sustancia. Me ha gustado mucho y cualquier nuevo fan podrá disfrutarlo, ahora bien si vas de talibán....

Black Joe Lewis and the Honeybears "Scandalous" Porque tiene todas las referencias que hacen falta y unas canciones impresionantes. Básico pero efectivo

Girls "Father, son and holy ghost" Un sonido impecable y un tipo con carisma. Ha estado en una secta y todo.

M83 "Hurry up, we're dreaming" Porque tiene una atmósfera absolutamente fantástica, porque no puedes escuchar una sola canción y porque se puede utilizar el adjetivo bello sin querer decir bonito.

The Answer "Revival" Porque me aporta la cantidad de adrenalina necesaria sin renunciar a la melodía. Bases blues rodeadas de riffs pesadísimos, en el mejor sentido de la palabra.

Copiloto "El inicio, el desencanto y el círculo de confianza" El amigo Javier Almazán saca su mejor disco, aunque suene a tópico. Canciones sencillas, o no tanto, pero quizás el mejor pop español que he escuchado este año.

Julien Doré "Bichon" Porque el salir de un programa de talentos cualquiera no te garantiza una vida de comodidad cantando cual marioneta. Poesías urbanas y eternas. Sin olvidar la ironía, cuidado.

Kate Bush "50 words for snow" Por tener un disco tan invernalmente cálido y hacer que me equivocara al juzgar a Bush....Kate Bush.

The Cars "Move like this" Porque quien tuvo retuvo, no es el álbum diez del 2011 pero mantiene un listón muy alto.

Laura Marling "A creature I don't know" Disco original dentro de su género folk, dentro de cualquier género. A más escuchas, más enganchado estás.

Amaral "Hacia lo salvaje" Sí, Amaral. Porque les ha quedado un disco raro y eso me ha gustado.

Anthrax "Worship music" Porque ha vuelto Belladonna y lo ha hecho muy bien. Y por esa canción que se llama como un grupo aunque no tenga nada que ver con él.

Arctic monkeys "Suck it and see" Un disco que quizás no tenga la frescura de aquel debut pero tiene la suficiente personalidad como para quedar como uno de los mejores esfuerzos del año. Algunos le han puesto dieces y todo.

Wilco "The whole love" Porque es uno de los mejores discos que he escuchado en mucho tiempo. Otro de ésos que se debe escuchar y escuchar hasta realmente disfrutarlo completamente.

Black Lips "Arabia Mountain" Porque es un disco de diversión y buenas vibraciones. Y su tema incial es infeccioso.

Lights "Siberia" Porque esta chica tiene un no sé qué y qué se yo...y no paro de poner una y otra vez este disco cargadito de pop electrónico sencillo que no facilón. Me alegra el día.

VVAA "Muppets: The Green Album" Aunque solo fuera por Mr. Bassman, ya hubiera puesto este disco entre los mejores del año.

Vetusta Morla "Mapas" Me parece que los Vetusta han evolucionado bien y nos darán clásicos del pop español de esta década, o no, lo que será aún mejor.

Frank Turner "England keep my bones" Un cantaautor punk reconvertido. Me gusta.

Ghost "Opus Eponymous" Unos Mercyful Fate menos metaleros y más reales. Grandísimo disco con una puesta en escena que mejora considerablemente.

Dum Dum Girls "Only in dreams" Su disco del año pasado no me convenció demasiado, pero este tiene algunos temas que me han llegado. De hecho, hasta me empieza a gustar el primero.

... And You Will Know Us By The Trail of Dead "Tao of the dead" Discazo. A veces progresivo, a veces unos Stones setenteros que da gusto. Gran olvidado de este año pero a recordar.

Black Stone Cherry "Between the devil and the deep sea" Pura potencia sureña sin olvidar esas melodías que tanto me gustan.

Andrew Jackson Jihad "Knife man" Diablos, otro cantaautor punk. Pero es que sus discos son tan divertidos...

Arch Enemy "Khaos Legios" Porque tiene una base rítmica brutal, porque sus riffs son impresionantes y por Angela.

Alison Krauss and Union Station "Paper Airplane" Un poco de country o como quiera que se llame la variedad de los Union Station no hace nada malo a nadie. La voz de Alison Krauss es espectacular, tan cálidad, tan cercana, tan todo...

Trivium "In waves" Uno de los discos metaleros del año para un servidor.

The Unthanks "Last" Unas voces angelicales que crean unas composiciones folk agrestes. Parece grabado en medio de un pajar, sí, pero te lleva a donde haga falta.

Jay-Z and Kanye West "Watch the throne" No soy demasiado seguidor ni del hip-hop ni del rap. Pero sé reconocer un buen disco cuando lo veo/escucho.

Sixx AM "This is gonna hurt" No es nada especial, ya lo sé. Pero ese tema inicial me ha tenido en corriendo en la bicicleta como nadie. El disco es rock americano bien hecho y tiene la firma del amigo Nikki. Un poco de rock clásico pasado por la turmix de este siglo no viene mal.

Malajube "La Caverne" Los canadienses siempre sacan discos sorprendentes, con esas armonías tan especiales y la variedad instrumental.

Los Lonely Boys "Rockpango" Buenas letras y mucho estilo.

Low "C'mon" Quizás mi disco pop del año, indie o no. Absolutamente recomendable.

Danger Mouse & Daniele Luppi "Rome" Porque sí se ve el espíritu de Morricone flotando por ahí.

Glasvegas "Euphoric /// Heartbreak \\\" Porque tiene Shine like stars y por todo lo demás.

Y aquí ya hablaría de los discos que más he escuchado este año:

5. Mastodon "The hunter" (Reprise) No me gustó nada en un principio. Me parecía demasiado inaccesible y sin embargo me ha terminado pareciendo una obra de arte barroca y no destinada a un público amplio. Los Mastodon siguen empeñados en que su marca de fábrica permanezca vigente. Y así ha sido una vez más. Curl of the burl me parece uno de los temas del año.

4. Raphael Saadiq "Stone Rollin' " (Columbia) Mi disco del verano como dije en una entrada perdida de este año. Funky, bluesy, soul...de todo en un disco perfecto que me ponía de todos los estados posibles gracias a un viejo zorro en esto de la música. Stone Rollin' sigue siendo un tema tan sexy como siempre.

3. Foo Fighters "Wasting light" Ojo, la portada ayudó. Pero es que todo el disco me pareció sublime. De lo mejor de los Foo Fighters desde This is a call. Cada vez que escucho Arlandria me vengo arriba.

2. The Go!Team "Rolling Blackouts" (Memphis Industries) Éste debería haber sido el número uno. Eso pensaba yo al menos cuando lo escuché allá por marzo. Un disco redondo, lleno de maravillosas composiciones pop sazonadas con toda clase de ritmos. Secretary song es esa canción que no te cansas de escuchar y el resto de temas son, simplemente, perfectos. No os lo perdáis.

1. Adele "21" (XL Recordings) No intento ser original en mi lista, así que poner a Adele sabiendo la manía que le tienen muchos por la sobreexplotación del Someone like you o Rolling in the deep quizás esté de más. Pero es que este disco lo he estado machacando una y otra vez disfrutando de la voz y la personalidad de esta chica destinada a grandes logros. No sé si es el mejor disco del año, y francamente querida, me importa un comino.

P.D. Hay muchos discos que no me han llegado y que sé que copan la lista de los mejores del año. Muy bien. Otros, simplemente, no he tenido la posibilidad de escucharlos. Aún podría variar esta lista, quién sabe...

Año nuevo

2011-12-31T17:01:00.001+01:00

Este año serán unas campanadas diferentes. Es muy posible, e incluso probable, que mientras la estrella de turno nos entretiene con el clásico discurso de cuartos y uvas, mientras nos atragantamos y pasamos algo de vergüenza ajena, por un falso programa de fin de año grabado en octubre...yo esté atento de Darío, esa pequeña personita que decidió acompañarnos y, de paso, cambiarnos la vida. Pronto tentrá su primer mes, ya me doy cuenta que cada vez más gente viene a verlo a él, que nos convertimos en protectores, en personal de apoyo, en secundarios. Pero el protagonista es él. Bien, así debe ser.
Este mes he abandonado el blog, esta criaturita que tanto trabajo me da, pero también satisfacciones, aunque tan poco cuantificables. En cuanto recupere mi rutina recuperaré igualmente la de la bitácora del Tercer Miope que ya va por el año y medio y ya ha superado akas 200 entradas. Pronto haré la típica entrada con mi música favorita de este 2011, así como la de libros y cine. Aún no he visto Drive y presiento que es algo que no me debo perder... Ha sido un mal año, no personalmente, pero lo estamos pasando mal. Veo mucha gente tocada, al borde de la caída libre. Los vientos de cambio llegaron, ahora lo ha hecho el propio cambio. Ojalá funcione y podamos decir que el 2012 no fue tan fiero como lo habían pintado. Por supuesto, yo soy optimista, no me queda otra. Aunque solo sea por Darío. Feliz Año Nuevo!

P.D. Por cierto, éste es mi primer post desde un móvil. No habrá muchos más, me temo smartphone mío.

Un año de novela misteriosa.

2011-12-03T18:13:00.000+01:00

Hace unos meses me apunté a uno de esos retos entre blogueros, ésta vez de la mano de Una vida de novela. Había que leer diez novelas de serie negra, cosa seguro fácil para algunos, pero para los que no leemos tanto como debiéramos, supone bastante. Principalmente porque no me siento especialmente atraído por este género, tan interesante desde fuera, tan maniqueo desde dentro. He leído estas diez, pero he dejado a medias otras tantas por considerarlas aburridas o por falta de tiempo. Eso sí, este año he leído bastante más que en los anteriores. No hay mal que por bien no venga. Éstos son los libros que han pasado el corte:

El invitado, Vangélis Hadziyannidis

Un joven universatario es invitado por un selecto y extraño grupo de personajes a un hotel semiperdido en la propia ciudad. Tendrá que someterse a una serie de entrevistas individuales y colectivas. Conocerá una chica de la que se enamorará y levantará ecos de un pasado que todos quisieron olvidar. Más típico de lo que uno hubiera podio imaginar, va perdiendo enteros conforme va pasando la lectura.

1.280 almas, Jim Thompson

Ya había comentado en una entrada anterior esta magnífica novela de Jim Thompson. No podría meterla totalmente en el género de la novela negra, al menos no tiene los personajes clásicos del género. Todo viene contado por el propio autor de los hechos, un tipo básico, cínico, egoísta y genial llamado Nick Corey. Da la impresión que nos está hablando el auténtico tonto del pueblo, hasta que la historia va tomando un cariz muy distinto. No hay misterio aquí, salvo que ocurrirá al final, pero es la novela más negra del año, aunque sólo sea por su sentido del humor y por el color de las entrañas del protagonista.

Mygale, Thierry Jonquet

La historia en la que se basó Almodóvar para su última película. También había hecho una reseña aquí. Me parece un libro fantástico, con un tratamiento de los personajes que no te puede dejar indiferente. Mucho más profundo desde el punto de vista psicológico que la película, que para mí se quedaba en lo artificioso. Muy Almodóvar, vaya.

El secreto de Chimneys, Agatha Christie

Cuando pensé en novela negra, pensé en la Christie, por supuesto. Esta novela me gustó bastante menos que otras, a pesar de lo variopinto de sus personajes. La casa de Chimneys llena de extraños invitados y un personaje acusado de los crímenes que es capaz de solucionar el problema. Bueno...me aburren un poco estas historias que se precipitan de manera tan fácil.

Asesinato en el Orient Express, Agatha Christie

No lo había leído todavía. Un pecado. Es el ejemplo perfecto de novela policíaca. Monsieur Poirot rodeado de posibles criminales en un viaje a través de una Europa que ya no existe. Clásico.

Asesinato en el Savoy, Maj Sjöwall y Per Wahlöö

Me gustan muchas cosas de la serie del inspector Martin Beck. No hay nada estridente en estas novelas de la pareja Sjöwall y Wahlöo. Aquí tenemos la historia del asesinato de un ricachón en medio de un trama internacional. Todo ello rebosante de café y sandwiches a media noche, como todas las novelas suecas.

Los hombres que no amaban a las mujeres, Stieg Larsson

Me daba una pereza empezar esta trilogía. En general, me tiran para atrás todos los libros de los que todo el mundo habla. Llámame snob, o simplemente chulolibrerías. Pero no es eso, es que cuando leo me gusta descubrir el mundo por mí mismo y no tener a todo el mundo contándome las maravillas de lo que tal o cual escritor ha tenido a bien publicar. Reconozco que me ha gustado esta primera entrega, tengo las otras dos pendientes. Me llegó a aburrir un poquito al final, aunque todavía tengo ganas de leer el resto. Al fin y al cabo, se trata de un fenómeno mundial y uno no puede ir contra todo el mundo, ¿no? Claro que sí, para eso está Lisbeth.

El enigma de París, Pablo de Santis

Como me costó terminarme esta historia. Y eso que la cogí con ganas. Un intento de rescatar el espíritu de las novelas de Conan Doyle, ambientada en París, donde los detectives más importantes y envidiosos del mundo, deben solucionar un crimen en su propio campo. Por supuesto, serán sus asistentes (ahí está la vuelta a la tortilla) los encargados de solucionarlo. Aburrida.

Miserere, Jean-Christophe Grangé

Dos inspectores muy diferentes deben resolver una serie de terribles crímenes en París. Nazismo, niños asesinos, música sublime...esta novela, de la que hice una reseña en su día, lo tiene todo. Grangé es un escritor ya consagrado. La verdad es que retrata el mal en el ser humano de una manera muy acertada. Da miendo en algunas ocasiones.

El hombre del balcón, Maj Sjöwall & Per Wahlöo

La primera de las novelas que leí de Martin Beck y la que más me ha gustado. De hecho, creo que es la novela de este reto que más me ha gustado. Que más me ha satisfecho, vamos. No es especialmente siniestra, a pesar que habla de asesinato de niños, a veces llega a ser fría incluso. Pero los diálogos están muy logrados y la trama se desarrolla con gran normalidad. No es tramposa. Ya hablé de ella aquí.

Extra:

Morituri, Yasmine Kadhra

No es la novela policíaca de mi vida, tampoco lo es exactamente, quiero decir, no es novela negra. Pero la historia que Kadhra cuenta aquí está tan bien narrada, una historia urbana, llena de realidad, que te engancha. Es una visión de Argel distinta a la que podríamos tener, desde luego mucho más dura y donde aprendemos que hay cosas que no cambian.

Habemus Papam, de Moretti. It's hard to be a saint in the city...

2011-12-03T00:13:00.000+01:00

7.5/10

Nanni Moretti hace cosas interesantes. Quizás no me guste todo lo que he visto suyo, y es posible que pueda estar sobrevalorado en algunos aspectos. Confieso que me emocioné con Caro Diario y que lloré con La habitaición del hijo, que no entendí del todo Bianca y que no pillé todos los matices de Il caimano. También los hay quienes critican de forma severa a Moretti por ser demasiado intelectual o por no ser todo lo mordiente que debería. Críticas para todos los gustos. Total, es gratis. El caso es que este Habemus Papam del viejo Nanni me ha gustado, pero no por las razones que me había imaginado. Antes de ir a ver esta película (en italiano, vi prego), ya me había inventado yo otra. A ver, tenemos a Moretti, de izquierdas y ateo por la gracia de Dios como se dice, a punto de enfrentarse a un tema que no es nada habitual. El Papa. Quizás por aburrido, no es que pueda recordar muchos Papas en la historia del cine. Las sandalias del pescador y el desafortunado de El Padrino III. Hacer una película sobre el jefe de la Iglesia Católica, en Italia y en Roma, tiene su grado de valentía. Pues bien, la película, sin pretender ser un vehículo de lucimiento para Ratzinger, obviamente, no es despiadada ni mucho menos, al contrario, resulta tierna y humana, a veces divertida, a ratos melancólica. No es una mirada tópica y eso me ha gustado.

La Ciudad del Vaticano se prepara para la elección de un nuevo papa. Como siempre, la multitud espera paciente en la Plaza San Pedro expectante ante la decisión que se presenta difícil. Las casas de apuestas no tienen un ganador fácil y el cónclave de cardenales no parece tenerlo claro. Finalmente, el nuevo papa (Michel Piccoli) es elegido. Llega el momento importante por excelencia, la fumata blanca. Y, a continuación, la anunciación del nuevo sumo pontífice en el balcón, donde dirá unas palabras en su nuevo cargo. Justo cuando es anunciado, aunque aún sin decir el nombre, aparece una terrible crisis en él, apenas puede contenerse y sale huyendo a esconderse. La ventana se cierra y todo el mundo permanece estupefacto ante la idea de un papa en crisis. El portavoz intenta evitar todo el río de rumores que amenaza con desbordarse y arrastrar cuanto encuentre a su paso. No están los feligreses para crisis de fe. Lo dejaremos en un enorme cansancio que necesita un tiempo para su recuperación. El estrés, la fatiga emocional, todas esas enfermedades modernas. Nadie sabe qué le pasa al nuevo papa, así que un psicoanalista viene a echar una mano (el propio Nanni Moretti, como no). Imposible hacer una sesión fructífera con tanto cardenal alrededor. Lo mejor será que el nuevo papa, de incógnito, vaya a ver a alguien externo que le pueda ayudar, la propia esposa del psicoanalista ahora encerrado en el Vaticano. La actriz Margherita Buy será la encargada de ayudar a ese entrañable aunque algo opaco paciente que dice ser actor. Nada fácil. Y mientras tanto, el clamor popular se hace cada más fuerte. ¿Dónde está el papa y qué le pasa? ¿No será que no quiere el puesto? Eso puede pasar en cualquier otro trabajo, pero cuando es el mismo Dios el que te lo pide, ¿cómo puedes decir que no? Un poco estresante sí que es.

Uno se pregunta cuando ve todas esas imágenes tan reales si es que el Vaticano se ha vuelto loco y le ha dejado filmar a Moretti a sus anchas. Ciertamente hay momentos que tiene uno dudas, otros planos en cambio son de un pobre montaje. Parece ser que la embajada de Francia en Roma y una copia casi perfecta de la Capilla Sixtina han sido más que útiles para dar credibilidad a esta fábula morettiana sobre la condición humana bajo los designios divinos. En Habemus Papam tenemos una historia que ciertamente puede ser real, aunque su desarrollo se me antojo del todo inviable. Esos cardenales repitiendo para sus adentros "no, yo no" ante la posibilidad de ser elegidos como nuevo papa, sus caras de póquer que esconden la angustia ante convertirse en una figura tan importante. Esos mismos cardinales tan relajados jugando al volley o a las cartas, aliviados porque la carga la lleva otro, pero también abiertos ante el psiocoanalista Moretti que no dudará en aprovechar la ocasión de confrontar mente-alma en campo contrario. Por otro lado tenemos a Michel Piccoli como ese hombre que no se ve capaz de afrontar la tarea asignada, que huye esperando encontrarse a sí mismo refugiándose del mundo en el propio mundo. Los peores momentos de la cinta son esas divagaciones finales donde parece que el director no sabe como acabar la historia. El personaje de la psicoanalista (Buy), a pesar de su importancia, no resulta todo lo interesante que debiera. Y esa noche con el grupo de teatro no nos lleva a ningún sitio, sin embargo el paseo entre los fieles, todavía anónimo nos lleva a pensar la idea en la idea de aquella figura pública que tan solo desea poder conseguir unos minutos de privacidad antes de que su vida cambie para siempre. No tiene maldad esta historia, que tampoco puede ser una sátira o una parodia, es una historia muy humana, no demasiado creyente, me temo, con un final inesperado y con divertidas actuaciones. Muy interesante.

"Father, Son, Holy Ghost", Girls

2011-12-02T21:12:00.000+01:00

8,5 /10

El segundo disco largo del dúo californiano Girls, asentado en San Francisco, es sencillamente un regalo para los que nos gusta el pop-rock hecho con gusto. Es un disco limpio, de sonidos amables pero que intentan salirse de su propio encasillamiento en distintos momentos. La pareja formada por Christopher Owens y Chet "JR" White han creado once canciones que son pequeños pedazos de realidad. Letras explícitas que se basan en repeticiones para llegar a un grado de intensidad inesperado. Da la impresión que el rock indie brillante, alegre y explosivo de la primera canción, Honey Bunny, se va disipando en algo mucho más intimista, a veces demasiado intelectual, pero que aceptamos de buen grado. Una colección de canciones variada, llena de referencias de no difícil localización, que se escucha con placer.

El primer disco de Girls, Album, ya había sido todo un éxito de crítica, aunque éste me guste aún más. El título suena contundente: Father, Son and Holy Ghost. Se podría decir que es una referencia al controvertido pasado religioso de Owens, que pasó toda su adolescencia metido en la secta Niños de Dios (Children of God), lo que le granjearía más de un problema con su madre (la que lo introdujo) y que está reflejado en canciones como My Ma. Parece que no tiene que ver este potente título con aquel controvertido culto y simplemente es un recurso estilístico más. Está indicado en la portada que es el tercer disco ya que tienen en cuenta su EP del año pasado Broken Dreams Club. Owens es un tipo curioso, leyendo cosas sobre él, vemos que parece una persona muy honesta, algo prepotente, o quizás solo sincera, lo que puede llevar a confundir. Desde luego reconoce sus limitaciones, habla con total libertad de sus referencias y las deja notar en sus discos. Es el cantante del dúo y es cierto que justo ahí radica el punto flojo del álbum. Desde el punto de vista instrumental, el álbum es una joya. He disfrutado de todo y cada uno de los arreglos, de esas guitarras distorsionadas tan pesadas de Die, de los coros quasi gospel de My ma, del sonido sesentero de Saying I love you...pero la voz de Owens, que puede tener su papel en ciertos momentos, llega a aburrir por monótona y falta de matices. Sabiéndolo como lo sabe, Owens contó en una entrevista para la revista Pitchfork que envió un tweet a Justin Bieber pidiéndole ser el cantante de Girls. Parece que iba en serio, según Owens, con las "fantásticas" canciones que el grupo tiene, Bieber se convertiría en el nuevo Julien Casablancas. Dice también algo parecido de Beyoncé, cree que con su voz, Love like a river sería un número uno. Desvaríos aparte, no le falta razón en que esas canciones son realmente buenas y que cualquier otro cantante con mayor registro podía darle una vida muy diferente, lo que no quiere decir que nos encontremos ante una calidad medianera. Al contrario, el disco la desborda.

Canciones como Magic, que le iría perfecta a Elvis Costello, hacen que lo escuche una y otra vez. Entiendo que las letras no son lo más original del año, pero funcionan perfectamente. Es un disco pop con tintes rock perfectamente estructurado. Destaca Vomit, un canción sobre el vacío de la pérdida y la necesidad y urgencia que se nos plantea ante ella. Una suave entrada con la voz casi lastimera de Owens, que puede recordarte a los Mercury Rev con un brillante final donde atruena un Hammond y unos fantásticos coros Gospel que te dejan enamorado. Jamie Marie es el tema final, apenas una guitarra que suena bajo la voz un poquito más grave de Owens, para dejar paso a una entrada más instrumental que te llena de melancolía y de deseos frustrados: "Maybe I didn't realize the way I loved the way you moved, 'till I moved so far away I couldn't see you anymore". Pérdida y frustración, algo tan antiguo y tan repetido, pero tan cotidiano y familiar, que no podemos desdeñarlo sin más. Resulta difícil innovar aquí, por eso no valoro tanto la originalidad del disco como lo bien construido que está. Un disco que no puedo recomendar a todo el mundo salvo que se tenga el tiempo de escucharlo tranquilamente, reflexionando sobre si sí o si no durante una hora entera. ¿Tenemos tanto tiempo?

Attack the block

2011-11-26T19:10:00.000+01:00

6,5 / 10

Si me entero yo, como buen amante del cine ochentero, que hay una película donde unos chicos malos malotes, pobres ovejas descarriadas, de la periferia londinense son atacadas por unos seres alienígenas de implacable actitud y voraz apetito, entro en crisis orgásmica. ¿Pero no eso la temática de los Critters? Pero en los Critters no había malos malotes, solo gente sana del campo, creo. Aquí tenemos a la chusma abandonada de las afueras enfrentándose contra aliens despiadados. Muchos además. La ciudad se hunde, la hecatombe de la civilización, y nos salvan unos descarriados. Espera, eso lo hemos vista ya. Sí, y nos sigue gustando.

La cosa no empieza muy bien. No podemos simpatizar con un grupo de chavales que rodean a una indefensa y agradable señorita, Sam (Jodie Whittaker) en medio de la noche, robando a base de miedo y amenazando con una agresión sexual. No señor, así no te puedes convertir en un héroe de barrio. Pero ahí los tenemos, un grupo de delincuentes de poca monta con su pequeño botín. Fantaseando con sus hazañas, tienen la suerte de encontrarse con una extraña y agresiva criatura a la que matan. No saben qué es, un perro, un mono...pero se la llevan, un poco para que alguien les diga lo que es, un mucho para exhibirse. Encerrados en un bloque de viviendas de lo más claustrofóbico, descubren que el bichito en cuestión no está solo y muchos amiguitos han venido a hacérsela pasar canutas. Ahí tenemos un grupo de personajes de lo más variopinto que deben hacer frente común a semejantes criaturas. Y todo en apenas hora y media. Como debe ser.

No pretende esta película ser un nuevo Alien para las generaciones venideras, la tensión, que la hay, es más efectista que real. Mucha pose, mucha posturita, mucha frase hecha para definir al personaje. No, no voy a decir que haya sido la mejor película del año. Pero sí ha sido divertida. Lo mejor de todo es como el director maneja un grupo de chavales tan diferentes, con actores más conocidos y, sobre todo, como filma las escenas de acción en un esa zona de bloques, fría como un laberinto de cemento. Me han encantado todas esas secuencias de persecución a pie, en coche, en bicicleta...muy conseguidas. Las actuaciones están bien, es decir, en una película donde se pasan la mitad de la película con un bate de baseball en la mano (de cricket hubiera sido demasiado british...) amén de otras contundentes armas de cuerpo a cuerpo, o bien los personajes están fumados, qué se puede pedir más...bastante es que la acción no decae y tiene ciertos momentos de distensión. Pero ojo, esto de comedia adolescente nada, salvo algunos momentos de humor, el ambiente de toda la trama es más bien oscuro. En consonancia con todo esa nueva generación que estamos viendo de adolescentes descreídos, que piensan que The Goonies es demasiado infantil (y, sin embargo, se mueren por Twilight cuánta incoherencia junta). Hay muchos cabos sueltos, hay momentos en que la historia no tiene interés y sólo quieres que aparezcan los invasores y desmembren a algún personaje, pero aún así, es muy divertida y se pasa volando. Me vale.

P.D. Además, la estética de los bichitos alienígenas está más que bien, simple pero efectiva.

P.D. (2) Había olvidado mencionar la urbana banda sonora a cargo de los Basement Jaxx. Otros que se unen al grupo de bandas de electro que se meten a eso de las bandas sonoras. Ya tenemos algún ejemplo este año: Daft Punk con Tron: Legacy, The Chemical Brothers con Hanna. Es una banda sonora creada para la película y sirve más de acompañamiento que como otra cosa. Funciona bien, pero no llega a las de los dos citados anteriormente. ¡Ojo! Este video tiene spoilers muy muy importantes.

Crazy, stupid love. Crazy, stupid movie

2011-11-26T19:08:00.000+01:00

4/10

Siempre he pensado que una comedia de dos horas tiene que ser realmente buena o se convierte inmediatamente en una plasta de dos horas, embarrando todas sus virtudes y convirtiéndolas en defectos. La historia de como diferentes modos de vida se van entrelazando hasta el "clímax" final puede tener su punto, así suele ser en la mayoría de las ocasiones, pero aquí me parece todo muy forzado y desde luego nada divertido. Entiendo que Steve Carell es un gran cómico, como lo es Emma Stone, claro que sí. Que Ryan Gosling puede tener su vena graciosa cuando hace de chulo de gran ciudad, aunque se convierte en penoso al transformarse en "regular boy", es un hecho, tanto como Julianne Moore no es nada divertida, con esa manía de convertirlo todo en un drama tipo The hours, y, por supuesto, los niños. Qué pesados.

Esta es la historia de un matrimonio que se descompone, el de Carell y Moore, sus hijos lo terminan aceptando de una manera más o menos racional, teniendo en cuenta que ellos también tienen sus propios asuntos que resolver. Emily Weaver (Moore) tiene una relación extramatrimonial con David Lindhagen (Kevin Bacon), lo que irrita a Carl (Steve Carell) aún más. La niñera de los Weaver está enamorada de Carl, pero el hijo de Carl lo está aún más de ella, Jessica (Analeigh Tipton). Carl se esconde en un bar donde ve como su maravillosa vida se desmorona, allí un seductor empedernido llamado Jacob (Gosling) intenta darle un par de consejos para conseguir remontar su vida social y sexual. Por otro lado tenemos a Hannah (Emma Stone), emocionada ante la idea de poder casarse con su novio, pero un encuentro con Jacob le cambiará la vida. Y Kate, la profesora del hijo de Carl y Emily (Marisa Tomei), bueno...un desperdicio de personaje. Y luego está la hija pequeña de Carl y Emily, que no importa demasiado sinceramente...

Me ha gustado algunas cosas del principio, me ha gustado esa primera interacción entre Gosling y Carell, a partir de ahí no me he creído nada y no me ha hecho ninguna gracia. Destaco por vergüenza ajena la escena de la comida familiar en casa de los Carell, con todos esos encuentros. Y la escena de la graduación del chaval de los Weaver, cliché a más no poder. Emma Stone se está ganando un puesto como estrella de la comedia, desde luego tiene todo el potencial para convertirse en la referencia de los próximos años. Pero las tiene mucho mejor. Ésta es la cuarta película que veo este año de la Stone, junto con The help, Friends with benefits, Easy A y ésta misma. Easy A es la que realmente me ha deslumbrado, el resto...para olvidar. Y Kevin Bacon está horrible, no será su culpa, él hace lo que le pide el director, pero su trabajo me parece más que impersonal. Así que esta Crazy, Stupid Love, no la puedo recomendar por más que me hubiera gustado. De verdad, las escenas finales (la famosa escena de la foto de la babysitter inclusive...) resultan un sin sentido. Por no hablar del tufo a moralina que tira la película, soy un truhán, soy un señor...Dejémoslo estar, supongo que tendrá su público, al fin y al cabo, Gosling está todo cachas.

Crossed, de Garth Ennis y Jacen Burrows.

2011-11-19T22:00:00.000+01:00

Garth Ennis podrá gustarte más o menos, pero al lector de cómic novato le puede suponer un auténtico "destroyer". Sus guiones no dejan indiferente a nadie, tiene una forma de narrar historias que te hacen perder la fé en la especie humana. Tanto en Preacher como en The Boys ya hemos visto parte de la habilidad narrativa de Ennis, pero aquí en Crossed, el tipo roza el nihilismo, cuando no se mete de lleno. Aquí cuenta con la espectacular ayuda del dibujante Jacen Burrows que ya había trabajado con Ennis en Chronicles of Wormwood. Todo ello amparado por Avatar Press, mejor lugar no había para albergar semejante locura.

El mundo se ha vuelto loco, una vez más. Un grupo de supervivientes intenta escapar a través de un escenario terrible. Una plaga vuelve a los seres humanos animales sin ningún tipo de raciocinio que no sea el de la cruelda. Es como si todos los instintos más bajos estuvieran sin control, siendo la lujuria y la violencia asesina los predominantes. Stan, Kelly y Thomas se unirán a la dura Cindy y a su hijo para escapar como sea, preguntándose qué está pasando. A su alrededor, imágenes de violaciones, mutilaciones, el horror más absoluto. Pronto se darán cuenta que mediante los fluidos la plaga se propaga y es lo que están buscando, de una manera desordenada en un principio, mucho más controlada después, pero siempre salvaje. El grupo de supervivientes pasará por un auténtico calvario a lo largo de los nueve números que conforman esta primera serie (la única que tiene a Ennis como guionista), teniendo como objetivo el llegar a Alaska en la creencia que allí tendrán una oportunidad.

No es difícil ver como esta historia se enmarca dentro de la oleada zombie que estamos viviendo, en todos sus formatos. Si cabe, estos "crossed" de Ennis y Burrows me parecen aún más terribles que los propios zombies. El muerto viviente es una deformación del ser humano, terrible y perturbadora, pero tú no tienes porqué ver su "humanidad". Ennis nos presenta aquí unos seres terribles, sin remordimientos, sin sentimientos, pero de apariencia espantosamente humana. Vemos estos seres como un reflejo de nosotros mismos con todas nuestras perversiones expuestas en nuestro propio rostro con esa terrible cruz de sangre y pus. No hay treguas, no hay descanso, los autores nos ofrecen una visión apocalíptica del mundo y sin esperanzas. Llega un momento en la narración que los supervivientes empiezan a plantearse la vieja diatriba en este tipo de historias llamadas "survival": ¿tenemos derecho a seguir viviendo cuando una raza superior nos están extinguiendo, no es eso la evolución?

No es un cómic para gente sensible. Cada portada viene seguida de otra de una crueldad hiriente. No se escapa nadie de la posibilidad de ser masacrado, y no hay contemplaciones en el guión tampoco. La historia es tan simple como parece, es un corre que te pillo contínuo. Salpicado, eso sí, con jugosos flashbacks y suculentas confesiones fuera de lo común, que crean un retrato bastante colorido de los protagonitas. Hay imágenes que se te quedan en la memoria mucho tiempo, quizás demasiado. El empleo del gore está sobreexplotado, creo que una vez puesta en marcha, la historia no necesitaba tanta carga de violencia para continuar, aunque eso irá en gustos imagino. Al final te quedas con una historia contundente, sin demasiados matices, que te deja algo frío al final, si bien no creo que fuera la intención del autor el hacerlo de otra manera. Hay que recordar que ya hay cuatro series de Crossed. Family Values, 3D y Psychopath. Son historias paralelas a la de Ennis, que transcurre unos diez meses después del primer brote, pero no mantienen ninguna continuidad en la trama. Por cierto, el año pasado se dijo que se iba a hacer una película con Kevin Spacey. No sé nada del proyecto, pero no lo veo. Creo que no hay película, y menos mainstream, que pueda transmitir tan fielmente lo que Crossed nos cuenta. Para el que disfrute del cómic sin grandes pretensiones, pero con buen estómago.

Criadas y señoras (The help), tan clásica como efectiva

2011-11-13T00:00:00.001+01:00


7/10

Una de esas películas que sabemos que les va a ir bien en esta carrera que son los oscars. Hay mejores películas (y peores, muchas además), pero Criadas y señoras (The help) tiene todas las características de ese tipo de producciones que encajan como un guante en el gusto de los académicos desde el principio de los tiempos. No he tenido ocasión de leer la novela de Kathryn Stockett, ignoro el grado de fidelidad que habrá guardado el director y guionista (y actor) Tate Taylor, pero éste ha confeccionado una historia muy emotiva que te engancha desde el principio.

En una ciudad del estado de Mississippi nos encontramos con las historias de unas criadas negras en el seno de familias blancas, de las llamadas, de bien. Es el principio de los años sesenta, los Estados Unidos están preparándose para una década de cambios políticos y sociales, y este estado clave en la América más profunda sigue manteniendo unas reglas muy estrictas que están condenadas a desaparecer. Es la historia de estas criadas negras que se dedicaron a llevar las casas de los blancos, lo que incluía la cría de los hijos. La parte más dolorosa no venía del trato, en demasiadas ocasiones, vejatorio que recibían de sus jefes, sino quizás del olvido en el que caían estos niños blancos una vez que crecían con tal de seguir manteniendo unos roles sociales ya tan fijados. Es la historia de Aibileen y Minny dos criadas decididas a colaborar con Skeeter en su intención de escribir un libro sobre las vidas de todo ese "servicio". Skeeter representa el cambio generacional entre las mujeres blancas, independiente y con pensamiento propio, no quiere prestarse al juego social al que todos la quieren someter.

Hay muchas cosas que destacar en The help, no cabe duda. Desde el cartel vemos que va a ser una película colorista (nada de chistes malos), llena de luz como corresponde a un estado del sur por supuesto. Un vestuario realmente lucido en unas actrices que destacan en casi todos los papeles. Los sesenta son muy cinematográficos, los sesenta americanos, claro. Si obviamos los conflictos armados, los magnicidios y las revoluciones sociales...los sesenta son perfectos. Buena música, peinados espectaculares, entallados vestidos con curvas, pero curvas de verdad...un placer. Junto con todos esos detallitos, tenemos una trama que desarrolla una historia conmovedora, un poco sensiblera a ratos, inverosímil en otros, pero que a poco que te dejes llevar, se disfruta. Lo mejor no es la trama, que tiene algún que otro altibajo y que parece contada a tirones. Parece que los eventos van ocurriendo solos, sin un nudo que los una. Quizás el adaptar una novela tenga esos incovenientes, o quizás simplemente una historia más trabajada hubiese sido demasiado larga y sería un pecado que tantos detalles tan interesantes se perdieran. En el dvd habrá escenas eliminadas, quizás den un poco más de coherencia.

Pero, de nuevo, lo mejor de esta historia son sus personajes, sus personajes femeninos. Los masculinos, como no podría ser de otra manera, son meros comparsas. Aibileen Clark (Viola Davis) es personaje que inicia la historia, su tranquilidad y su prudencia son esenciales para seguir con su vida, a veces convulsionada por la aparición de ese terremoto emocional que es Minny Jackson (Octavia Spencer), puede tener los mejores momentos de la película seguramente. Entre las "señoras" están Bryce Dallas Howard en el papel de Hilly Holbrook, alguien a la que se puede facilmente odiar, aunque pronto te das cuenta de que no es otra cosa más que una víctima de su propia vida. Otro peculiar personaje es Celia Foote (Jessica Chastain), marginada por el selecto grupo de señoras bien de la ciudad que lucha por integrarse aún a riesgo de su propia salud. Celia es de los personajes que mejor crece durante la película, para mi gusto. Y tenemos a Skeeter (Enma Stone), la protogonista y símbolo del cambio. Además, muchos personajes secundarios que van y vienen con diferente suerte. A mi me gusta especialmente el de Mary Steenburgen en el papel de la editora Elain Stein, siempre al teléfono e implecablemente vestida animando a Skeeter a que de el gran paso.

Y sí me ha gustado Emma Stone, a pesar de no ser una actriz que me enamore. Me ha parecido divertido esa forma de caminar, tan antinatural y, claro, poco femenina. Es cierto que sí le va ese tipo de personaje que no encaja. Bryce Dallas Howard está muy bien como mujer insoportable que esclaviza a quién le rodea. La nueva estrella Jessica Chastain gana enteros haciendo un personaje tan aparentemente vacío como Celia, llenándolo de humanidad y hasta de gracia. El personaje de Minny es un regalo, llevando de la risa al drama en un segundo, mientras que Aibileen es el equilibrio. Está condimentada esta película con todo tipo de salsas y especias, pero creo que con la que nos quedamos todos es la de la esperanza en que los tiempos cambian, sobre todo cuando decidimos cambiarlos.

P.D. El trabajo del director no ha sido especialmente destacable, su montaje final me ha parecido lo peor de toda la película, así que tendrá que ponerse las pilas para una próxima vez. También es verdad que manejar tal cantidad de presupuesto y de personal no debe ser nada fácil. Una cosa que me ha gustado mucho es el principio de la cinta. Aparece una libreta de notas, la de Skeeter, y una mano escribe "The help", no hay más títulos de crédito hasta el final. Me pareció un detalle magnífico.

"Lulu", de Lou Reed & Metallica

2011-11-06T21:19:00.000+01:00

"I will swallow your sharpest cutter
Like a colored man’s dick"

Pumping blood

Lou Reed & Metallica
Lulu
6/10

Como todo el mundo, creo, me sentí un poco confuso cuando oí que Metallica iban a colaborar con Lou Reed. Nada extraño, no hace tanto que escuchamos ese You really got me con Ray Davies. Pero aquí hablaban de todo un disco. Soy el primer equivocado. Pensaba que iba a ser un disco en conjunto y es más bien un nuevo disco de Lou Reed que se apoya en la música de Metallica para construir un trabajo difícil y que, desde luego, no va a gustar a todo el mundo. Parece que hacer eso hoy en día es un pecado. Es decir, el objetivo de todo artista es contentar a su base de fans, si te sales del carril es siempre para peor. No hay margen de error ni espacio para la experimentación. Hazme lo de siempre, guapo. He visto algunas críticas a este disco, duras la mayoría. No digo que no tengan una base, de hecho estaba de acuerdo con la mayoría, pero sucesivas escuchas del álbum me han hecho cambiar de idea. En cuanto a las críticas, cada uno es libre de decir lo que piensa, por supuesto, pero no se puede negar que muchas de esas críticas tienen de objetivas lo justo. La revista Pitchfork daba un 1 a este disco. 1 sobre 10. Y sin embargo a cualquier bazofia moderneta plagada de sintetizadores y con niñatos despeinados le dan un mínimo de 6. Si saca Kanye West un disco sin escucharlo ya le he puesto un 10, ya iremos bajando si pasa de moda. Creo que la diferencia es excesiva. Teniendo en cuenta que la revista en cuestión rara vez hace críticas metaleras, es como si la Revolver magazine se pusiera a comentar el último disco de Beyoncé. No sería del todo justo.

Pero tampoco voy a decir que el disco me haya encandilado. Y sí, debo reconocer que he hecho el esfuerzo de volver a escuchar canciones que me desagradaban por el hecho de poner Lou Reed y Metallica. El gran problema para mí es la publicidad que ha rodeado el proyecto. Todo el mundo (Lars, Kirk y compañía, además del propio Reed) hablaba de él como de algo revolucionario, una especie de cambio de rumbo en la música rock de este siglo. Todo lo que pudiera surgir iba a estar por debajo de las expectativas. Y así ha sido. Muchos han aprovechado ese fracaso (tal cual) para cebarse. Lo que Lou Reed quería era hacer un disco conceptual, de ésos que no nos suelen gustar, basándose en las obras del dramaturgo alemán Frank Vedekind, fallecido 1918 y que formó parte en su madurez artística del movimiento expresionista. Este movimiento pudo tener repercusiones en otras partes del mundo (aquí lo siguió Unamuno y en América está el caso de O'Neill) pero sobre todo se trata de un movimiento artístico alemán. Podemos verlo en pintura, por supuesto, pero en el teatro y en el cine posteriormente (El gabinete del Dr. Caligari, por ejemplo) es donde más éxito cosechó. Decir solamente que el teatro expresionista se caracterizaba por una puesta en escena muy bizarra y barroca (la música de Metallica no tenía por qué estar tan lejos entonces de ese sentimiento), unos personajes planos y con poco diálogo pero extraordinariamente expresivos. Es una visión distorsionada de la realidad. No es nada objetivo y busca la emoción directa en el espectador. Hay que pensar que el principio del siglo XX era una época muy convulsa en Europa, el periodo de la I Guerra Mundial fue devastador para los sueños expansionistas de muchos políticos y, desde luego, acabó con las esperanzas del ciudadano de a pié que se veía reflejado en estas obras en su mayor parte angustiosas y terribles. Que Lou Reed se interese por este proyecto me resulta muy lógico y si puede aprovecharse de Metallica, y viceversa, pues adelante.

Las obras de Vedekind eran subversivas en aquella época, pero es que hoy en día lo siguen siendo. Lulu es un personaje demasiado libre para una época que no quería perder las apariencias. Las letras de Reed son siniestras, oscuras y la música de Metallica (con alguna voz de Hetfield, pero ojo, no canta el bueno de James) se adapta a la perfección. Personalmente, no me gusta la voz de Lou Reed en este disco. Me resulta desagradable a ratos, quizás es la intención también. Sin embargo, aprecio el valor que ha tenido por intentar algo fuera de lo habitual. No es que Lou se haya limitado a seguir los caminos fijados, pero aún así, el trabajo merece la pena que sea considerado. En este caso me gusta mucho más la segunda parte del disco que la primera. Son canciones más íntimas y donde la voz profunda, grave y poco tranquilizadora de Lou Reed sobresale tras haber quedado demasiado en evidencia en las primeras canciones. La música de Metallica puede llegar a ser repetitiva y aburrida. Pero también explosiva y visceral. Entiendo que un fan de 15 años amante de Funeral for a Friend se pueda perder con un disco como éste. Pero estos señores llevan treinta y tantos años en la música y el otro cincuenta, creo que se han ganado el derecho a hacer algo diferente. Hay temas que sinceramente, me gustan mucho, como Pumping Blood o Iced Honey (el más comercial si es que se puede usar una palabra así con este disco). En la segunda parte del disco, destaca Dragon y la final Junior Dad, la más alejada del sonido Metallica y más cercana a lo que esto pretendía ser, una especie de partitura para la banda sonora de un eventual montaje de las obras de Vedekind.

Ahora bien, no es un disco que me guste. Simplemente he querido entender algo más de él. No me gusta, ya lo he dicho, la omnipresente voz de Reed, ciertamente más acertada en unas que en otras. La mayor parte de las composiciones tienden a perderse sin que puedas dejarte llevar por ellas. Toda la fuerza que quisieras encontrar en unos Metallica está desaparecida y te preguntas si no hubiera sido mejor una base más progresiva o quizás una banda más cercana al espíritu de Reed. Creo que está claro que el artista de Berlin o Transformer buscaba romper el equilibrio con esta combinación y, muy personalmente, pienso que ha sido un error en su mayor parte, pero no un completo fracaso ni mucho menos. Aún estoy disfrutando con las notas finales de Junior Dad. Incluso dejan un buen sabor de boca.

El perfecto anfitrión

2011-11-02T10:00:00.000+01:00

6/10

En una entrada anterior comenté que no me gustan nada las películas tramposas. Pues El perfecto anfitrión lo es, aunque para ser justos, no del todo. Hay varios detalles que permanecen inexplicables al espectador y que los tenemos que aceptar, así en plan deus ex machina. Aparte de trampillas cinematográficas, la película creo que puede gustar o también puede aborrecerse casi por igual. Una película con polémica...mmm....Veamos, la historia es la siguiente: John Taylor (Clayne Clawford) necesita esconderse tras haber cometido un robo y caer herido. Desesperado intenta varias lugares hasta encontrar a Warwick Wilson (David Hyde Pearce) al que engaña para que le deja entrar con la excusa de haber perdido el equipaje. A partir de ahí se desarrolla una historia giros argumentales y juegos mentales que tiene muchos puntos interesantes. No desvelo nada más porque realmente merece la pena verla con la menor cantidad de información posible. Así que si podéis, no veáis el tráiler, es uno de los que destripan todas las sorpresas.

Nick Tomnay es el director y guionista de esta pequeña producción que está teniendo cierto éxito gracias, precisamente, a la original historia y a la encomiable labor actoral de los dos protagonistas, sobre todo de Pearce (el inolvidable Dr. Niles Crane en Frasier). Es el primer largo de este joven realizador que, desde luego, apunta maneras. Ha creado una historia aparentemente sencilla pero con muchos matices que le dan un color especial. Como he dicho, en ciertos momentos se saca algunos trucos de la manga que te pueden parecer irritantes pero el resultado general es aceptable. Creo que la película se podría dividir en dos partes: la primera es la historia que pasa en la casa, sin duda alguna, lo mejor de toda la historia. La segunda es el final fuera de la casa, muy mal acabado. Estropea todo lo bueno que habíamos visto. Una tercera parte serían los flashbacks de John, necesarios para entender las motivaciones del personajes y ... el final. Esa primera parte tiene momentos de locura genial, visualmente muy interesante y con un duelo interpretativo a la altura de obras maestras como La huella (aquí me he pasado un poco), pero por ahí va la cosa. El resultado final es tan poco estimulante que te preguntas si no ha habido un exceso de mano en las sesiones de montaje.

David Hyde Pearce en el papel de Warwick está exquisito. No quiero, insisto, desvelar demasiado de su papel, pero diré que resulta escalofriante por su aparente ingenuidad. Tiene una gran dificultad como personaje y desde luego es de los que se te quedan días y días en la memoria y te pones a pensar, pero ... ¿existen tipos así? Sólo por él, la película no es una pérdida de tiempo. En cuanto a Clayne Clawford (conocido por varias series de televisión y por ser clavado a Ray Liotta) está perfecto como criminal superado por los acontecimientos. Si bien su personaje es mucho más plano que su "contrincante". A pesar de los (varios) defectos que se le puedan ver y que roce el telefilm o el piloto de serie en algunos momentos, resulta interesante por sus actuaciones y por ese guión tan inteligente, a pesar del final. Aunque también eso dependerá de los ojos del espectador.

La voz dormida, de Benito Zambrano.

2011-11-01T18:41:00.000+01:00

La voz dormida
7/10

La última película de Benito Zambrano está basada en la conocida novela de Dulce Chacón que casi todo el mundo a mi alrededor ha leído, y yo, en cambio, no. Reconozco que cuando en su momento tuve ocasión de hacerlo, la dejé pasar por otros intereses más apremiantes. Ahora ha llegado el momento de ver la adaptación a la gran pantalla y para muchos lectores de Dulce, ésto iba a ser un reto. ¿Podría aguantar la comparación? No he visto demasiadas críticas que hablen de ese trasvase novela-película, pero las que he visto dan como perdedora a la película. No es de extrañar, creo yo. Al fin y al cabo, La voz dormida de la tristemente fallecida Dulce Chacón parece ser una novela que, independientemente de su calidad, apunta directamente a las vísceras, a la intimidad de cada uno frente a una historia tan dura que no puede dejarte indiferente.

La película cuenta la historia de unas mujeres encerradas en una prisión tras la guerra civil, esperando como pueden que llegue su condena, en la mayor parte de los casos significará el fusilamiento. Una de ellas es Hortensia (Inma Cuesta), embarazada y casada con uno de los "asesinos" más buscados por el gobierno de la Nueva España. La hermana de Hortensia, Pepita (María León) llega a Madrid para poder ayudar a su hermana en lo que pueda. No quiere tener nada que ver con los republicanos que todavía se esconden en la ciudad y alrededores, pero poco a poco deberá involucrarse porque, como dicen en varias ocasiones durante la película, o "estás con los nuestros o con los rojos". Es la historia de Pepita fuera de la cárcel y el sufrimiento de Tensi (Hortensia) dentro de la prisión, junto con un grupo de mujeres de diferentes edades así como de diferentes posiciones sociales.

La voz dormida es una película conmovedora. Quizás una de las emociones que más me hizo sacar es rabia. Me emocionaba la historia pero sentía ganas de meterme en la pantalla y empezar a soltar a diestro y siniestro a todos esos personajes tan oscuros que aterrorizaban a los protagonistas. La sala estaba en lágrimas prácticamente desde el primer minuto con una intensa escena en la que vemos como se llevan a una prisionera para ser fusilada durante la noche. Zambrano ya lo había conseguido con su primer película, Solas. Que el director lebrijano sabe manejar (o manipular, según se mire) las emociones del espectador, eso está fuera de duda. Aquí asistimos a la agonía de las protagonistas prácticamente desde el primer minuto, todo el resto de la historia tiene poca importancia, el interés está centrado en la cárcel y en lo que le concierne (Pepita). Supongo que la historia se presta a ello. Los hechos reales ocurridos son tan dramáticos como nos los pinta Zambrano, incluso más. Tan sólo podemos asistir a la historia de unas pocas mujeres, cuando eran miles en la misma situación. Se podrían hacer muchas "voces dormidas" todas diferentes, pero todas igualmente terribles.

Todos los parabienes en cuanto a la interpretación se los van a llevar María León (premiada en San Sebastián) e Inma Cuesta. Muy merecidos esos aplausos. María está fantástica como la chica inocente que no puede callarse porque es sincera hasta las pestañas, o Inma, racial e irreductible, que deposita en su bebé recién nacido todas sus esperanzas para un nuevo país. El resto del elenco desentona, y a ratos, estropea la película. No me han gustado nada los personajes masculinos. Todos tremendamente estereotipados y faltos de personalidad. En cuanto a los femeninos, la mayoría están bien, pero muchas caen en clichés propios del melodrama. Para mí, la película no aguantaría un segundo visionado tan benévolo como el primero. Una vez perdida la fuerza de la historia en la primera vez, contemplamos personajes planos y fallos en la historia (alguno de raccord también) que nos amargarían la buena impresión que nos había dejado. Zambrano dirige fenomenalmente a las mujeres, tanto las protagonistas como aquellas con papeles menos agradecidos. Por otro lado, la película es muy teatral. Prácticamente todo lo que vemos son duelos interpretativos cargados de texto y texto. Las emociones nos la transmiten a través de la palabra o del sonido: por ejemplo cuando Tensi canta a su hermana entre barrotes. Inma Cuesta tiene una voz preciosa, de hecho, es una mujer preciosa en general, pero esta voz en off me da una sensación de falsedad que no consigo quitarme de encima. Otro gran momento es cuando suena de entre los barrotes la Internacional tras un primer fusilamiento. Benito Zambrano a veces puede ser muy efectista.

Y mientras veía la película, me preguntaba: ¿quién puede querer ver esta película? Me refiero a todos aquellos que dicen que la Guerra Civil ya es algo pasado (obviedad que te crió) y que no sirve de nada revolver todo aquello. Hay que recordar que la película no está situada durante la contienda, sino en 1940, cuando la victoria de Franco era total y en todos los sentidos. Lo que nos quiere contar Chacón y ahora Zambrano, es como el nuevo régimen no supo conciliar estas dos Españas y pasó a cuchillo a todo el que discrepara. Eso es un hecho. Lo que pasó en esas cárceles no es una patraña socialista como algunas veces parecen querernos decir. Lo mismo que pasaba en los campos de concentración soviéticos, no vamos a decir que la tortura y la vejación es propia de la derecha, nada de eso. Tenemos casos parecidos en todo el mundo y de cualquier tendencia política. El ser humano es así, el poder con el odio nos vuelve animales cargados de resentimiento. Y sí es cierto que Zambrano retrata a ciertos estamentos afines al régimen franquista como los malos: Sor Serafines (Susi Sánchez) retratando una imagen de la iglesia absolutamente devastadora y sin piedad, el juez instructor interpretado por Antonio Dechent, que tira a la basura cualquier sentido de la justicia que pudiera esperarse. Pero no demoniza a todo una sociedad, intenta explicar (de manera más bien plana) el odio a los rojos por medio de sus víctimas. He visto algunas críticas (en determinados medios de un determinado signo político) que hablan de la pesadez de recrear una vez más esa "manida" historia de España. Curioso que se diga eso, cuando nos hemos tragado tantas veces la misma historia americana, a veces oscarizada. Pero parece que las cicatrices de nuestra historia no se han cerrado. Una curiosidad para terminar. Conozco una chica que quería montar (con una pequeña, pero pequeña pequeña, subvención local) una obra basada en la historia de las 13 rosas (como La voz dormida). La concejalía de cultura de su ciudad dijo que adelante, que podía representarla, pero, tras las últimas elecciones locales, hubo un cambio de gobierno y le han suspendido la representación. ¿Censura? No, hombre, qué tonterías dices.

P.D. No he puesto el cártel de la película porque me parece feísimo, sinceramente. Las cuatro caras en plan collage no me dicen nada.
P.D. (2) Las localizaciones y todo el vestuario están realmente bien.
P.D. (3) Durante la proyección en una pequeña sala de un cine igual de pequeño de esta pequeña ciudad, con el cine medio vacío, sonaron cinco móviles distintos. Los nacionales no saben qué hacer para seguir torturando.

1.280 almas, de Jim Thompson. El ande yo caliente con olor a estiércol y mala baba

2011-10-29T18:38:00.000+02:00

Nick Corey se va a convertir en uno de mis personajes favoritos del año. El protagonista de 1280 almas (Pop 1280, escrita en 1964) ha sido uno de los que más satisfacciones me ha dado en los últimos tiempos. Si es que ser tan canalla suma muchos puntos. Ésta es la primera novela que leo de Jim Thomposon, un gran error por mi parte. Me refiero a no haber leído antes algo de este escritor americano, que murió sin pena ni gloria, aunque hoy alaba cualquier amante del pulp que se precie. Ya me he apuntado en mi lista de deseos literarios varios de sus libros, que auguran mucha mala leche, mucho criminal tarado, mucha gente apacible que no sabe con quién se mete y un retrato de la condición humana que nos pone en evidencia.

1280 almas hace referencia al número de habitantes de la población (Potts County) donde Corey es el sheriff. Aquí el bueno de Nick lleva una vida apacible, tranquila, sin demasiados altercados o, por lo menos, conflictos en los que realmente merezca la pena intervenir. No cree tener una imagen de sheriff estricto, tampoco la busca a pesar que las elecciones se acercan y quizás le convendría mejorar su imagen. El problema, quizás, viene por ahí. No cree Nick que se le respete lo suficiente. El primer problema lo tiene en casa, por culpa de su mujer Myra y del hermano de ésta. Viven ambos con Nick en su casa y se dedican a restregarle lo miserable que es su vida. Desde la primera línea, el protagonista nos desvela que mujeres no le faltan, es todo un semental pero las circunstancias de la vida han hecho que deba seguir casado con esta mujer a la que odia y aguanta por igual. Su otro problema, decíamos, era la falta de autoridad. Empieza a creer que cualquiera en Potts County se ve capacitado para levantarle la voz y faltarle al respeto. Nick decide pedir consejo a su amigo Ken Lacey, sheriff vecino que le llama a dar un golpe de autoridad. Si alguien le ataca, su respuesta debe ser el doble. Pero Nick tiene más problemas en su vida, tiene dos amantes a las que atender, y la desconfianza del juez local. Demasiados cabos sueltos para un hombre tan bienintencionado y, principalmente, tan poco astuto. Poco a poco nos daremos cuenta que Nick Corey no es ni lo uno ni lo otro.

Jim Thompson

En cuanto uno empieza con esta historia, no puede hacer otra cosa que terminarla. Es un libro cortito (200 páginas poco más o menos en la edición de RBA), muy ágil y donde Jim Thompson nos va componiendo una galería de personajes arquetípicos de la América profunda. Imaginad una película de Peckinpah o el personaje interpretado por Michael Madsen en Kill Bill, o incluso los personajes oscuros de No es país para viejos (esta novela se adaptaría como un guante a la filmografía de los Coen). Nick Corey no es que sea muy orgulloso, o rencoroso. Simplemente es un superviviente, un egoísta convencido que ninguno de sus queridos conciudadanos va a poder cambiar. Thompson conoce los bajos instintos del hombre. Aquellos que aparecen en la intimidad cuando no estamos delante del foco público y que nos llevarían a cualquier acción para preservarlos ahí, en ese oscuro lugar de la mente donde los guardamos. No es que Nick Corey sea un mal tipo, es un buen ciudadano hasta cierto punto. Ha caído en muchas trampas a lo largo de su vida, pero ahora ha conseguido un status y no se lo va dejar arrebatar tan fácilmente.

Por otro lado, Thompson expone la historia a través de Nick. Su relato en primera persona no deja de impresionarnos. Resulta maquiavélico e ingenuo a partes iguales. No sabes hasta qué punto también el lector está siendo manipulado por ese mezquino de Nick Corey. El autor emplea un lenguaje procaz, grosero, cínico también y no solo en boca del protagonista. Hay una violencia verbal que tiene su continuidad en la física. Además, 1.280 almas es una novela cargada de sexo. En parte es el motor de la trama, pero no su finalidad. El único objetivo del protagonista no es fornicar con toda mujer que se le ponga a tiro, sino también el que nadie se meta en su territorio. Thompson nos habla de racismo, de lucha de clases, de machismo, de independencia, de dinero, de corrupción. Nos habla del poder de la difamación, aunque sea tan sutil como la que emplea Nick Corey. En general, es una trama que va sucediéndose lenta, no hay momentos especialmente álgidos, pero eso también funciona así por el punto de vista de Corey. Un final que está muy lejos de ser apocalíptico, pero que responde muy bien al ritmo de la novela. En definitiva, una pequeña joyita de la literatura nortemericana más agreste, no será una joya de la literatura, no me imagino yo a Jean Paul Sartre describiendo a la desvergonzada y sexualmente liberada Rose, pero cumple su objetivo.

Podéis leer otra crítica en el blog de Ana

No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu

2011-10-27T21:59:00.000+02:00

9/10

Cine español de género. El desafío de todo cinéfago con prejuicios. Lo primero que tengo que decir es que lo único que no me ha gustado de la última película de Enrique Urbizu es el título. Si no hubiera visto el trailer y alguna información por ahí jamás me hubiera acercado a esta película, a pesar de Urbizu, que no me ha disgustado en sus trabajos anteriores. Santos Trinidad es uno de los mejores personajes que ha dado el cine español en su etapa más reciente, y, claro está, José Coronado tiene mucho que ver.

Esta es la historia de Santos Trinidad, un veterano policía que trabaja ahora en desaparecidos tras una brillante carrera policial de la que vamos descubriendo retales pero sin llegar a saberla del todo. Santos vive al margen de todo, hasta de él mismo. Su estilo es trasnochado y, como bien lo definen en la película, es más un dinosaurio condenado a la extinción que un modelo a seguir. Una noche en la que bebe más de la cuenta, acaba en un club nocturno donde se verá involucrado en un triple asesinato. A partir de ese momento deberá adelantarse a la juez Chacón (Helena Miquel) y a sus investigadores que comienzan a juntar cabos, cerrando el círculo alrededor de Trinidad. Pero todo se va enmarañando de forma imposible, lo que parecía un ajuste de cuentas por droga toma un cariz muy distinto y menos convencional.

Hay una cosa que sorprende en esta película. Lo medido y bien proporcionado que está todo. No vamos a encontrar grandes aspavientos ni personajes con un carácter explosivo que llenan la pantalla. No, aquí está todo medido para poder entender unos personajes cuyo miedo es quedar en evidencia delante de los demás. José Coronado confiere a su personaje una multitud de registros, pero jamás entra en lo histriónico y en los lugares comunes de producciones americanas mucho más afamadas. Está perfecto. Y no es fácil, nunca lo es, pero cuando acometes la tarea de representar un personaje cínico, sin escrúpulos, que la única ley que respeta es la propia y, por lo tanto, con un sentido del deber más que sui generis, es muy fácil caer en todo lo anterior. Pero Coronado controla cada tic, cada respuesta, cada movimiento. Expresa todo con un gesto, con esa mirada cargada de intención y esos silencios tan espectaculares. Esta película se basa en el silencio y en las miradas, en lo que no se dice pero se intuye. Trinidad está casi toda la película pero sus líneas de diálogo no deben ser muchas, sin embargo entendemos sus motivaciones perfectamente. El resto de personajes no desentonan. La mayoría eran caras muy conocidas de la televisión, como Juanjo Artero, de nuevo en su papel de policía tras la serie de El Comisario. Me ha sorprendido Helena Miquel (componente de Facto Delafé y las Flores Azules), en el papel de la juez Chacón. Es un personaje aparentemente intrascendente. Y digo esto porque da la impresión que la juez es un juguete en manos de los demás, que parecen dudar de su capacidad en todo momento. Y como Trinidad, se mantiene impasible ante los desaires de los que le rodean. Es especialmente reseñable el momento en el que su hija le llama por teléfono y su hierática figura se descompone para hablar con ella, dándonos en apenas un minuto y, de forma totalmente pertinente, el papel de madre cariñosa que se empeña por esconder. Un pequeño paréntesis entre tanta deshumanización.

Urbizu trata muchos temas en No habrá paz para los malvados. Un guión muy sólido donde se nos presenta un retrato del Madrid del siglo XXI. Aquí hay delincuencia, lujo, prostitución, inmigración, bandas, corrupción, islamismo radical...vamos lo mejor de cada casa. No deja un cabo suelto y nos lleva a un potentísimo desenlace que podemos calificar ya de mítico. ¿Que si me ha gustado?

The Answer: "The Revival"

2011-10-15T21:35:00.001+02:00

8/10

The Answer son una estupenda banda formada en Belfast a mediados de la década pasada, sacando su primer y poderoso disco Rise en el 2005. No están descubriendo nada nuevo. No van a cambiar el rumbo de la música. No van a salir en la portada de ninguna revista que pueda declararse "trendy", como mucho de la Classic Rock magazine. Pero Paul Mahon (guitarra), Micky Waters (bajo), James Heatley (batería) y Cormac Neeson (voz) despliegan todos los recursos a mano para darnos unas canciones cargadas de hard rock que viene directamente de las mejores bandas de los setenta. Poned el nombre que queráis. Su primer disco tenía ese cañonazo que era Under the sky, en el segundo (Every Demons) teníamos más ración de lo mismo, pero de lo mismo que nos encanta. Y para este tercero, han decidido seguir por el mismo camino, quizás algo más variado intentando parecerse menos a AC/DC y más a unos Blue Cheer o The Who. Para ambientarse, los chicos de Belfast se fueron a grabar el disco a un rancho de El Paso. No sé si hoy en día esto de desplazarse marca verdaderamente la diferencia, pero este disco suena muy americano en el buen sentido de la palabra. Doce canciones de puro rock and roll donde predomina la voz de Cormac, sin duda la marca de la casa, pero la sección rítmica no se queda atrás (Destroy me, por ejemplo), y Paul Mahon tiene la pauta con esos riffs.

Como he dicho, no es el gran disco del siglo XXI. Pero cumple. Waste your tears comienza con un sonido muy sleazy, podría ser la intro de cualquier disco de Warrant, se trata de un tema clásico de hard rock, con un estribillo que no termina de romper, pero con esos sempiternos coros que quedan tan resultones. Use me es el despliegue de artillería de Mahon, un tema divertido con otra demostración de talento por parte de Waters y Heatley. Trouble es más bluesy, al principio, para destaparse en una canción mucho más clásico que recuerda a los mejores discos del rock angelino. Nowhere freeway es otro gran momento del álbum. Colabora aquí Lynne Jackaman del grupo Saint Jude. Uno de esos estribillos pegadizos donde los cantantes se deleitan (o nos deleitan, como queráis) mientras Mahon hace un excelso solo. Algo repetitiva al final de todas formas. Tornado es un tema muy contundente, con unos riffs criminales, comenzando como uno lento va creciendo de manera consistente. Vida (I want you) mantiene el tono de temas blues rock, con un estribillo pegadizo, perfecto para el directo, aunque, personalmente, es de los que menos me gustan. Caught on the riverbed es el gran tema del disco, y uno de los que más me recuerda a The Who. Vibrante Cormac, mostrando todos sus registros. Las canciones finales del disco mantienen el tipo: Can't remember, can't forget es un tema de estructura demasiado pop rock, a veces parece más una de estas canciones sacadas de American Idol. One more revival tiene unos coros fantásticos en el estribillo y Lights are down cierra el disco de manera épica, con una de esas power ballads que se decían antes.

Si os gustan grupos como Black Stone Cherry (creo que es uno de los grupos con los que tienen más concomitancias), o cualquier clásico del rock americano de los setenta, hay que echar un vistazo a este The revival.

Piece by Piece es un canción inédita incluida en la version deluxe, junto con versiones en directo y acústicas.

El mundo perdido, de Conan Doyle.

2011-10-15T19:09:00.000+02:00

Lo primero que te viene a la cabeza al empezar El mundo perdido, de un tal Arthur Conan Doyle (con un Sir delante), es la palabra aventura. Pero aventura como las de antes, tan inocentes y tan poco sofisticadas por un lado, y sin embargo tan llenas de encanto y misterio por otro. Publicada en 1912, algo que puede definir la novela es la intención del propio Doyle de querer hacer un "boy's book", es decir, ése tipo de aventuras, llamémoslas juveniles, donde los protagonistas son hombres, siendo el principal personaje preferentemente joven y con mucho que aprender y por lo que sorprenderse. Otro apunte son los personajes femeninos, que son puramente testimoniales, aunque a veces pueden ser el motor de arranque de la novela, como es aquí. Supongo que la más famosa novela dentro de este género tan clásico de finales del siglo XIX y principios del XX debe ser La isla del tesoro, por citar una.

El mundo perdido siempre fue una novela conocida, a pesar de vivir un poco a la sombra del gran personaje de Conan Doyle: Sherlock Holmes. Pero tuvo una resurrección en los noventa, gracias a los dinosaurios de Spielberg y Crichton. En realidad, se trata de una novela de aventuras muy estimable. Tiene ritmo, tensión, suspense, cierta carga de romanticismo literario al desarrollarse en tierras extrañas e inhóspitas, personajes con carácter y lo más básico, un perfecto inicio, nudo y desenlace. Que a veces se hace difícil encontrar algo así. La historia es la del joven periodista Ed Malone, decidido a hacer méritos para conseguir el amor de la exigente Gladys, decide unirse al profesor Challenger en la búsqueda de una tierra perdida en Brasil donde, aparentemente, un americano llamado Mapple White había localizado criaturas supuestamente extinguidas miles de años antes. A esa expedición se les unirá el aventurero y experto cazador Lord John Roxton, junto al profesor Summerlee, reputado científico cuya única intención es demostrar que toda la expedición es una falacia. Una vez allí, contratarán la ayuda de algunos nativos locales para guiarles hasta ese meseta separada del resto del continente por una empinada sierra. Tras una serie de vicisitudes, se encontrarán cara a cara con la realidad de esa nueva tierra llamada de Mapple White, incluyendo todo tipo de criaturas espeluznantes. Algunas basadas en los conocimientos científicos de la época (iguanadontes, stegosaurios) otras salidas de la desbordante imaginación de Conan Doyle.

Fotograma de The Lost World (1925), primera versión cinemato-
gráfica del clásico de Conan Doyle.

La novela es un clásico de aventuras, por descontado. Pero podríamos pensar que se trata también de una novela de ciencia-ficción, quizás en un sentido más extendido del término. En cualquier caso, el empleo de dos personajes científicos que se disputan el dominio del conocimiento ante cada evento, junto con el intento de explicación racional de la existencia de estos animales extraordinarios podría ser un ingrediente de una novela tipo del género. Los personajes principales de la novela estaban basados en personas reales de la sociedad británica de la época, Conan Doyle quiso homenajear de esta forma a gente por la que sentía cierta admiración. Además, el profesor Challenger se convirtió en el protagonista de dos novelas más y alguna historia corta. No es el protagonista absoluto, sería el narrador, Malone, en todo caso, pero sí que tiene la personalidad suficiente para querer saber más de él. Tiene una personalidad discutible, con sus altibajos emocionales, su fácil irritabilidad y su genio tremebundo. En la parte positiva de la novela destacaría su humor, quizás demasiado lejano hoy en día, pero definitivamente está ahí. Roxon y Challenger son dos de los principales encargados de esta parte de la trama. Summerlee es un personaje algo tenso, siempre deseoso de echar por tierra a su colega, hasta que las pruebas son demasiado evidentes. Conan Doyle no se anda por las ramas, hay un momento en el que Malone indica que no quiere aburrir al lector con los detalles de la travesía en barco desde Londres a Sudamérica. Se agradece.

El carácter británico colonizador está presente en todo la trama, así como una idea de superioridad de la raza blanca por encima de las demás. Desde luego, el paso del tiempo pone a todo el mundo en su sitio, y hay escritos que pueden chocar con la mentalidad actual. O no, porque hay cada cafre por ahí... Un ejemplo de esto lo vemos en la descripción de Zambo, su "devoto negro" tan leal y tan poco inteligente. Un ligero tufo racista, no nos podemos engañar. Por otro lado se refiere a los latinos como gente arrogante, traidora y vengativa. El ejemplo viene de Gómez (uno de los indios que les ayudaban) que resultó ser hermano de una víctima de Roxon, y que decidió tomar cumplida vendetta del inglés. Una visión demasiado homogénea del mundo, siempre a favor del caballero británico, evidentemente. Resulta interesante cuando se produce el enfrentamiento entre los nativos de la meseta (salvajes y de corta inteligencia, aunque valientes y agradecidos, según dice el propio Malone) y los monos-hombre. Con qué facilidad deciden acabar con una especie salvaje y sanguinaria, sabiendo que ese ataque significaría la extinción de dicha especie. Es cierto que pueden parecer seres aberrantes con un instinto francamente asesino, pero al mismo tiempo, ellos están en su tierra, son "los blancos" los invasores (como tantas veces ha pasado) y, sin embargo, apenas se menciona ese detalle. Típica mentalidad colonizadora europea (de finales del XIX, obviamente) lo exótico nos atrae pero siempre si lo miramos bajo nuestro prisma. También me gusta el enfrentamiento final entre los científicos, demuestra una vez más esa máxima que dice que todo descubrimiento debe ser machacado hasta la saciedad, o al menos, hasta que sea una prueba irrefutable. Dicha prueba se convierte en una especie de giro final que puede sorprender.

Pero si lo miramos con los ojos adecuados, es una novela que se disfruta, que te puede llegar a estremecer por su crudeza en algunos momentos y a soltar una sonrisita en otros. Muy recomendada, que para eso es un clásico. Y que te hace preguntarte cosas, ¿estarían mejor los de la Tierra de Mapple White sin la llegada de estos hombres y sus armas?

Tom Stoppard: "The real thing"

2011-10-12T22:11:00.002+02:00

Este año, en la escuela de teatro donde acudo religiosamente todas las noches, haremos un montaje teatral de una obra completa. Así que me he pasado todo el verano, y parte del veranillo que estamos viviendo ahora, buscando alguna obra que se ajuste al número de actores y, lo más importante, a nuestras posibilidades interpretativas y, aún más importante, presupuesto. Ardua tarea. Tienes que elegir entre alguna obra menor que puedas explotar o algún clásico inexpugnable que de motivos al público para comerte vivo. Pero, ¿cómo?¿También en el mundo amateur te pueden despellejar? Sí.

Me he acercado a todo tipo de épocas y estilos. No es nada sencillo dar en el clavo. De hecho puede ser descorazonador, me refiero al hecho de no tener completa libertad en la decisión por factores externos. Pero bueno, hay obras para dar y tomar, es sólo que no abundan en estas bibliotecas de por aquí (me refiero a algo que no esté trillado y más que trillado) e internet no es la fuente de textos tan increíble como lo es con otro tipo de material. Me compré no hace mucho una edición bastante económica de algunas obras de Tom Stoppard. Por cierto, lo hice en Amazon.es, que sí, es más de lo mismo, pero ya he encontrado alguna ganga, todo no va a ser un desastre. De Tom Stoppard no había tenido ocasión de leer nada hasta ahora, ni de ver ningún montaje basado en sus obras, salvo su guión para Shakespeare in love, escrito con Marc Norman. Tampoco es que sus obras abunden traducidas al castellano. El número es bastante reducido, al igual que otro gran dramaturgo que pasó por nuestras manos la semana pasada, Sam Shepard. No se traduce teatro en España. Y sin embargo se traduce cualquier chorrada que contenga la palabra vampiro, luna, sangre o hechizo en cualquier parte de su portada. Ya sé, ya sé, no soy tan inocente. El teatro no vende, la literatura fantástica sí. Ok, lo acepto. Lo que decía, Tom Stoppard es uno de los grandes autores en este momento, como lo prueba el espectáculo La costa de Utopía, que está siendo noticia en el mundillo teatral estos días.

Acabo de recordar que hace algunos años tuvo ocasión de ver Rosencrantz y Guilderstern han muerto, aquella fantástica parodia-homenaje a la inmortal de Shakespeare, dirigida para la gran pantalla por el mismo Stoppard y con Tim Roth y Gary Oldman en los papeles principales. Ya conozco algo más del dramaturgo británico de origen checo. Huelga decir que todo lo que me he encontrado suyo me ha encantado, incluso si se trata de algo tan "comercial" (pero tan bien documentado) como Shakespeare in love. La obra que planteamos como posibilidad de hacer fue The real thing, traducida al español como Algo auténtico y, posteriormente, Realidad. Esta última traducción fue creada para la pieza que se montó en el María Guerrero de Madrid con Natalia Menéndez en la dirección, justo en el 2010. Parece poco probable que la vayamos a montar nosotros, no ya porque haya tantos ejemplos y tan cercanos en el tiempo (no es que podamos compararnos de todas formas), no se ajusta demasiado a lo que buscamos. Eso no quita para que el texto de Stoppard me parezca muy bueno, genial a ratos.

Henry es el protagonista principal. Es un dramaturgo de éxito, con cierta visión cínica de la vida. No sé si será algo autobiográfico, pero veo a Stoppard perfectamente reflejado en ese papel. Henry está casado con Charlotte, una de las actrices de su nuevo montaje "House of cards", donde también actuará Max. Annie es su amor secreto, hasta que finalmente decide abandonar a Charlotte e irse con Annie, buscando nuevas emociones, the real thing. Por otro lado, Annie está trabajando con un joven autor de Glasgow llamado Brodie, que no goza del respeto de Henry, pues considera que no sabe escribir. Henry no puede evitar pensar que Annie le está siendo infiel con Billy, su compañero de reparto, e incluso con el propio Brodie, al que Annie admira sin que Henry termina de entenderlo.

Jeremy Irons y Glenn Close protagonizaron
el montaje de Mike Nichols en 1984 en
Estados Unidos.

El comienzo de la obra te sitúa perfectamente en el terreno que Stoppard quiere. Max está esperando en casa a Charlotte, que acaba de regresar de Suiza. Transcurre una conversación banal, hasta que Max le confiesa que ha encontrado su pasaparte. Sabe que ella no ha ido a ningún sitio, le está engañando. Todo es mentira, es el primer acto de la obra House of Cards, la obra de Henry en la que actúa su, por el momento, esposa. Es teatro dentro del teatro. Se repetirá esta situación en varias ocasiones durante la obra. En cierto modo, lo que Henry quiere buscando a Annie (voluptuosa, atractiva, pero bastante menos simpática que Charlotte) es encontrar eso que busca en su obra. Es decir, quiere que la vida imite al teatro, que lo auténtico sea lo que está en el escenario. Todo esto lo hace a través de un lenguaje muy ingenioso, con continuas referencias a autores de diversas épocas como Strindberg (a cerca de un montaje de La señorita Julia), Oscar Wilde o Noël Coward. Me gusta mucho cuando Henry dice que "la felicidad solo puede alcanzarse gracias a la banalidad y a la lujuria". Un ejemplo es un programa llamado Discos de la Isla desierta, está invitado a un programa donde deberá indicar qué discos llevaría a una isla desierta. Su problema es que le gusta la música pop y se siente culpable. Habla de como en una ocasión fue a ver a Maria Callas y no sintió ni la mitad de emoció que al escuchar a The Righteous Brothers. De nuevo, las apariencias marcando la vida de la clase burguesa. Incluso la traición y la infidelidad no aparecen como algo visceral, todo se racionaliza lo que llega a irritar a los personajes en un momento dado. El personaje de Henry irá madurando, enfrentándose a su hija adolescente, a su ex-mujer y a sus inseguridades. Es un texto fantástico, muy agudo, con fragmentos muy ágiles y otros de mayor introspección. Una lástima que no pueda ser....por ahora.

Anthrax: Worship music

2011-10-09T06:00:00.000+02:00

8/10

Dicen los entendidos que éste es un disco compacto, de lo mejorcito que han hecho Anthrax en 20 años más o menos. No estoy de acuerdo, creo que Anthrax llevan haciendo buenos discos toda su vida, ya estuviera Joey Belladonna o John Bush (para mí Sound of White Noise y We've come for you all son dos imprescindibles). Pero me gusta que haya por ahí sorpresas y pensemos que Anthrax han recuperado esa energía contumaz que jamás habían perdido. No sé qué historias pudieron pasar para que el cantante que había sustituido a Bush, Dan Nelson dejara la banda (o fuera sustituido) cuando ya estaban remezclando este Worship music. Bush volvió para volver a marcharse y dejar sitio a Belladonna, un tipo que siempre me había caído bien. Tenía esa socarronería y ese gracejo, además de una gran voz, que hacía que los discos de Anthrax no fueran tan aburridos como los de Megadeth, Metallica o Slayer, sus compañeros de viaje. No, no me machaquéis, no estoy diciendo que fueran malos estos de la Bay Area, es sólo que no me iba tanta solemnidad y un poco de diversión no hace daño a nadie.

Worship music es el décimo álbum de los Anthrax, ahora formados por Belladonna a la voz (mágico, a ratos), Frank Bello al bajo, Charlie Benante a la batería, Rob Caggiano sustituyendo al original Dan Spitz y el tito Scott a la guitarra. No sé si será el reencuentro, que uno se emociona, se deja llevar por el calor del momento, pero este disco me parece una vuelta a la buena forma pero con proteínas, creatinas, y todo tipo de sustancia que termine en ina. Lo he disfrutado de principio a fin y salvo algún que otro tropiezo tipo Hymn 1 y Hymn 2 que no me gustan (dos instrumentales de menos de un minuto, no nos vamos a enfadar por eso) y ciertos riffs algo repetitivos en algunos momentos...el resto es canela fina. Si alguna vez os han gustado Anthrax, tenéis que volver a escuchar este Worship music. Ahora mismo.

Una introducción y ya tenemos el primer trallazo, Earth on Hell. Guitarras afiladísimas, riffs asesinos que se cruzan, coros energéticos y Belladonna diciendo, ¡hombres de poca fe, aquí estoy mejor que nunca! Inmediatamente tenemos The Devil You Know, un tema con una gran melodía con un exceso de velocidad. Declaración de intenciones o invasiones, pero Fight'em 'til you can't es la gran vuelta a los Anthrax de los 80, del Among the living. Fanáticos del terror y la ciencia ficción (Scott Ian iba a hacer un cameo en segunda temporada de The Walking Dead, ¿verdad?). Y así vamos avanzando. I'm alive, parece que está hecho para Joey, con un estribillo mucho más melódico que todo lo hecho anteriormente por la banda en estos años, vemos que el "cambio" de rumbo ha sido para bien. En el año del adiós de los Judas Priest, una canción que contenga ese nombre puede sonar a homenaje. Parece que no, pero para mí que de forma velada lo es. El espíritu de Halford es alargado, o su sombra, o su...Es un temazo. Crawl es un tema lento, que va in crescendo y que da un matiz diferente a este regreso. Las dos últimas canciones son algo repetitivas, pero no nos quita el buen sabor de boca de Worship music.

P.D. Podéis leer otra brillante crítica ... aunque no porque ésta lo haya sido... quiero decir que es una más de las críticas brillantes...bueno..más Anthrax en Apartamento 666.

"2" Black Country Communion: los chicos solo quieren divertirse

2011-10-08T23:39:00.000+02:00

7/10

Si hay una palabra que hace correr como alma que lleva el diablo, esa es la palabra supergrupo. Pocas cosas son sinónimo de aburrimiento en el mundo del rock, salvo ésa. Ya puedes estar hablando de la unión mística más importante del momento, el resultado será un conglomerado de egos insustancial y más muerto que las flores un estampado. ¿Que hay ejemplos de buenos álbums hechos por estos all-stars? Puede, evidentemente estamos hablando de músicos técnicamente sobresalientes en sus instrumentos, un buen disco se hace cuanto menos necesario. Y Black Country Communion...¿son también un supergrupo o hay algo más? Este segundo disco en nueve meses, como antiguamente, nos dice mucho. Vaya nombres, señoras y señores, Glenn Hughes a la voz y al bajo, Joe Bonamassa a las guitarras y voz, Derek Sherinian a los teclados y Jason Bonham a la batería. Tenemos de todo aquí y muy bueno. Parece ser que este segundo álbum se ha basado más en la aportación de Hughes, el hombre más prolífico que podáis imaginar sacando discos y colaboraciones de forma constante. Las agendas de Bonamassa y el resto estaban repletas de actuaciones (tan sólo hay que entrar en sus webs personales y ver los tours que tienen en marcha, no sé de dónde sacan el tiempo). Pues Glenn Hughes, un tipo con una voz privilegiada capaz de pasar del blues al hard rock pasando por el funky y que además domina su instrumento, el bajo. Teniendo en cuenta que mi canción favorita de los Purple siempre fue Burn, todo lo que diga de este inglés que pronto entrará en los 60 es poco. De Joe Bonamassa no he escuchado demasiado, sé que es un bluesman que no le hace ascos a los riffs más hard rock y en este disco está sencillamente inmenso. Derek Sherinian, ese teclista de Dream Theater o Planet X y Jason Bonham, hijo de John Bonham, pero que además tenía su banda Bonham que me gustaba bastante, especialmente aquel The disregard of timekeeping del 89.

De acuerdo, son una superbanda, ¿y las canciones? Empezamos con The Outsider, brutal inicio de hard rock como le gusta a Hughes, viento en popa a toda vela. Canciones que hablan de tener aún esa energía que algunos dan por perdida, de estar al margen de lo establecido. Son letras muy directas, a veces simplonas, también es cierto. No encontramos aquí grandes canciones pegadizas pero una colección de solos de cada uno de los instrumentos impresionante. Como el diálogo entre entre Bonamassa y Sherinian del final de The Outsider con Jason Bonham ejecutando perfectamente. Un tema muy Purple de esos setenta donde el teclista rock (John Lord mediante) era alguien respetable. The Battle for Hadrian's Wall con ciertos tintes progresivos y Bonamassa a la voz. No tiene el carisma de Hughes, pero no hace un mal trabajo. Save me es una balada de más de siete minutos que refleja la pasión que sienten estos señores por su trabajo. Composición cuidadísima que, llamadme zumbado, me recuerda a un cruce extraño entre King Crimson (por el inicio) y, de nuevo, esos Deep Purple de la segunda mitad de los 70. Impresionante Bonham aquí. Por un camino parecido va An Ordinary son, con Bonamassa y Hughes a las voces. Un rock más clásico, algo más tipo Lynyrd Skynyrd me ha llevado a pensar, simplemente por mostrar dos posibles influencias bien diferentes. I can see your spirit es rock directo y contundente, frases cortas y machaconas con un riff muy hard. Puede recordar un poco a los Led Zep de IV. Y sin embargo, es una de las canciones que menos me transmite. Little Secret es un tema blues para mayor gloria de Bonamassa y de Hughes, evidentemente. No es, sin embargo, el Since I've been loving you, por seguir con la comparación con los Zeppelin. Son un total de once canciones muy sólidas, de riffs mastodónticos, sonidos de hace treinta años (pero con una impecable producción actual), letras poco elaboradas y que caen en clichés, aunque con buenos momentos también como la última, Cold, otro tema que pasa de un inicio blues a una balada más rock.

No es un disco que apasione a los que no disfrutamos especialmente de las exquisiteces musicales de unos virtuosos. Pero es innegable que el disco tiene una unidad en cuanto al sonido, y unas canciones que superan con creces la media de lo que podemos escuchar habitualmente. No son un grupo perfectamente compenetrado, cada uno hará la guerra por su cuenta, por supuesto (han hecho muy pocos conciertos juntos) pero sí da la impresión que han querido hacer rock sin paliativos y para divertirse. Y divertirnos. Irreprochable.

Black Country Communion - Man in the middle

Jobs

2011-10-06T23:53:00.002+02:00

Hoy ha muerto Steve Jobs. Todo el mundo lo sabe ya, incluso aquellos que no saben (sabían) quien era Steve Jobs. En diferentes medios leo que fue un visionario, un genio creado a sí mismo. Y que gracias al co-fundador de Apple, el mundo es un lugar mejor. Hemos cambiado la forma de ver, de escuchar de leer, diría que incluso de sentir. Nuestras relaciones personales no son las mismas que las de nuestros padres, que digo, que las de nuestros hermanos mayores. Así pues, descanse en paz este hombre, que nunca supe si fue un buen hombre, o simplemente alguien ambicioso decidido a conseguir lo que quería y como lo quería. No recuerdo un despliegue de cariño y respeto a nivel mundial tan enorme en mucho tiempo, al menos no por un multimillonario.
Como algunos otros, no estaba yo muy familiarizado con la figura de Jobs, tampoco he tenido nunca sus productos en mi mano. Nada de iPad, ni iPhone ni Macintosh ni nada con manzana cerca. Pero no me hace falta para entender la grandeza de un ser humano como éste. Sus citas se están convirtiendo en los aforismos que nos acompañarán en los años venideros. Viendo no hace mucho la película Con derecho a roce (Friends with Benefits), encontramos una prueba evidente de lo que Jobs ha transformado la sociedad. Los móviles tienen un papel preponderante, básico diría, pero es que cuando los protagonista se ponen a jurar sobre una biblia que está en la pantalla del iPad...a eso llamo yo cambio.

Jobs no fue un ingeniero ni un economista, y sin embargo estaba rodeado de ellos. He oído que abandonaba reuniones donde se barajaban cantidades estratosféricas para pasar días enteros con sus ingenieros a los que exprimía hasta las lágrimas. No tendría la formación pero tuvo el instinto y el trabajo para destrozar nuestras visiones del futuro. El resultado está por todas partes, a lo mejor esta misma entrada se está leyendo desde uno de esos inventos inimaginables. Lo dicho, descanse en paz.

"Stone Rollin" Raphael Saadiq. Pura crema

2011-10-06T10:00:00.000+02:00

10/10

Raphael Wiggins a.k.a. Raphael Saadiq es un californiano de 45 años que como podéis imaginar tiene una gran trayectoria detrás. Con su grupo Tony!Toni!Tone! llegó a tener un superéxito allá por 1990 llamado It never rains (in southern California) cuyo video estaba dirigido por Lisa Bonet, ultrafamosa actriz de televisión gracias al show de Bill Cosby...pero tampoco es un dato que vaya a cambiar la vida de nadie, me temo. Después tuvo una carrera en solitario un tanto en la sombra pero trabajando para gente tan importante como TLC, Macy Gray, Joss Stone, A tribe called West o D'Angelo (el superclase del soul de los 90, sin duda). En el 2003 obtuvo cinco nominaciones Grammys con Instant Vintage, un clásico inmediato del blues y r&b más reciente al que siguieron cuatro discos más del más alto nivel, justo hasta llegar a este grandísimo Stone rollin', publicado por el sello Columbia hace ya unos meses. Parece ser que fue el mítico productor Rick Rubin quién se encargó de que Saadiq fichara por el sello en su anterior disco, The Way I see it.

Stone rollin' ha sido producido por el propio Saadiq que se ha hecho con un sonido lo suficientemente clásico como para que no chirríen los oídos de los más puristas pero salpicado con muchas influencias que aquí enriquecen. Detallista al máximo, cada segundo de estos 41 minutos es una delicia. Una lección de soul, blues, rock, r&b que te deja con ganas de mucho, mucho más. Heart attack es un grandísimo tema de r&b que recuerda al mejor Otis o incluso al Sam Cook que el propio Saadiq llegó a homenajear hace unas semanas. Le sigue Go to Hell, uno de mis favoritos si es que se puede decir algo así de un disco semejante, los arreglos son sencillamente perfectos y la voz sensual y armoniosa de Saadiq fluye con la música acompañada de unos coros que recuerdan a mejores épocas. El coro repitiendo de manera apoteósica Let love keep us together. Inmediatamente cambiamos el tercio y nos vamos a un rock and roll cargado de blues llamado Radio. Los coros finales son fantásticos. Little Richard, Chuck Berry ... todos tienen cabida aquí. Over you tiene un corte más contemporáneo, mientras que Stone rollin' es uno de los puntos fuertes del disco. Un tema de puro blues, sensual donde Saadiq (que no destaca por ser un gran cantante pero sí un superior instrumentista) encaja de manera impecable. Day dreams es un tema que se acerca al dixieland pero pasado por la turmix de los tiempos que corren, gran guitarra y coros. Movin' down the line es ya Stevie Wonder en su mejor forma, una joya. En Just don't encontramos la participación de Larry Dunn de Earth, Wind and Fire junto a la cantante sueco-japonesa Yukimi Nagano que le da un toque exótico y sensual extraordinario, conviertiendo Just don't en la joya de la corona. En Good man encontramos otra participación, más dentro del hip-hop, a cargo de Taura Stinson (por cierto, también procedente de Oackland, California, como Saadiq). A continuación nos deleita Saadiq con un tema de The Answer, donde se aprecia la variedad temática del álbum, además de la espectacular riqueza de arreglos instrumentales. Ojo al tema oculto tras la última pista. Una canción que también podría haber encajado en cualquier clásico del maestro Wonder. Y después...¡se acabó! ¡No puede ser!¡Quiero más!

Con derecho a roce, pero lo Justin. O también, quiero más Mila, la Mercedes no, la Kunis

2011-10-05T16:22:00.000+02:00

5/10

Mila Kunis es muy muy atractiva, por no utilizar otros términos más explícitos. Es divertida, tiene una dulzura matizada con carácter y, sobre todo, mucho talento para la comedia (véase su intento de pasar por modelo en un momento de la trama). Y para el drama, sólo hay que pensar en Cisne negro, este mismo año. Con derecho a roce tiene sus más y sus menos, pero desde luego su personaje hace que sea mucho más entretenida. De Justin Timberlake diré que me ha sorprendido bastante, sí ya lo había visto actuar en La red social y no desentonaba, pero aquí llevaba buena parte del peso de la historia. Además el muy perro está machacado en el gimnasio y se encarga de hacérnoslo ver cada dos por tres. Que lo haga la Kunis me importa menos, pero Timberlake....(comentario sexista gratuito).

Dylan llega a Nueva York procedente de Los Ángeles para hacerse con un importante puesto en la revista GQ. Todo ello gracias al trabajo de cazatalentos de Jamie (Mila Kunis). Inician una relación de amistad en la solitaria Gran Manzana que derivará al sexo sin compromiso. Los dos han tenido relaciones en el pasado que les han dejado un poco tocados, así que el plan parece perfecto. Pero todos sabemos que eso no es posible, al menos en la gran pantalla, y por medio de una serie de malentendidos para mayor beneficio de la trama, llegamos a la clásica historia de desencuentros. Con familia estrambótica de por medio.

Will Gluck (que había dirigido el año pasado Easy A (Rumores y mentiras), con mejor puntería, en mi opinión) es el encargado de esta comedia destinada a aprovecharse de todos los tópicos habidos y por haber, de las comedias románticas americanas. Todo un género con grandes películas en su historia y otras ruinosas pasteladas de vergonzoso visionado. Supongo que es el responsable de un montaje enloquecido, ideal para las nuevas generaciones MTV (yo también lo soy, pero ya sabéis a lo que me refiero). Lo peor de toda la película, sin duda alguna, ese intento de acelerar toda la trama donde llego a tener la sensación de ver una película a medias. La trama es simple, la hemos visto cientos de veces. Hay una variante que no termina de encajar muy bien, la del padre con principio de alzheimer. No entiendo qué pinta en esta película. Se puede hacer humor de cualquier cosa, pero con un poco de sentido y coherencia. Lo que sí diré en su favor es que Gluck (también guionista) quiso añadir algo de peso a esta película intentando mostrar un tema tan delicado como el de los enfermos de esta enfermedad cuyo día mundial fue precisamente la semana pasada.

Lo mejor, fuera de toda duda, la química Kunis-Timberlake. Escenas de sexo hay a patadas, pero son muy divertidas, sin complejos (con esos cuerpos, ¿qué complejos puede haber?), y locuaces. Ha habido sus momentos y la verdad es que alguna sonrisa sí me ha hecho soltar. Los primeros minutos son buenos, aunque de nuevo un montaje un poco desbocado te lleva a verlo todo como un larguísimo videoclip. Se nota que Gluck se ha fogueado en la televisión donde el timing es tan importante en el humor, por supuesto que en el cine también y quizás por eso hoy en día nos reímos mucho más con la tele con las películas. Justin tiene otro defecto, además de querer enseñar su cuerpo sin grasa (lo exigía el guión, lógicamente) y es que nos tiene que recordar cada dos por tres que es una estrella del pop. Empieza como alguien modosito, incluso soso, pero buen tipo. Ingenioso, seguro de sí mismo, pero no es el rey de la fiesta y de repente se convierte en un party man que además tiene buenas ideas y sabe llevar un equipo humano. Entre ese equipo humano encontramos a Woody Harrelson...poco más puedo decir de él, algún chiste relacionado con la supuesta homosexualidad de Dylan/Timberlake y se acabó. Lo que decía, Justin se dedica a cantar cada dos por tres e incluso hacer una coreografía del clásico tema de los noventa Jump de Kriss Kross. Eso me lleva a las flashmobs que vemos en la película, ¿para qué? La primera está cogida por los pelos y deja ver lo que es esta película, una carta postal erótico festiva desde Nueva York, que a los que nunca hemos estado nos pone los dientes largos...y Mila Kunis.
Lo demás es todo relleno y relleno, momentos peripatéticos y mucho más azúcar de lo que parecía el propósito inicial.

Sin identidad, buen intento pero más agujeros que un queso Gruyère

2011-10-04T16:13:00.002+02:00

5/10

Disfrutar de una buena película de acción con tintes de suspense o thriller, como gustéis, es lo que llamo un rato bien aprovechado. Y no es fácil, la mayoría de las veces. Seamos claros, no somos demasiado exigentes con las películas de acción, a poco que nos encontremos unos buenos efectos especiales, unos personajes medianamente creíbles, una historia que se sostenga en la medida de lo posible, pues hace falta poco más. Y esta nueva película del catalán Jaume Collet i Serra pintaba especialmente bien. El director de películas como La Casa de Cera o La Huérfana (ninguna de las dos me hizo especial ilusión) consiguió un gran éxito en los Estados Unidos, lo cual no es tan sencillo, con esta elaborada producción multinacional, ambientada y rodada en su mayor parte en Berlín. Además contó con un elenco interesante, empezando por Liam Neeson, Frank Langella, Diane Kruger o Aidan Quinn.

Esta historia, que recuerda en muchas ocasiones a un cruce entre la serie Bourne y Frenético de Polanski, comienza con la llegada del doctor Martin Harris (Neeson) y su esposa Liz (January Jones) a Berlín, con motivo de un congreso muy importante en el que se va a desvelar un acuerdo único para el remedio contra el hambre mundial. Un olvido, una maleta en el aeropuerto, precipita la acción haciendo que el taxi donde Harris va tenga un accidente que le cuesta la memoria y casi la vida. Olvidado en un hospital de la ciudad durante cuatro días, decide finalmente ir en busca de su esposa al hotel donde la dejó. Al encontrarse con ella en medio de una gran recepción para los invitados al congreso, descubre que ésta no sabe quien es él, y parece estar casado que parece responder al nombre de Martin Harris. Así se ve entonces desprovisto de su identidad y sin posibilidad de probarla. Por si esto fuera poco, la taxista (Kruger) que le ayudó no quiere saber nada de él y unos asesinos han decidido acabar con su vida antes de que descubra algo más.

Buena trama en una película donde lo mejor son las localizaciones y las espectaculares escenas de persecución en coche. El accidente del taxi no se queda atrás. La escena del tejado en casa de Diane Kruger está sacada de Frenético de una manera implacable, pero aún así está repleta de tensión y desde luego hace subir enteros a la película. Los actores están bien, casi siempre hieráticos salvo Neeson que siempre es un seguro en cualquier producción. En general, la película te da la sensación de estar rodada de una manera "clásica". Una vez arrancada la trama, no se complica demasiado en complicarla y los giros argumentales no son tan imprevisibles como cabría esperar. Pero hay algo que no me gusta nada, y es que Sin Identidad es una película tremendamente tramposa. Está llena de agujeros en cuanto al guión, solucionados por arte de magia. Personajes que ayudan a otros por un altruismo exacerbado, otros que son absolutamente necesarios para la trama que luego dejan de serlo, discusiones eternas que no llevan a ningún sitio, situaciones improbables de las que salen los protagonistas por su cara bonita, el equipo de seguridad más inútil de la historia del cine moderno hecho especialmente para la ocasión, malos malotes que averiguan ipso facto cual va a ser el siguiente paso de los buenos sin gps ni nada, asesinos que matan impunemente pero que luego deciden hacerse los estrechos con formas de asesinar más sutiles, la escena final y esos minutos resultan muy decepcionantes. Terminan de estropear una película que ya iba por mal camino. Tienes sus partes entretenidas, pero no le busquéis peros porque os os vais a empachar.

Amaral: "Hacia lo salvaje"

2011-10-01T21:45:00.000+02:00

8/10

Hace unos meses leí en la versión digital de la revista Rolling Stone un artículo donde preguntaban a una señora sueca (creo que era sueca) y además profesora de canto, por diferentes cantantes españoles comerciales, rockeros e indies. Entre los indes, la que sobresalía no podía ser otra más que Eva Amaral, que es innegablemente espectacular. De los demás, mejor no hablamos. De todas formas, aunque Amaral (el dúo) siempre se ha considerado un grupo indie, a mí siempre me han parecido más cercanos al rock de raíces setenteras, es decir rock con caché, que el de un indie más preocupado por sus poses y por sentirse "moderno" que por la música en sí. Quiero decir con ésto que Amaral se han ganado un respeto a lo largo de estos seis años de discos, de canciones desiguales, pero donde han intentado siempre alcanzar un punto de honestidad mientras seguían subiendo en popularidad, con lo que conlleva esto en un país donde la envidia es deporte nacional. De todas formas, no soy precisamente un gran seguidor de la banda. He escuchado bastante sus discos, de las pocas bandas nacionales a las que verdaderamente he prestado atención, y encuentro grandes canciones con otras que llegan a sonrojar. Entrando un poquito en el plano nostálgico, canciones como Rosita, Como hablar, Subamos al cielo o Cabecita loca, me traen los mejores recuerdos de esas reuniones con amigos en unos determinados bares de Murcia que ya no son lo que eran, o quizás yo no soy el que era. Eso es más probable.

Su anterior disco, Gato negro, dragón rojo no fue un gran éxito de ventas, pero fue un disco espectacular, con grandes momentos como Las puertas del infierno o Biarritz. Ya marcaba distancias con el anterior Pájaros en la cabeza, que era mucho menos íntimo con canciones pegadizas que enganchaban a la primera escucha. Ni en Gato...ni en este Hacia lo salvaje vamos a encontrar canciones tan directas. Se había vendido este disco como una vuelta al rock, más guitarrero, más contundente. No sé si había sido por parte del grupo o de los medios que se dejaron llevar por el título del disco, que también es el primer single. Es cierto que Juan Aguirre continúa haciendo un gran trabajo con un sonido lleno de matices que van del acústico más folk a otro más directo e incluso con arreglos de electro. Pero tampoco es un distanciamiento tan extraordinario. Es decir, no esperaba un giro estilo Dover. Menos mal. Este es su primer disco con su propio sello discográfico, Discos Antártida. Aunque siempre han hablado maravillas de Emi, su anterior compañía, parece que necesitaban tener el control absoluto de su disco. Esto no significaba, como ya he dicho, un cambio total de rumbo, aunque algo sí que se ha notado.

Desde el águila en la portada este disco nos lleva al folk americano. De hecho, la gran canción de este disco (al menos por ahora) como es Esperando un resplandor me ha hecho pensar desde el principio en el Tom Petty de Into the Great Wide Open. El primer tema entra extraño, al fin y al cabo es lo que esperábamos de este nuevo disco de Amaral, ¿no?. La voz de Eva suena impresionante, me recuerda las bandas de los 60/70. Mira podría pensar en los Jefferson Airplane y la voz de Grace Slick. ¿Un tema de rock psicodélico? ¿Y por qué no? Si las calles pudieran hablar es una canción muy Amaral. Una letra urbana en el que el amor se mezclan amor, soledad y decadencia. Riazor se nos presenta como otra canción triste, nos cuenta la historia de perdedores que parecen haberse rendido. Por eso digo que no me parece que estas canciones estén tan lejanas de los Amaral de siempre. Olvido es otro tema folk con un gran final. Me gusta muchísimo Hoy es el principio del final, un tema clásico con una voz que me recuerda a la de los Yeah Yeah Yeahs. El disco viene acompado en una edición especial con un segundo disco compuesto de las mismas canciones que el primero, pero en acústico. Se escucha con agrado y cada vez más. Gana con las escuchas, encontramos más matices y pequeños detalles en cada canción que lo van haciendo más interesante. No sabría decir si éste es el mejor disco de Amaral, creo que hay canciones más flojas y otras que se harán muy grandes. Pero es que ya va siendo hora de darle al César lo que es del César, tienen una habilidad para crear canciones con mensaje, o simplemente pegadizas, arreglándolas como pocos grupos españoles son capaces de hacer. ¿Por qué no reconocer que Amaral se merecen todo el éxito que tienen? Tienen un setlist impresionante, en directo suenan como un tiro, no ocultan su deseo de experimentar y de no anclarse, beben de la fuente de los sesenta y setenta...sus discos tienen altibajos, bueno pues igual que la vida de cualquiera. Me gusta Hacia lo Salvaje, no me entusiasma porque me hubiera gustado realmente un disco contundente y no tan blando en alguna que otra canción, pero aparte de esta opinión personal, me quito el sombrero.

Un tipo serio, de Ethan & Joel Coen

2011-10-01T20:23:00.001+02:00

8/10

Cuando se estrenó Un tipo serio (2009) me pasó un poco desapercibida. Tuvo su éxito de público habitual para tratarse una película de los Coen y lo mismo podemos decir de las críticas. Será por la falta de actores "de reconocido prestigio" (populares, quiero decir) o será porque cuando se estrenó, allá por enero del 2010, me había hecho un esguince de rodilla haciendo el idiota, el caso es que la dejé pasar hasta ayer mismo que me dispuse a enmendar mi error. Supongo que no a todo el mundo le gusta el cine de los hermanos Coen, entiendo que esa manera tan especial de hacer que una historia cotidiana tome tintes grotescos, muchas veces de una manera cruel, no tiene por qué ser del agrado general. Pero lo es, sorprendentemente. Tampoco es que estos hermanos, cuya relación se puede prestar a muchas ideas perversas estilo Inseparables de Cronenberg, se dediquen a proyectos herméticos sin posibilidad de vida comercial, con todo su sello personal en ellas, sus películas están, en muchas ocasiones, más cerca del cine clásico de género que de las moderneces de unos freaks destinados a cambiar las reglas del cine para siempre.

Estamos en una ciudad del mediooeste norteamericano en 1967. En una de esas zonas residenciales americanas tan expuestas en las películas más inquietantes del cine, vive con su mujer y sus dos hijos, Larry Gopnick (Michael Stuhlbarg) un profesor de física en una pequeña universidad local, activo practicante de la comunidad judía. Tiene los mismos problemas de todo el mundo, al menos de esa parte del mundo. Así, se inquieta ante su vecino racista y xenófobo, y su cortadora de césped, empeñado en invadir la parte del jardín de los Gopnick. Su hija, Sarah, tiene serios problemas con su nariz judía, a la que quiere operar, ofendiendo así a su padre, además de sisarle de la cartera de forma sistemática. Luego tenemos al pequeño Danny y sus pequeños problemas de indisciplina, nada especial. El chico se dedica a fumar porros y a prepara su Bar Mitzvah, la ceremonia judía que le hará partícipe como miembro de su comunidad. También mete en algún lío monetario a su estresado padre. A todo ello hay que añadir la presencia de Arthur, el hermano enfermo de seborrea de Larry. Arthur vive con la familia y su presencia resulta bastante molesta, sin olvidar su gran proyecto El mentaculus, un sistema que le permite apostar con éxito en un estado donde están prohibidas las apuestas.

Arthur altera la vida familiar, seguro. La conyugal ya está bastante alterada con la demanda de divorcio por parte de la señora Gopnick, Judith (Sari Lennick). Eso sí, se trata de una petición civilizada basada en el sentido común y en la madurez. Sy Ableman (Fred Melamed, cuyo parecido con Francis Ford Coppola me ha estado mosqueando toda la película) es el "uno" que se quiere llevar a Judith al huerto, de una forma elegante y respetando las tradiciones, eso sí. Y digo el "uno" porque el "otro" es el bueno de Larry, totalmente desplazado de su hogar al que solo quieren para seguir exprimiendo y confinado en una especie de motel llamado Jolly Roger. Por otro lado están los problemas en la universidad, su futuro está en el aire por una serie de cartas que está recibiendo el comité de designación, cartas misteriosas que hablan de dudosa moralidad de Larry y encima tenemos a un estudiante surcoreano que está intentado sobornarlo. A todo esto las enormes facturas que están llegando de médicos y abogados, que por supuesto, no perdonan. Sólo tres rabinos, a los que deberá acudir a lo largo de la trama, podrán echar algo de luz a este túnel en el que Larry se ha metido. Esto es América. Y además, la América judía (no offense). Y hay una maldición, o algo así.

Cuánto sufrimiento, por Dios o Hashem, como dice algún personaje. Reconozco que la iconografía judía queda muy bien en pantalla. Desconozco si esta visión de los Coen de sus propias experiencias aderezadas con su desbordante imaginación, pueda ser ofensiva. En cualquier cosa me parece muy entretenida, a pesar que la historia en las películas de estos hermanos no siempre resulta fácil. El protagonista, Stuhlbarg, me ha parecido sencillamente genial. Transmite cada uno de los yugos que le van poniendo sin entrar en histrionismos ni nada parecido. Pero es que todo el elenco está muy bien. Los Coen siempre tienen unos personajes supuestamente secundarios que valen su peso en oro, eso es algo que me encanta. Esas imágenes entre lo real y lo irreal, esas caras imposibles, esos ambientes que nos resultan tan extraños y atractivos. Y luego están los abogados, esa materia prima temática inacabable para la industria americana. Los Coen adoran estos hombres de leyes y les dan un papel desde luego jugoso. Lo mejor de la película son los personajes, seguro. La historia puede dejar que desear en algún punto, pero el no atar todos los cabos no tiene por qué ser algo negativo en cualquier caso. Luego está esa forma de retratar la realidad que tienen sus películas, una "realidad" a medias, las escenas finales con el tornado, o la continua persecución del hijo de Gopnik por parte su vecino Fable. Y luego está la canción psicotrópica elegida para esta historia, la tremenda "Somebody to love" de Jefferson Airplane (que también tuvo un momento álgido en otra locura, la poco afortuanda Un loco a domicilio (The Cable guy) de Ben Stiller. En definitiva los Coen nos presentan otra historia cargada de humanidad, una revisión del mito de La ley de Murphy, donde nos plantean la cuestión de saber si Dios está con nosotros ..... o en nuestra contra.

P.S. Por cierto, la fantástica escena del dentista no terminé de entenderla del todo, me pasó como al protagonista...lo que no sé si es lo más adecuado.

Polina, de Bastien Vivès

2011-09-27T17:47:00.000+02:00

Bastien Vivès sigue con la etiqueta de niño prodigio del cómic francés. Cada obra suya es esperada con ansia creciente, esperando que vuelva a enseñarnos nuevas formas de narrar historias. Historias cotidianas, cercanas, no hay lugar para la fanfarria o la fantasía desatada aquí. Y sin embargo están llenas de poesía (urbana, eso sí), emociones cotidianas. Ya comenté en una entrada anterior sobre El gusto del cloro, una historia tan común y "poco especial" que resultaba emocionante el poder disfrutar de detalles tan cercanos.

Ahora, Vivès nos trae Polina, publicado en España por Diabolo Ediciones, en una edición tan bien cuidada como siempre en esta editorial madrileña. La original se puede encontrar en la francesa Casterman. Polina es una niña que ingresa en la Academia de Baile del señor Bojinski, conocido por su dureza y su visión ortodoxa del ballet clásico. El personaje de Polina tiene el nombre los bellos rasgos de la bailarina rusa Polina Semionova, nacida como el autor en 1984. Polina tiene una fantástica disposición para la danza, pero la rigidez del sistema de Bojinski, heredero directo de la extrema perfección de la antigua URSS, le hará plantearse su futuro. Seguiremos a Polina a lo largo de su vida académica, como se va formando en distintas escuelas, además de sus encuentros y desencuentros amorosos. Bojinski se convierte en un pilar básico de su formación aunque no pueda entenderlo en un primer momento. Incluso cuando el camino que Polina Oulinov vaya por la contemporánea y las enseñanzas de su viejo profesor queden ancladas en el pasado como algo lejano pero imprescindible. Las últimas viñetas son extremadamente sensitivas.

Una de las características que tenía El gusto del cloro era la perfección de los movimientos (en aquel momento era la natación), quizás el dibujo no era del todo claro e incluso se veía difuminado, pero se entendía perfectamente el movimiento del personaje, con todo detalle. Aquí tenemos mucho más, la danza en todo su esplendor. En los agradecimientos, Vivés habla de las clases a las que pudo asistir. Fue un magnífico observador, a tenor de la fantástica meticulosidad que emplea para dibujar el cuerpo en movimiento. Su estilo minimalista (en muchas ocasiones, tan solo percibimos las figuras de los bailarines) transmite una emoción sin distracciones. Luego también refleja el dolor, la tranquilidad del gesto de Polina contrasta con el dolor que sufre su cuerpo en los ensayos (los profanos en la materia ya habíamos visto algo así en Cisne negro este año). Puede que no te guste o nunca te hayas interesado en la danza clásica, visto que la contemporánea es lo que está mandando en estos días, pero no puedes evitar dejarte llevar por el torbellino de sensaciones que quiere transmitir Vivès. No hay lágrima fácil ni mucho menos, de hecho se le podría tachar de frío en algunos momentos, en muy pocas ocasiones se deja llevar por una gran pasión, que solo se deja entrever en ciertos momentos. Es el recorrido vital de Polina, su crecimiento de niña a mujer. Hay un momento especialmente brillante al final de la historia: Polina llega a su antigua academia como una artista consolidada, las niñas se arremolinan junto a ella para poder aprender, necesitan verla y levantan las manos de forma incontrolable pues es tal el deseo de estar junto a su ídolo. Luego está la entrevista con el viejo profesor Bojinski, siempre con gafas y barba, de repente en un ligero movimiento de esas gafas podemos apreciar como su pelo ha encanecido, al igual que su característica barba. Pasamos de la imagen idealizada de Polina a la real del paso del tiempo. Sublime. Sólo puedo recomendar esta historia, leedla con paciencia, disfrutando de cada detalle, y luego volved a leerla porque necesitaréis acompañar a Polina una vez más. Muy emocionante.

Cómo acabar con tu jefe o con la paciencia de uno

2011-09-27T13:18:00.001+02:00

4/10

Una comedia como Cómo acabar con tu jefe no ofrece nada nuevo, tampoco es que lo buscara, supongo. Ya estaba aquella comedia clásica de 1980, Cómo eliminar a tu jefe con Dolly Parton, Jane Fonda y Lilly Tomlin, sufriendo el carácter déspota de Dabney Coleman. Ninguna de las dos películas tenía en su título original la palabra matar o eliminar de forma tan evidente, la primera se llama Horrible Bosses (que tampoco es que sea el summum de la originalidad) y la del 80 9 to 5 como la famosa canción de la Parton. Esta última película se ha ganado una buena reputación a pesar de ser una película normalita, que no sé si conseguirá esta versión más moderna a pesar de su plantel estelar y de su emergente director, Seth Gordon, muy conocido por trabajar en series mucho más graciosas como Community, Modern Family o The Office.

La historia gira en torno a tres amigos: Nick (Jason Bateman), Dale (Charlie Day) y Kurt (Jason Sudeikis) que se ven obligados a soportar a tres jefes impertinentes y tiranos que les hacen la vida imposible. Nick tiene como superior a Dave Harken (Kevin Spacey), un psicópata controlador que disfruta torturando a sus empleados creándoles falsas esperanzas, Dale debe soportar el acoso sexual salvaje de la atractiva doctora Julia Harris (Jennifer Aniston), mientras que Kurt, sin duda el que más disfrutaba de su trabajo, debe soportar a Bobby Pellit (casi irreconocible Colin Farrell) , hijo de su fenecido y encantador jefe y dispuesto a dilapidar la fortuna de la empresa en sexo y drogas. La imposibilidad de cambiarse de trabajo (ligera inclusión de la realidad en forma de crisis) les hace plantearse el asesinato de sus jefes para llevar una vida menos estresada, por lo que cuentan con la ayuda de Motherfucker Jones (Jamie Fox), un exconvicto experto en liquidar personal. Por supuesto, todo se complicará y les pondrá en disparatadas y comprometidas situaciones.

Lo mejor de la película son los jefes. No hay duda. Sobre todo Kevin Spacey, que es un actor espectacular. Su personaje maniática y calculador es muy refrescante, sobre todo delante de su antagonista, Nick, donde Jason Bateman vuelve a hacer el papel de siempre. Tiene pinta de hacer tío simpático y majete, aparte de guapito. De hecho se juega con eso, en una discusión entre quién sería más acosado en la cárcel (entre Nick y Kurt), cuando Dale zanja dicha conversación diciendo que probablemente sería el personaje de Jason Bateman. Todos los espectadores piensan lo mismo. Jennifer Aniston está muy guapa, y me encanta su voz en versión original, hacía tiempo que no la escuchaba, y creo que ha cambiado desde Friends. Como deborahombres está muy creíble, lo que no sé si es una buena cosa. Por desgracia su personaje termina repitiéndose y queda sin ninguna gracia. Colin está desatado, no está tanto tiempo en pantalla como el resto, pero tiene un par de escenas divertidas, incluida una aparición final durante los títulos de crédito. Aparte de eso hay algún gag muy cómico, como el encuentro en el motel con el primer "asesino a sueldo" o la escena final con el tipo dentro del maletero.

La historia es floja, floja. Hay un buen punto de partida, por qué no. Tenemos tres personajes que quieren consolidar sus vidas empezando por sus trabajos y se enfrentan al terrible escollo de unos jefes insoportables. De ésas hemos vista muchas, algunas cara a cara. Mediante la comedia se puede contar todo, de eso no cabe duda, pero son terrenos tan resbaladizos que corres el riesgo de hacer el ridículo. La primera media hora (presentación de personajes) puede estar en una clave de comedia aceptable, mantiene el pulso y te hace esperar algo realmente grande, pero va pasando el metraje y empieza a parecerte más de lo mismo, incluso nada gracioso. Como he dicho, intentan retratar un poco la situación actual de crisis e incertidumbre. Por ejemplo con el personaje de Kenny, un antiguo compañero que se fue a Manhattan para trabajar para Lehman Brothers, tras haberse formado a base de bien, pero que cayó en desgracia tras la quiebra del empresa. Ahora se dedica a pedirle favores a los amigos, incluso rebajándose. Es una escena en el bar que me pareció bastante triste. Sí, entiendo que es el mismo truco que utilizaron los Farrelly en su momento o el patrio Santiago Segura sin ir más lejos. La dirección tampoco me ha entusiasmado. El final está totalmente precipitado, es como si toda la dedicación que ha habido en la primera media hora se fuera al traste por terminar deprisa y corriendo. En cuanto a los actores, Charlie Day, el acosado, me ha parecido especialmente insoportable. Termina volviéndose histriónico y tiene además un tono de voz que llega a exasperarme. Kurt no aporta nada, un personaje que va de ligón y que tiene mucho éxito a pesar de no verse casi nunca su arte flirteador (tan sólo con una chica de FedEx), prácticamente nos tenemos que conformar con él subiéndose la cremallera. Así ya nos tenemos que creer que es un Don Juan.

El personaje de Jamie Foxx resulta absolutamente innecesario. Y su aparición final aún más. Las escenas de espionaje resultan totalmente ilógicas, ¿es tan fácil entrar en una casa en los Estados Unidos, incluso si no tienes ninguna experiencia y/o eres un inútil? Aparte que la resolución final del conflicto resulta nada creíble, no ya previsible, que tampoco es algo que se pueda exigir a todas las películas (el que te sorprendan) pero al menos algo de coherencia. Luego está la pregunta que uno se hace al ver la película. ¿Qué hubiera ocurrido si los jefes tuvieran sexos contrarios? ¿Seguiría siendo una comedia? Si el personaje de Spacey fuera una mujer nos encontraríamos con una mujer psicótica, enferma de celos porque su guapísimo y jovencísimo marido se tira a todo el barrio y que paga con sus empleados su frustración. Una mujer que ya ve en peligro su poder porque la edad se le echa encima y sólo puede ganarse el respeto a base de miedo. Si Colin Farrel/Bobby Pellit fuera una mujer tendríamos un gran problema. Una borrachuza que somete sus nuevos empleados a la tiranía de su ultrahedonista modus vivendi. ¿Cómo se las hubiera arreglado el director para retratar a una vaga, buena para nada, inútil total y que fuera graciosa pero sin atraer la simpatía del público? Y el gran problema hubiera venido con Jennifer Aniston. Un jefe hombre que acosa sexualmente a su empleado se hubiera convertido en un drama, una historia casi violenta donde mostrar que el ser humano sigue arrastrado por las pasiones más bajas. Creo que este último punto hubiera sido del todo irrealizable hoy en día. Y sin embargo tenemos que pensar que un acoso jefa-empleado sigue teniendo algo de simpático. Incluso sus amigos no entienden a Dale, piensan que sus quejas son infundadas y lo único que tiene que hacer es acostarse con ella para rebajar la tensión sexual. ¿Integridad? eso es para las películas de Denzel Washington.

Hobo with a shotgun, la leyenda del santo exterminador

2011-09-18T12:37:00.000+02:00

6/10

Un vagabundo sin nombre (el Hobo del título, interpretado por Rutger Hauer) viaja en el vagón de un tren de mercancías hasta que éste llega a su parada final. No tiene más remedio que bajarse y ver cómo se las puede arreglar en Hope Town, una ciudad ficticia de Canadá. Pronto descubre que las cosas no van muy bien en la ciudad, enseguida comprende la violencia que hay y el desprecio a la vida humana. La decapitación de un capo de la mafia local a manos de su hermano y sobrinos delante de todo el mundo , como señal de advertencia lo deja bastante claro. A pesar de todo decide el vagabundo salvar a una joven prostituta llamada Abby (Molly Dunsworth) de las manos del psicópata hijo del jefe local, Slick (Gregory Smith). Pronto descubre que su intento de hacer justicia no tiene eco en una sociedad totalmente corrupta done lo único que sirve es la violencia extrema. Hobo es castigado de manera brutal, pero encuentra refugio con Abby, a partir de ahí planificará una venganza sin parangón contra toda la inmundicia de la ciudad.

¿Qué más se puede contar de una película como Hobo with a shotgun? Tened por seguro que el título no engaña, el poster (buenísimo) tampoco. Pura violencia, salvaje, amoral más que inmoral, nihilista diría yo. No es la típica película que puedas ver y te deje indiferente. Muchos sabrán que el origen de esta opera prima del director canadiense Jason Eisener se encuentra en un concurso de trailers falsos, gracias a aquel divertimento llamado Grindhouse, de Tarantino y Rodríguez, homenaje al cine casposo de los 70 y 80. Llegó a ser finalista y pronto tuvo mucha repercusión en internet. Ese trailer, como lo fue Machete, fue el germen del que salió cuatro años después esta película, con nuevo protagonista, si bien David Brunt (el primer Hobo) tiene un pequeño y brutal cameo. De Machete ya dije en su momento que no me había parecido más que una tomadura de pelo con algo de gracia. Lo mismo se puede decir de Hobo..., pero su falta de pretensiones y su búsqueda del constante impacto en el espectador la hacen un poquito más digerible para mi gusto. Es cortita y está cargada de imágenes que te pueden revolver el estómago, y de frases hechas para repetir con los amigos. Una película de culto, vamos.

La escena inicial, con los títulos de crédito está rodada en technicolor y tiene una música que recuerda absolutamente a los clásicos de los setenta. El viejo tema del viajero que llega a una ciudad nueva, con nuevas caras y nuevas reglas, pero que intenta sobrevivir aplicando las suyas. El tema tan ochentero del vigilante, que también había encarnado Charles Bronson. Alguien que llega donde la justicia no se atreve. Malos malísimos, que solo merecen lo peor pero que siempre te hacen gracia por convertirse en una caricatura de sí mismos. Además, sabes lo que les espera, una venganza solo equiparable a sus actos cometidos. Justicia callejera, que aquí lo divino y lo poético tienen poco que ver. Cada plano tiene que ser icónico, reflejar una estética basada en la sangre, vísceras, sexo y depravación. No hay mucha esperanza en un sitio así. Hay una frase que le dice Abby, la prostituta, a Hobo: "No puedes arreglar todos los problemas de este mundo con una recortada", y él dice, lacónico: "Es todo lo que sé". Con frases como ésta no puedes esperar redención ninguna.

Eisener consigue un ambiente realmente claustrofóbico. Da verdadero terror andar por estas calles, no hay un momento de seguridad, ninguno. Y eso se consigue a base de decorados oscuros, encerrados, luces mortecinas y colores rojo y azul dando la sensación de violencia y de frialdad. Las escenas de los raptos por parte de los punks y la orgía sangrienta de la sala de juegos es solo un ejemplo. ¿Qué se puede esperar de una ciudad donde la máxima diversión es aplastar las cabezas de los sin techo con los coches de choque? Luego están los dos hermanos sociópatas, increíblemente violentos y despiadados. A pesar del carácter cómico de toda la película, hay algún momento que me llegué a sentir mal. Luego está el tema del miedo del pueblo ante una amenaza común, cada uno prefiera ir por libre y rezar para que no le toque a él. Un frente común podría resultar positivo, pero no hay valor para organizarlo. Es como un Infierno de cobards (High Plains Drifter) para las nuevas generaciones.

Tiene muy buenos momentos como la aparición de La Plaga, con todos esas fotos de los que han exterminado (con fotos de Lincoln, Juana de Arco y Jesús incluídos, ¿?). No llego a entenderlo bien del todo, pero qué más da. La escalada de venganza por parte de Hobo también está cargada de "buenos momentos", como el encuentro con aquel pedófilo vestido de Santa Claus. Ciertamente, algunos momentos de la película son un poco estomagantes, no son aptos para gente sensible. Por otro lado, las actuaciones están bien. Dentro de un registro así. Aunque Rutger Hauer siempre tendrá mi favor por haber participado en mi película favorita de la historia, en su filmografía tiene sus buenos y malos momentos. Pero tiene personajes muy interesantes y de gran valía. De los demás actores no sé mucho, pero dentro de la paranoia global de la película se encuentran muy entonados. La exageración de todo lo que se hace aquí es tan enorme que no las sobreactuaciones están a la orden del día. Hauer se mantiene bastante sereno a pesar de sus ataques de y sus balbuceos llenos de rabia.

No se la recomiendo a todo el mundo, ésta es para "público entrenado", pero si entras en el juego puedes pasar un rato entretenido. Hay mucha, mucha sangre, alguna más real que otra. Y en el fondo te gusta que sea así, con unos malos tan enfermizos y de pesadilla, sólo queda un respuesta igual de irreal. La historia es muy plana, tú me haces algo yo te lo cobro, no se ahonda en los verdaderos problemas y su comparación con la vida real, pero no creo que sea el objetivo. Que cada uno saque sus propias conclusiones, si le apetece. Cuando la trama entra en su clímax lo que asistimos es a una caricatura de la violencia, lo que ocurre es que nunca tengo muy claro si esa visión caricaturesca todo el mundo la pilla o alguno se la toma al pie de la letra. Ya sabéis lo de que la realidad supera a la ficción.

"21" Adele

2011-09-17T21:44:00.001+02:00

9/10

Adele Adkins tiene solo dos discos (19 y 21), pero ya la comparan con las más grandes voces del soul. Quizás sea exagerado, algo parecido le pasó a la tristemente fallecida Amy Whinehouse, todo el mundo quiso colocarla en un lugar en el que aún no había llegado. Pero como Amy, Adele tiene madera para llegar muy lejos. Sus canciones (que ella escribe, punto importante) son populares y además recibe el deseado apoyo de crítica y público. Su primer disco, 19, grabado con apenas la edad que indica el título, tiene temas brillantes como los primeros Daydreamer o el superéxtio Chasing pavements. Dos años después saca un disco aún mejor, con muchas más influencias e incluso mejor escrito. Uno de los discos del año, que tiene el "privilegio" de sonar en las radiofórmulas y en las independientes. Cierto es que Adele puede cantar en los premios MTV, pero su calidad indiscutible y esa pose de dura fragilidad le hacen atractiva a un público realmente variado.

Nacida en 1988 en Tottenham, Londres, dice en una entrevista que tuvo que dejar su colegio porque su escuela secundaria era bastante dura y tenía como principal ambición que "las alumnas no se quedaran embarazadas", por eso se fue a The Brit School en Croydon, lugar donde también habían estudiado Kate Nash, o la propia Amy. Dice que su gran inspiración llegó con su vecina de habitación Shingai Shoniwa, cantante de The Noisettes, que la convenció para crear sus propias canciones en lugar de "ir cantando versiones de Destiny's Child". Tiene una voz desgarradora, llena de emoción, que tiende a dejarse llevar por éstas consiguiendo quizás un sonido menos limpio, pero mucho más sensual. Una artista diferente, el otro día viéndola en los premios MTV uno se preguntaba que pintaba con todos esos fashion victims. Cierto es que no encaja con el prototipo de las Pussycat Dolls (menos mal), pero como ella dice "no hace falta tener una talla cero para estar guapa". También dice en una entrevista que le "encanta el culo y las tetas de Katy Perry, realmente le encantan. Pero no hace música para los ojos, sino para los oídos". Ah, ¿pero todavía se hace música así? Desde luego.

21 empieza con ese tema tan escuchado este año, Rolling in the deep. Un blues, marcado por un ritmo repetitivo que te engancha mostrando el poderío vocal de Adele. Rumor has it tiene una fantástica percusión, Phil Spector estaría contentísimo. Es un tema más soul, de hecho a lo largo del álbum, el soul, el blues, el jazz, el rythm and blues o incluso el pop van mezclándose con toda tranquilidad. Turning tables es una balada que emociona, sobre piano y ligeros arreglos de viento, la degarradora voz de Adele realmente te llega a atrapar. La temática de sus composiciones es la del amor, principalmente el amor roto que se resiste a partir. Hemos escuchado muchas veces lo mismo, es cierto, pero no es motivo para que deje de electrizarte. Don't you remember, una de las más flojas, si es que se puede decir algo así, tiene reminiscencias más pop, casi country-rock. A ratos me puede recordar a una Faith Hill cualquiera, con un estribillo que se me hace muy empalagoso y pesado. Set fire to the rain es otro de los puntos fuertes del álbum, una balada con tintes épicos, donde Adele vuelve a dejarse llevar. Take it all puede recordar a una Carole King más soul, con unos coros gospel que le dan un toque especial. I'll be waiting es uno de mis temas favoritos. Nada especial, pero la voz de Adele aquí es más soul que nunca, y los arreglos de viento y cuerda son totalmente soul. Una canción que recuerda a su admirada Jill Scott. Donde se deja la piel es en Someone like you, realmente te pone la carne de gallina. Lovesong es otra canción de amor desesperado, la guitarra me hace pensar en el folk latino, de la música tradicional brasileña. Termina el disco con I found a boy, donde se luce absolutamente. Un disco esencialmente pop, dice la propia Adele, pero que gustará a aquellos que amen la música soul, o sea, a todas las personas coherentes y de bien.

P.D. Me he fijado que hay una versión del Rolling in the deep hecha por Linkin Park, no son santo de mi devoción, pero tengo que reconocer que hay que tener lo que hay que tener para cantarla solo con un piano (y un público entregado, eso sí).

La piel que habito: Almodóvar hurga en nuestras epidermis

2011-09-17T08:45:00.000+02:00

6,5/10

En la entrada anterior había hablado de Mygale (Tarántula), de Thierry Jonquet, el libro que ha inspirado la última película de Pedro Almodóvar. La piel que habito es un acercamiento a esta novela, aunque ciertamente no es una versión completamente fiel, supongo que a Almodóvar le parecería demasiado lúgubre para su estilo. A pesar de todo, me ha sorprendido ciertos elementos de la película, e incluso el tratamiento que ha dado a los personajes creados por Jonquet. .

Es curioso, empecé a repasar todas las películas que he visto de Pedro Almodóvar, creo que han sido casi todas, y al final resulta que es al director que más veces he ido a ver al cine, ni Spielberg, ni Tarantino, ni Fincher, ni nadie. El manchego al que gritaron Pedro ha sido mi favorito, con todo lo que lo he criticado...eso serán las compañías que me llevan y me dirigen. En sus películas he visto de todo, algunas cosas mejores y otras no tanto. Por todo ello, me sigue sorprendiendo que eligiera una novela así, aunque podéis estar seguros que ese universo personal suyo, tan pasional, tan colorista y tan hiperbólico, se mantiene en este último proyecto. Ciertamente no me imaginaba la historia de Jonquet como Almodóvar lo ha hecho, por eso, quizás, me ha sorprendido aún más.

La historia de La piel que habito es la de Robert Ledgard (Antonio Banderas), un cirujano plástico que se codea con las altas esferas de la capital aunque tiene su residencia en una villa de Toledo aislada del mundo, donde, además, tiene quirófano y algunos pacientes pueden ser tratados allí. En estos momentos una de esas pacientes, Vera (Elena Anaya), se encuentra encerrada. Es una mujer muy hermosa, casi perfecta, pero tremendamente insegura y con instintos suicidas. Marilia (Marisa Paredes) es como el ama de llaves y alguien muy cercano a Robert. Se encarga de controlar a la paciente y de recordar a Robert los peligros que conlleva tener a alguien así. Robert siente fascinación por la paciente, una fascinación enfermiza. La utiliza como cobaya para un nuevo tipo de piel que será muhco más resistente y proctectora. Todo parece estar relacionado con la muerte de su esposa en un accidente donde casi perece quemada. Por otro lado está la historia de Vicente (Jan Carnet), ocurrida seis años antes, un joven del pueblo que había desaparecido y que fue declarado por muerto. Zeca, el hijo brasileño de Marilia, llega a la casa pidiendo refugio tras haber atracado un banco, allí reconoce a Vera en uno de los monitores de seguimiento y todo parece descontrolarse.

Lo que más me gusta de Almodóvar es lo minucioso que es. Sus películas están plagadas de detalles, de movimientos concretos y precisos, de referencias que se nos escapan a los no entendidos. Mi idea era muy diferente después del libro, jamás pensé que en una obra así podría caber el humor, absurdo en su mayor parte, pero humor al fin y al cabo. Pero eso es marca de la casa del manchego. Sus películas quizás no me lleguen, pero tengo que reconocer que es un maestro y que conoce perfectamente el oficio. Desde el punto de vista técnico, sus películas son impecables. El color es espectacular. Ese Toledo iluminado como nunca, la casa llena de luz, las paredes de la casa pintadas con el lápiz por Vera es un detalle estremecedor, pero bello. La presentación del personaje de Zeca, vestido de hombre tigre, entrando en esa casa para hablar con su madre es algo que no sé como definir. Almodóvar. Hay un plano que me parece espectacular, Marilia atada y amordazada, de espaldas, con ese aire tan andrógino, vista desde atrás y con los monitores mostrando la depravación. Puede que no me guste todo, pero hay que reconocer que Pedro Almodóvar es una trademark. Sin embargo, el personaje de Antonio se esfuerza por ser completamente creíble. Es callado, siniestro, reservado, prudente, cínico a ratos. Supongo que no será perfecto, pero todo el cuidado que pone en su papel de cirujano da el pego a los ojos del profano. Y las localizaciones. Son espectaculares. La biblioteca donde da las charlas Robert es simplemente claustrofóbica, la casa donde se celebra la fiesta de Doña Casilda (yo nunca he ido a una boda así, me siento incompleto...), la casa donde vive Robert. En esta película, Almodóvar ha encontrado un equilibrio entre lo kitsch y lo tétrico, haciéndolo cotidiano. También habla de la locura como parte de la creatividad, cuando Marilia dice aquello de "lo que un hombre loco puede hacer por amor". Explora los límites de la venganza y de la compasión, hasta qué punto son compatibles.

Pero no me gustan los actores con él, los chicos y chicas Almodóvar. Los veo siempre muy encorsetados, da la impresión que siempre todos hacen el mismo papel. Por mucho que las reacciones estén controladas o sean unos locos de remate, siempre suenan a una pose, a una impostura para conseguir un registro con el que el director se siente a gusto. Marisa Paredes es muy buena actriz, pero da la impresión de estar siempre a punto de soltar la frase del año. Elena Anaya no parece que haya sufrido demasiado, parece sacada de Volver. Tampoco me ha convencido la historia, el personaje de Marisa Pérez o el de Eduard Fernández, o la propia Blanca Suárez haciendo de Norma, la hija de Robert, me parecen totalmente prescindibles para la película que terminó haciéndose muy larga. Pero todos estos personajes sí que son necesarios para Almodóvar, para acercar la historia a su estilo personal tan característico. Podrá gustarte más o menos Almodóvar, pero no se puede negar su personalidad, lo que no es nada fácil.

Hay muchas diferencias con respecto a la trama del libro. Personajes que están en un lado y en otro no, al igual que las subtramas. Una de las principales diferencias son los puntos de vista. En el libro llegas a entender a Robert (Richard para Jonquet), hasta cierto punto. En la película empatizas con Vera, te es familiar y cercana. En ese sentido, el libro es mucho más oscuro. Tampoco es cuestión de comparar, son dos creaciones distintas y en los trasvases artísticos siempre hay cambios sustanciales de los que se beneficia cada disciplina. Es interesante como película sin duda, por ver a un Almodóvar diferente, aunque no tanto, y a una Elena Anaya muy atractiva y desconcertante, sin olvidarnos de un Banderas sin estridencias. Supongo que es la película española del año, al menos de cara al exterior.

Mygale, de Thierry Jonquet

2011-09-16T20:28:00.000+02:00

Siguiendo con el reto de leer novela negra que me había planteado este año, estaba interesado en algo que se saliera de la norma, que no estuviera dentro de los patrones clásicos que había estoy leyendo hasta ese momento. Ahí encontré a Thierry Jonquet, escritor francés nacido en 1954 y fallecido en 2009. Al comprar Mygale me enteré que la nueva de Almodóvar estaba basada en esta novelita de 1984, lo que llamó la atención, no sé que había visto el manchego en ella. La dejé en un rincón hasta que han estrenado La piel que habito, y ya sí me decidí a leerla, lo que recomiendo encarecidamente. Y si puede ser, antes de ver la película, aunque el efecto sorpresa no es lo único importante en esta novela. Thierry Jonquet fue un escritor muy comprometido políticamente y también desde el punto de vista social. Militante de izquierdas muy activo, tuvo también todo tipo de trabajo, desde la educación a jóvenes con problemas hasta el trabajo en centros hospitalarios. Mygale es de sus primeras novelas, justo en el tiempo (1984) en que se empieza a dedicar a la escritura de forma completa.

Mygale (Tarántula en español, publicada por Ediciones B) es la historia de de Richard Lafargue, un cirujano plástico de mucho éxito que vive atormentado por la desgracia de su hija Viviane, encerrada en una institución psiquiátrica sin posibilidad de cura tras un trama que le provoca crisis terribles. Richard tiene a Eve como esclava, nadie parece saberlo, siendo ella tan sumisa y obediente. La furia de Richard cae sobre Eve obligándola a prostituirse y vejándola de diverso modo. Richard lleva a Eve, sin embargo, a diversos eventos sociales, incluso a ver a Viviane. Por otro lado, tenemos la historia de Alex Barni, un atracador escondido con un botín mientras espera a su compañero. Tiene que tener cuidado, ha matado a un policía y tiene la impresión que todo el mundo está trás él. Y un nuevo pilar de la historia es Vincent Moreau, un motorista que fue atacado mientras daba un paseo y ahora permanece encerrado al antojo de su capturador que parece estar disfrutando de su sufrimiento. Las diferentes tramas se irán entrelazando, complicándose hasta llegar un potente desenlace.

Thierry Jonquet

Todas las tramas están narradas en tercera persona, excepto la de Vincent que está escrita en segunda y en cursiva. Es un monólogo interior, son los devaneos de Vincent mientras intenta comprender y amoldarse a su nueva situación, algo que le está cambiando física y psíquicamente. Vincent nos muestra la parte más cercana al lector, se habla a sí mismo para no perder la perspectiva de lo que está sucediendo y sobre todo, no perder la esencia de quien es. La historia de Alex es la más lineal, la menos críptica. Alex espera a su compañero, le gustaría que estuviese allí porque podría salir de esa situación en la que se ha metido. Es un personaje brutal y básico, no tiene miramientos y hará lo que haga falta por escapar. Richard es mucho más complejo, no acertamos a entender sus motivaciones hasta muy tarde. No nos parece un personaje frío, aunque sus acciones sí lo sean, es un hombre obsesivo y puntilloso, a veces provoca lástima, a veces odio e incluso miedo que alguien pueda tener tanto poder. La narración es casi perfecta. Es una historia sencilla, pero Jonquet nos lleva de un lugar a otro sin perdernos y queriendo más. Me han encantado sus descripciones, muy logradas sin llegar a saturar. Su descripción de las operaciones no llega a ser exhaustiva pero sí bastante completa y lo mismo se puede decir de las partes más desagradables, donde prima la violencia o la tortura. No es un lenguaje excesivamente complejo, me refiero que no abusa de las subordinadas o de las perífrasis, pero sí es cierto que emplea un vocabulario más preciso para dar matices a la acción.

La historia es truculenta, sombría, malsana en algunos momentos y Jonquet no hace concesiones. A pesar de todo esto, la novela me ha parecido estupenda, una pequeña joya de la novela negra francesa, seguramente demasiado turbia para llamarla esclusivamente "noir", aquí el autor ha intentado condensar temas de la tragedia humana: el odio, la pérdida, la venganza, el poder...Muy recomendable.

Biutiful duele

2011-09-15T09:30:00.000+02:00

8/10

Lo que me ha costado entrar en esta película, madre mía. No sé si eran esos susurros, la música, las localizaciones, pero es que no había forma que me pudiera meter en la historia de la última película hasta ahora de González Iñárritu. De hecho me estaba molestando el desarrollo de la narración, ¿de qué iba todo esto? ¿Un adivino, un estafador, un pobre desgraciado, un cabronazo sin escrúpulos? Un poco de paciencia y desde luego, concentración, no puedes ser un espectador pasivo que solo quieres pasar un rato. Mucho de lo que vas a ver no te va agradar. Es una Barcelona podrida, desde los cimientos. Podría ser cualquier ciudad que queramos, pero supongo que la ciudad condal tiene ese aura cosmopolita que hace aún más creíble lo que vemos.

El director mejicano siempre crea esas atmósferas malsanas para el espectador, ese intento de levantar consciencias o simplemente de no dejarlas dormir. Ninguna de sus películas me ha parecido sencilla, tampoco ninguna me ha gustado del todo, pero de todas tengo escenas que me vuelven de vez en cuando. Es lo que crea Iñárritu: grandes momentos salpicados de confusión que nos aturullan. Bardem está bien, muy bien, brillante diría yo. Como también el resto de actores, el siempre fiable Eduard Fernández y Maricel Álvarez, un descubrimiento que puede dar en el futuro grandes trabajos. Todos están muy bien para que la historia pueda funcionar, porque no es nada fácil ensamblar tantos temas y que no nos quede algo melodramático, incluso una aproximación patética a una realidad social que da verdadero miedo.

Uxbal (Bardem) puede ver a los muertos, comunicarse con ellos, eso le hace convertirse en una especie de errante que tiene más un pie en la otra que en la suya propia. Sus hijos viven con él en un apartamento en muy mal estado en Barcelona, apenas tiene para darles lo mínimo y además tiene que soportar los roces contínuos con su expareja, Marambra (Maricel Álvarez), madre alcóholica en continuo intento de cambio. Uxbal trapichea con lo que puede, tiene negocios con grupos de inmigrantes, sin papeles, de la ciudad. Nos presenta el director tres realidades: africanos, chinos y españoles, todos ellos rodeados de miseria. A Uxbal se le diagnostica un cáncer, apenas unos meses. Decide exponerse al máximo para conseguir todo el dinero que pueda para sus hijos. La dramatización de Bardem es espectacular. Entiendo que muchos confundan el actor con la persona, es decir, que las simpatías hacia Bardem, o las antipatías, puedan cambiar algo su opinión del personaje: para mí está casi perfecto o perfecto incluso. Está contenido, con pequeños ataques de rabia e impotencia, tiene una mirada durante toda la película que te traspasa. Creo que si seguí viendo la película fue por poder disfrutar de su actuación, porque ciertamente el estilo que estaba imponiendo González Iñárritu a Biutiful tenía momentos de verdadera pesadez. Por otro lado, hay escenas grandiosas: la primera en la nieve, cuando apenas comprendes a que se debe todo esto, o quizás Bardem en la disconteca cuando suelta que tiene cáncer a una chica y esta no sabe cómo reaccionar hasta que suena Ritmo de la noche, o la persecución de la policía a unos manteros junto a unos atónitos ciudadanos (algo que es el día a día)

Hay escenas terribles, pero el mensaje de Biutiful deja un poso de esperanza, de esperanza en el ser humano que puede ser capaz de lo peor (la policía, los empresarios chinos con su propia gente, podéis agarrar de donde queráis) y de lo mejor...Es uno de esos espejos que nos permite vernos, nos resalta los defectos de una sociedad enferma pero que se empeña en ocultar la enfermedad.

No me des thormento: El Thor de Kenneth

2011-09-14T18:38:00.002+02:00

4/10

Este año me he saltado todas las de superhéroes. Pondré pronto remedio a este problema de coherencia cinematográfica antes que termine el año o que estrenen The Avengers, lo que llegue primero. Supongo que más de uno se habrá planteado la posibilidad de que toda esta avalancha superheroica se convierta en un empacho de mutaciones imprevisibles. O previsibles: el hartazgo más absoluto. No hablo de aquellos escépticos que no se acercan a una película del género ni harto vino pero que hablan maravillas de los cómics de los años 30, cuando la estética de aquellos humanos maravillosos estaba rodeada de glamour y malos bien intencionados. Ni hablo tampoco, evidentemente, de aquellos "entendidos" que creen que toda película que no trate sobre la corrupción de un partido político o las penurias de una familia durante la Guerra de Secesión ... son para niños. Hablo de los que se emocionan con cada nuevo adelanto tecnológico que hace posible imágenes cada vez más cercanas a nuestra imaginación. Sé que el verdadero fan, el acérrimo, nunca le hará ascos a una buena peli de "hostias y pan rallao cósmico", al igual que el fanático de zombies o el de la saga Crepúsculo, pero los demás corremos el peligro de morir por saturación. Con Thor, o de como un arrogante pelanas rubiales desafió a su padre querido del alma provocando la ira de éste y la expulsión del pelanas tochísimo situación que aprovechó el pardillo loser loser loser de su hermano para mandar a más de uno a la nevera, me ha pasado algo así, he tenido la sensación de que la hubiera disfrutado más en otro momento vital. ¿Me estoy haciendo mayor? Bullshit.

Kenneth Brannagh en la dirección. Claro, cómo no. La mitología escandinava, incluso la de Marvel, le viene como anillo al dedo a un experto en Shakesperare. Y el principio de la historia nos lleva por ese camino. Una batalla (sólo a pinceladas) con los malos malísimos, un poco estilo Peter Jackson, un conflicto padre-hijo, una dolorosa expulsión...no sé si Brannagh se frotaría las manos, pero seguro que entre el dinero que iba a cobrar y la oportunidad de dar su toque personal en las adaptaciones de cómic, (al igual que ya había hecho Ang Lee, no hay que olvidarlo) no le costaría tampoco convencerse. Como he dicho, el principio no está excesivamente mal sin ser para nada original ni especialmente espectacular. Demasiados efectos especiales hacen que me duerma cuando la historia es floja y las actuaciones se convierten en una serie de clichés una detrás de otro. La parte que transcurre en la Tierra no es mucho mejor, de hecho a ratos da un poco de vergüenza ajena. El combate final contra el gigante metálico me dejó más frío que otra cosa. No hubo emoción, los superamigos de Thor tenían poco interés, por ser amable. Las interpretaciones son estilo vamos a hacer esto que hay que pagar facturas. Chris Hensworth estará muy bueno el tipo, no lo discuto, se hace incluso alguna broma sobre eso. Ahora, la cara inexpresiva que tiene hace que Thor siga siendo uno de mis personajes menos interesantes de todo ese universo de superhéroes. Natalie Portman está normalita, tampoco es que se le pueda pedir mucho más, el producto es un pasatiempo pasable que va a pasar a convertirse en diferentes piezas de un puzzle cinematográfico que, supongo, se completará con la esperada The Avengers. Anthony Hopkins como Odin cumple, como no podía ser de otra manera con alguien con tanto oficio y los demás tampoco es que desentonen. Lo único que se busca es el entretenimiento del pumba y katakroker, con lo que la actuación no nos importa mucho. Aunque hay que decir que el guión no está tan mal, los diálogos al menos. Hay alguna que otro buen momento en ese sentido, incluso muchos dirán (no sin razón) que hay demasiadas escenas "de interior" donde lo único que intenta hacer es una radiografía de los personajes que de un poco de mejunje al invento. Supongo que Brannagh no pudo evitarlo. Opinión personal y entiendo que muchos no estén de acuerdo, pero no me ha gustado y la veo muy inferior. Claro que no me ha decepcionado, no esperaba gran cosa de una adaptación como ésta.

Tengo algo que deciros: Las balas perdidas de Özpetek

2011-09-12T16:12:00.001+02:00

7/10

Ferzan Özpetek (Estambul, 1959) es un director de cine de ésos, digamos, de etiqueta. Quiero decir que sus películas tienen unas características perfectamente reconocibles, una película de Özpetek no va a sorprender a quién ya ha visto sus obras anteriores, eso sí, seguramente le va a gustar. Eso no creo que sea ni malo ni bueno, simplemente es algo que todos los directores querrían tener, una señal de identidad, incluso los inclasificables. Sus temas más recurrentes son el amor y el sexo, en todos sus ámbitos. Las relaciones interpersonales y cómo nos afectan: familia, amigos, sociedad...etc. También la búsqueda de una identidad, a veces enfrentándose directamente a todos los estereotipos. Todo ello a través de la comedia, no la romántica clásica ni mucho menos, más bien una dramática que te lleva por diferentes estados de ánimo. Desde mi punto de vista muestra una Italia que lucha por su modernidad con los fantasmas de un pasado claustrofóbico, socialmente hablando. El qué dirán y las apariencias contra la libertad de cada uno. La sexualidad como arma arrojadiza, a veces como un boomerang que se vuelve contra uno mismo. Todo eso y mucho más es Özpetek. Y casi todo lo anterior se puede encontrar en Tengo algo que deciros (Mine Vaganti, 2010): una comedia de enredo que se vuelve drama familiar.

No sé si os gusta la comedia italiana. La actual, quiero decir. Es fácil encontrar en los espectadores italianos las mismas opiniones que nosotros los españoles podamos tener de nuestro propio cine. Críticas y críticas y críticas. La consideración que se tiene de la cultura popular italiana dista mucho de la francesa, tan ensimismados a veces en su propio mundo que no son capaces de entrar en el de los demás, salvo notables excepciones. En parte puede ser un complejo de inferioridad frente a los americanos, en parte un rechazo a la imagen que se nos presenta de nuestra sociedad, demasiado idealizada. Las casas en las que viven los protagonistas, los trabajos que tienen, las relaciones amorosas e incluso sexuales no se ajustan a nuestra visión del mundo. Es una película, de hecho aceptamos todo eso en proyectos de otras latitudes sin hacernos demasiadas preguntas, pero aún así nos gustaría reconocernos más de lo que lo hacemos. Queremos que el producto patrio sea o hiperrealista o surrealista. Aunque no soy demasiado seguidor del cine español, un poco más del europeo, sí creo que nuestro juicio es mucho más severo con nuestras producciones. No nos los creemos, vaya.

Todo lo anterior se me viene a la cabeza cuando empiezo a ver esta cinta del director turco afincado en Italia desde hace ya más de treinta años. El trailer, equívoco, te lleva por los caminos de la comedia disparatada de enredo. Tomasso (Riccardo Scamarcio) es el hijo de Vincenzo Cantone, dueño de una importante fábrica de pasta que exporta a todo el mundo. Ha engañado Tomasso a su familia en muchos aspectos, primero no ha estudiado económicas en Roma, sino literatura. No quiere seguir con el negocio familiar, como intenta hacer su hermano Antonio, quiere ser escritor. Y es gay. Esa noche hay una importante cena familiar, momento elegido para soltar todas esas verdades que ya ha confesado a Antonio. En el momento en que Tomasso pide la palabra, Antonio se le adelanta y confiesa su homosexualidad. Al padre casi le da un infarto y lo echa de casa, de la empresa y de la vida familiar. Tomasso queda perplejo y sin palabras. En los siguientes días cuida a su padre y no se ve con fuerzas de confesar a su padre que él es también gay. Nadie parece entender a Antonio, excepto la abuela (Ilaria Occhini) y una excéntrica amiga de familia, Alba (Nicole Grimaudo). La historia se va complicando y nos da además, pequeñas pinceladas de la historia familiar, con la abuela de protagonista.

El mensaje más claro que quiere darnos esta película de Özpetek es que cada uno tiene que tener derecho a amar a quién quiera, tiene que tener derecho a equivocarse. No sólo habla de libertad sexual, habla de elegir su propio camino y que las circunstancias no te condicionen si tú no quieres. Esas son las balas perdidas del título, aquellos que no siguen el camino pactado por los demás. Esa comedia que parece prometer esta cinta se queda en un drama mediterráneo plagado de referencias a la familia en ese contexto social. En realidad, la trama nos va llevando por estos dos géneros a lo largo de todo el metraje. En un momento dado, Antonio le echa en cara a Tomasso su falta de compromiso. Plantea entonces otra pregunta: ¿somos moralmente libres de elegir nuestro camino sin contar con nuestra familia o simplemente con aquellos con los que queremos compartir nuestra vida? ¿Elegimos libremente o eso no es más que una muestra del egoísmo humano, nuestra visión antropocéntrica del mundo? "Mine vaganti" no es perfecta, pero es cierto que nos quiere hacer reflexionar sobre muchos aspectos de nuestra vida, aspectos supuestamente banales en algunos momentos, pero que son los que nos quedan al

final. Los actores pecan en ciertos momentos de sobreactuación, muy estereotipados con situaciones absurdas que poco tienen que ver con la línea general del film. El protagonista Riccardo Scamarcio es uno de los actores italianos más reputados. Sin duda es muy atractivo, sus ojos transmiten lo que el resto del cuerpo no. Sus personajes se parecen demasiado entre sí, cargados de dudas que no son capaces de definirse. Aquí no está especialmente bien, aunque lleva todo el peso de la película. Creo que lo que puedo achacar es una falta de carisma. Nicole Grimaudo sería la otra protagonista. Un descubrimiento. Su presencia en escena resulta de lo más positivo del film. Tiene algunos momentos brillantes, como sus confesiones con Tomasso, mostrando sus sentimientos a pesar de su aparente frialdad. Ilaria Occhini es el verdadero hilo conductor de la película, su historia de evasión el día de su boda tiene su eco en la crisis familiar que está removiendo los cimientos de los Cantone. El resto de personajes secundarios, incluyendo Marco, la pareja de Tomasso, son más bien comparsas que, salvo contadas, excepciones, no tienen gran protagonismo. Lo mejor de la película es la fotografía. Lecce aparece preciosa como ciudad mediterránea, llena de vida y de secretos. Se juega precisamente con ese tipo de ciudad pequeña llena de chismosos. Hay una escena bastante elocuente de este dato: la madre y la tía de Tomasso y Antonio (y Elena, la otra hermana) se encuentra con los desvergonzados ataques de una vecina sedienta de sangre cotilla. Me recuerda a mi pueblo, me parece tan real....En definitiva, una película media del director de "Le fate ignoranti". Momentos cómicos y otros irrisorios, se mezclan con otros dramáticos y algunos de vodevil. Muy irregular pero de bella factura (y personajes), lo que siempre es un plus, sin olvidar que nos envía un mensaje de independencia y, al mismo tiempo, de respeto.

P.D. Había olvidado mencionar un gran momento de esta Mine Vaganti, cuando Alba invita a cenar a casa a Tomasso tras un duro día en la fábrica. Alba ha preparado unos suculentos sandwiches que parecen sacados de un Rodilla cualquiera, todo ello aderezado de una botella de vino, que los italianos tienen mucha clase, y mientras tardan una eternidaaaaaaaaaaaad en comérselos se echan miradas penetrantes con la fantástica Pensiero estupendo de Patty Pravo. Por cierto, la música de la película está mejor que bien, a destacar la estupenda Kutlama de la turca Sezen Aksu, poniendo el emotivo broche final a la película.

Un poquito de pop (y III)

2011-09-03T13:40:00.000+02:00

Termino la lista, con las veinte canciones que más me gustan del pop. Al menos hasta que la vuelva a ver y cambie más de la mitad, pero el número uno creo que se va a quedar ahí.

20. "I've been waiting" MATTHEW SWEET (Girlfriend, 1991)

Matthew Sweet hizo tres discos en los 90 absolutamente imprescindibles: Girlfriend, que lo llevó a las alturas del indie pop, Altered beast, mucho más guitarrero aunque con canciones tan estupendas como Time capsule y 100% fun, igualmente lleno de power pop y con unas melodías increíbles. Si no lo conocéis demasiado y os gustan The Byrds, Neil Young o incluso The Beatles, no me lo perdería. Dentro de este Girlfriend, uno de los discos que más he escuchado en mi vida, encontramos unas canciones casi perfectas, hay mucho y bueno donde elegir. Winona sería la canción más representativa, pero esta I've been waiting muestra todo el arte de Sweet. Estribillos de apenas tres o cuatro palabras que con unos coros fantásticos te hacen volver treinta años atrás, unas líneas de guitarras estupendas y un más que refrescante solo. Pura tradición americana en el mejor sentido de la palabra.

19. "Here comes your man" THE PIXIES (Doolittle, 1989)

Cuatro discos de estudio tienen The Pixies, cuatro discazos como cuatro soles que los encumbraron a iconos de la música indie. Algunos los llamaron precursores del grunge en la época, no se puede discutir que algo tuvo que ver, pero con unas melodías superlativas. El pop (noise pop, indie pop...) de la banda de Black Francis, Kim Deal, Joey Santiago y David Lovering sobresalía en sus mejores temas. Claro que cuando escuchas este Doolittle y, principalmente, canciones como Tame, entiendes que el amigo Kurt Cobain le echó algún vistazo. Entre todas esas guitarras desgarradas y esos feroces aullidos, aparecían algunos temas destinados a ser eternos en el bucólico mundo del pop: Here comes your man.

18. "You're in a bad way" SAINT ETIENNE (So tough, 1993)
El segundo disco de Saint Etienne tuvo está cargado de perfectas canciones pop que nos vuelven a llevar a los 60, cuando Petula Clark nos decía aquello de que "en el centro todas las luces brillan y te espero esta noche". Saint Etienne es un trío musical creado para componer canciones "cool", a veces demasiado. Para mí, So tough es el disco y You're in a bad way, la canción. Sarah Cracknell destila encanto y atractivo a raudales.

17. "I will follow you into the dark" DEATH CAB FOR CUTIE (Plans, 2005)
Apenas una guitarra y la voz de Ben Gibbard. No hace falta mucho más para darse cuenta que DCFC son unos maestros de la composición y que sus letras no están hechas para tomarlas a la ligera. Tienen altibajos en todos sus discos pero ninguno de ellos me ha dejado indiferente, quizás sea mi banda indie (otra etiqueta difícil da asignar), quizás sea de las pocas bandas indie que escucho realmente.

16. "(They long to be) Close to me" CARPENTERS (Close to me, 1968)
¡Cuidado! El nivel de azúcar está en máximos muy preocupantes...Karen y Richard Carpenter crearon un dúo capaces de crear esas atmósferas de perfecto final de película Disney que pueden atragantar. Estuve tentado de poner We only just begun o Yesterday once more, pero una canción que empieza con la pregunta "Why do birds suddenly appear?" seguido de "everytime you are near, just like me, they long to be close to you", es decir, el canon para cualquier canción pop decente.

15. "Is she really going out with him?" JOE JACKSON (Look sharp, 1979)
Joe Jackson es un tipo muy listo. No os dejéis engañar por su aspecto enfermizo, es más duro que la carne de perro. Cínico, irónico, ácido, pero también gracioso, divertido, ocurrente, o sea, un tipo listo. Su debut del 79 con Look sharp está lleno de canciones donde muestra todas sus cualidades (Sunday papers, qué buena). Mi canción pop favorita número 15 la escuché por primera vez en una versión de Sugar Ray, un grupo que tuvo algún que otro éxito a finales de los 90, y aunque la canción prácticamente la clavan y son más guaperas que el bueno de Joe, me sigo creyendo más esta canción en la voz del veterano Jackson.

14. "Wouldn't it be nice" THE BEACH BOYS (Pet sounds, 1966)
Uno de los discos míticos que plagan las listas. No es para menos. Wouldn't it be nice me parece una de las canciones más pegadizas que jamás he escuchado. Pura energía positiva. Jamás el condicional estuvo mejor empleado en una canción.

13. "Head over heels" TEARS FOR FEARS (Songs from the big chair, 1985)
Hubo un tiempo en que los locutores de cualquier radiofórmula que se preciara se les llenaba la boca con los nombres de Roland Orzabal y Curt Smith. El genial dúo Tears for Fears creó algunas de las canciones que definieron los 80, de eso no hay duda. Songs from the big chair fue un disco excelente en aquel fantástico 1985, uno de los años clave para el pop/rock a tenor de la cantidad de grandes discos publicados, aunque hoy en día lo veo un poco démodé. El abuso de los sintetizadores, con lo moderno que sonaba en aquella época. Head over heels cogió aire hace unos años con la fabulosa aparición en Donnie Darko. Es el momento en que nos presenta la escuela con todos esos personajes pululando. Estuve tentado de poner Shout, Everybody wants to rule the world o incluso Mad world, pero la que mejor ha envejecido es esta Head over Heels, qué gran parte final. Y, por cierto, vaya un video que se gastaron. Sin duda, se merecía su "literal version video"

12. "I started a joke" BEE GEES (Idea, 1968)
De los Bee Gees se han hecho muchos chistes injustos. Sí, en efecto, el falsete se prestaba mucho a ello y por supuesto la moda disco les hizo un gran bien económico, pero es lo que tiene convertirse en icono. Y, ¿qué pasa con los once discos anteriores (o más) al Saturday night fever? Habría que echarles un vistazo para poder juzgar a unos músicos de gran talento. Robin Gibb fue el encargado de interpretar esta maravilla del 68. Es un tema singular que habla de la exclusión y los desesperados intentos por formar parte de la sociedad, o quizás habla de Hitler como dicen algunos (???). Hay varias versiones, todas muy excelentes pues la canción así lo facilita. Pero yo me quedo con la de los Faith No More, creo que incluso me gusta más que la original, pero es que Mike Patton tiene ese torrente de voz. Ah, y en el video aparece Martin Freeman.

11. "Billie Jean" MICHAEL JACKSON (Thriller,1982)
La mejor canción pop de todos los tiempos se dice. Como eso no se puede saber con las miles y miles de canciones que hay, yo metería a Billie Jean en el selecto club de las canciones más reconocibles de todos los tiempos. No hay forma que nadie escuche esa intro y no sepa que el que está ahí es el malogrado Michael Jackson. ¿Quién no ha hecho alguna vez ese falsete mientras intenta imitar el bajo? Aquí estamos hablando ya de la mitología de la música, no caben discusiones. En mi caso, prefiero otras canciones de Michale Jackson empezando por Man in the mirror, Beat it o The way you make me feel, pero Billie Jean es un icono de la cultura pop.

10. "God only knows" THE BEACH BOYS (Pet sounds, 1966)
Otra más de Pet sounds. Brian Wilson podía ser un tirano en algunos aspectos, no tanto como Ray Davies, pero por ahí iría la cosa, pero desde luego, como compositor, no hay mucha gente que pueda hacerle sombra. Su hermano Carl la cantó originalmente, pero las versiones con Brian no bajan de calidad. Nunca confíes en nadie que te diga que no te gusta esta canción.

9. "There she goes" THE LA'S (The La's, 1990)
Más que nunca, ya entramos en gustos totalmente personales. En apenas 35 minutos, la banda de Liverpool The LA's creó una obra maestra para luego desaparecer. Nos dejaron con la duda de sacar un segundo disco que no llevara a ninguna parte y les condenara a la decepción. Dejaron el listón bien alto y adiós, muy buenas. There she goes fue como su canción bandera. Su legado para la posteridad. Sixpence None the Richer la versionaron poco después, hay alguno que piensa que es suya, como su famoso Kiss me, tan dulzón y empalagoso. Pero yo era de los que pensaban que era una canción suya. No, era de The LA's y Lee Movers fue su orgulloso creador.

8. "Take on me" A-HA (Hunting high and low, 1985)
Esto es mucho más que una simple canción. Ojo, de nuevo 1985. Esa intro pertenece a la historia personal de cualquiera que hubiera podido vivir en los 80. Y ese video, tan mítico como la propia canción donde nuestros héroes son perseguidos por los malotes armados con llaves inglesas...¡dentro de un cómic! No sé cuantas veces habré intentado cantar esta canción y cuantos gallos habré sacado en el estribillo, pero nadie me quitará el placer de hacerlo. Hace poco viendo a los Tiki Phantoms pude disfrutar de su versión instrumental, y estaba genial como no podía ser menos con ésta la que fuera carta de presentación de los noruegos A-Ha.

7. "Do you realize?" THE FLAMING LIPS (Yoshimi battles the Pink robots, 2002)
Una de las joyas de este nuevo siglo es este album de la banda de Wayne Coyne (increíble lo que me recuerda al personaje de Sam Weiss en Fringe, creo que hasta le iba y todo). El álbum es perfecto incluso en las rarezas instrumentales. Pero luego tiene otras canciones tan bellas como esta Do you realize, con una letra inspiradora que te llama a reaccionar, a no quedarte parado mientras la vida pasa, al viejo carpe diem. No sé cuantas veces habré escuchado esta canción....

6. "Bizarre love triangle" NEW ORDER (Brotherhood, 1986)
Todo el mundo recordará la versión que hicieron Frente! un grupo australiano con fémina a la voz. Trajo de vuelta esta canción con aquel anuncio de Volkswagen. Y es que hay versiones para todos los gustos: la de Stabbing Westward para la película Not another teen movie, la de Nouvelle Vague siempre en su estilo, todas las mezclas y remezclas.. la canción tiene un estribillo tan atractivo que resulta difícil rechazar la oportunidad de dar tu propia versión. La original de New Order está plagada de sintetizadores y la voz de Bernard Sumner deja mucho que desear en directo. Tampoco estoy muy seguro que Ian Curtis hubiera aceptado la línea de New Order cuando todavía eran Joy Division. Pero nada de eso importa de todos modos. Bizarre love triangle es una canción espectacular.

5. "Another girl, another planet" THE ONLY ONES (Special View, 1979)
Si habéis visto "Paul", os habréis percatado que suena esta canción cuando los protagonistas están en la Comic-Con. Pocas canciones más apropiadas para tamaño evento. The Only Ones fueron una banda británica, con tres discos imprescindibles, que seguían la ola punk de finales de los setenta pero con un gusto muy claro por la melodía y con unas guitarras impresionantes. La de esta canción es simplemente fantástica.

4. "Common people" PULP (Different class, 1995)
Jarvis Cocker tiene mucha clase. Siempre ha estado muy delgado y ha tenido clase a raudales. Su forma de cantar, a veces, casi recitando, como no queriendo molestar. His n' hers es un disco fundamental para entender el britpop y su disco posterior, Different class, es la tesis doctoral. Letras cargadas de ironía y una puesta en escena excelente. Una canción que va in crescendo hasta convertirse en una orgía pop que nos recuerda que no todo en los 90 fueron greñas y malos modales: "and dance, and drink, and screw, because there's nothing else to do". Superior.

3. "Here comes the sun" THE BEATLES (Abbey road, 1969)
De los Beatles podría haber puesto muchas, de hecho podría haber llenado toda esta lista de sus canciones. La magia de los Fab Four está fuera de discusión y tampoco tenía mucho sentido ponerlas una tras otra. Así que me puse a pensar en la primera canción que me salía cuando pensaba en los Beatles: una de las pocas pero todas buenas del gran George Harrison. Por supuesto que admiro profundamente a McCartney, a Lennon y hasta Ringo (he escuchado ahora mismo Octopus' Garden y me sigue pareciendo sublime) pero Here comes the sun es mi canción Beatle. Al menos mi canción pop. Encuadrada dentro del último disco que grabaron, aunque el último en aparecer fuera el oportuno Let it be, permanece como una de esas canciones que siempre quieres tener cerca de ti. Escuchar a los Beatles es como escuchar a unos viejos amigos, reconfortan y te hacen sentir mejor. Opinión personal, por supuesto.

2. "Happy together" THE TURTLES (Happy together, 1967)
Siempre sonrío al escuchar esta canción. No sé si porque me acuerdo de los Lenningrad Cowboys o simplemente porque es un himno a la felicidad. Poco se puede decir de esta conocidísima melodía, que la parte final es épica, que nunca han sonado mejor los "pa pa pa" y que me encanta cuando cuando dice aquello de "so happy together, so how's the weather". Pero mirad el video, ¡cuánto gozo suelto!

1. "Be my baby" THE RONETTES (The best of the Ronettes, 1963)
Las hermanas Verónica (Ronnie) y Estelle Bennet junto con Nedra Talley formaron The Ronettes, un trío absolutamente fabuloso con maravillosas composiciones y una ayuda más que especial. Phil Spector, ese hombre tan raro, metió las manos (para algunos, más de la cuenta) con ese sello de la casa llamado wall of sound. Be my baby ha sido siempre tomado como el ejemplo más claro de ese sonido, desde luego, todo un acierto en lo que a esta canción se refiere. Suena realmente impresionante y da tanta pena que esta canción dure apenas dos minutos, pudiendo durar para siempre...no te pongas melancólico. Sí, no puedo dejar de pensar en "Dirty Dancing" cuando escucho esta canción. Es el precio a pagar supongo. Viendo este video (donde hacen un medley Be my baby/Shout) uno no puede hacer otra cosa que enamorarse de estas Ronettes, en especial de Ronnie y esa voz tan poderosa. Este video es parte de la historia de la música. El público totalmente entregado con esas maravillosos bailes. Uno de los comentarios hace referencia al gesto que hace Ronnie a los 48 segundos, como juguetón y tierno al mismo tiempo. Ésta canción representa para mí todo lo que el pop tiene que ser.

P.D. Por supuesto que hubo muchas que dejé en el tintero, como me da pena no mencionarlas, lo haré ahora: All these things that I've done (THE KILLERS), More than this (ROXY MUSIC), Just what I needed (THE CARS), Horchata (VAMPIRE WEEKEND), Life in a Northern town (THE DREAM ACADEMY), I ran so far awy (A FLOCK OF SEAGULLS), Jesus was a cross maker (JUDEE SILL), Bulletproof (LA ROUX), Material girl, True Blue (MADONNA), Island in the sun (WEEZER), Once and never again (THE LONG BLONDES)...y muchas más que no me voy a poner aquí. Más las que habré olvidado o simplemente no habré escuchado.

P.D. Os dejo aquí la lista completa en Spotify con algún descarte y sin Beatles.

Un poquito de pop (II)

2011-09-01T16:54:00.001+02:00

50. "Like a prayer" MADONNA (Ray of light,1997)

Por fin pongo a Madonna. Una de las cantantes más importantes de las últimas tres décadas, algún tema pop decente tendrá. Y tengo muchos, salvo de su etapa "Vogue" y todo eso que me aburre terriblemente. Este "Like a prayer" fue un escándalo en su día, hoy quizás no pasaría de ser un video más, ya estamos más acostumbrados. Pero marcó el principio de mi adolescencia y eso es mucho decir para un ser tan influenciable como yo. Además tiene un estribillo que suena como un tiro.

49. "Spinning around" KYLIE MINOGUE (Light years, 2000)

Si tuviera que elegir un sólo álbum de música disco, tras una corta deliberación, ésta sería Light years, el último gran disco de la minúscula pero muy atractiva Kylie Minogue. "Spinning around" es un canción con un video muy sexy, como todos los de la Srta. Minogue, con un acento funky setentero genial y que, además, viene acompañando otras canciones tan geniales como "Your disco needs you", el himno oficial de toda discoteca que se precie. ¿Si lo prefiero por encima de "Can't you get out of my head"? Puff, difícil elección, aunque para video espectacular (y canción), "Come into my world". Ahora que lo he vuelto a escuchar entero, creo que Light years sería uno de los mejores disco de música disco que jamás he escuchado. Pero esto no es decir mucho, todos sabemos que la música disco no está hecha para ser oída ni escuchada, sino para ser bailada o contemplada desde la barra con un cubata.

48. "Tempted" SQUEEZE (East side story, 1981)
Paul Carrack con pelo y una clase desbordante. Un tema con un ritmo extraño, más funky que pop, y con una gran letra. Una melodía que se queda cada vez más: "Tempted by the fruit of another,Tempted but the truth is discovered"

47. "Alone again or " LOVE (Forever changes, 1967)
Los 60, la gran década del pop, o de la música según se mire. En el 67 el mundo era aún un lugar ideal, podías ir desde París hasta Kabul en 600 sin ningún problema, salvo los mecánicos, la Luna seguía siendo un sueño (bueno, aún lo es, pero con eso de poner banderas...que sí, que sí llegó Neil Armstrong, y sí hubiera sido más poético que en su lugar hubiera ido Louis...) Y había grupos que hacían discos impecables sin parar, como Forever changes de Arthur Lee y sus Love . El folk está muy presente en todo el disco y no sabía muy bien si incluir este clásico en una lista pop, pero como podéis ver, aquí hay de todo. Sólo dos párrafos en un canción que define una época. Obra de arte de tres minutos diecisiete segundos.

46. "The Drugs don't work" THE VERVE (Urban Hymns, 1997)
Maldita sea, otra vez. Urban Hymns ya tiene 14 años. Es decir, hace 13 años que me fui a Londres por primera vez todo solo a buscarme la vida. No me salió demasiado bien esa vez, pero uno de los discos que me llevé y que se puede considerar una de las bandas sonoras de esa experiencia vital fue éste. Siempre me pareció una decisión muy acertada, muy adaptada a los tiempos. Dejando aparte consideraciones britpop, indie rock o lo que sea, hay una colección de canciones más que destacables aquí. Y "The Drugs don't work" es una maravillosa balada tierna hasta doler. Aún recuerdo aquella frase tan deprimente "..if Heaven calls, I'm comin' soon, just like you said, you leave my life, I'm better off dead.."

45. "I could never take the place of your man" PRINCE (Sign o' the times, 1987)
Este disco es uno de los más importantes que se grabaron en los ochenta. El bajo increíble de la propia "Sign of the times" es simplemente glorioso. Pero esta canción tantas veces imitada/parodiada/versionada es un pilar básico para entender lo que ha hecho Prince por la música. Por supuesto, habrá gente que no la soporte, conozco muchos, pero este "I could never take the place of your man" es tan pegadizo como el que más y tiene unos arreglos de morirse.

44. "Tonight" THE SOFT BOYS (Underwater moonlight, 1980)
"I'm here and everywhere tonight...." repetía una y otra vez Robyn Hitchcok en este fantástico single de su obra maestra del 80. Cercanos a los Television, XTC o The Jam, estos Soft Boys siempre se me hicieron más pop y más cercanos a lo que luego serían las grandes bandas británicas de los 80 y 90. Un disco a escuchar una vez tras otra y una buena forma es empezar por esta "Tonight".

43. "You and me song" THE WANNADIES (Be a girl, 1994)
Deliciosa, elegante, tierna, alegre, divertida, soñadora, naïve...la canción pop perfecta. No sé por qué no la pongo más arriba. Descubría esta canción en la banda sonora de aquella "Romeo + Julieta" con Di Caprio, donde no había malas canciones ni mucho menos. Nunca he escuchado demasiado a The Wannadies, pero creo que con "You and me song" se han ganado el cielo popero. No puede haber nadie a quien no le guste esta canción, no debería, no debería...

42. "Brass in Pocket" PRETENDERS (Pretenders, 1980)
Hay un momento mágico en "Lost in Translation". Ese momento no es otro que el karaoke. Esos dos extraños encontrados en Tokyo, en el karaoke más cool que jamás había visto declarándose mediante canciones. Más de uno hemos soñado con un momento como ése, la vida real tiene fallos funcionales, et voilà uno de ellos. The Pretenderes siempre tuvieron alma punk, como la mayoría de los grupos británicos de esa (estupenda) época. Sin embargo la señorita Hynde nos deleita aquí con uno de esos temas inolvidables de la vida de uno. Y es que ya lo decía Chrissie..."gonna use my, my, my imagination"

41. "Comment te dire adieu" FRANÇOISE HARDY (Comment te dire adieu, 1968)
Meter el pop francés sería tarea ardua, tendría que rebuscar demasiado y el resultado no cambiaría mucho, pero hay canciones y canciones, y como ésta es una entrada personal sin mucho criterio (lo repito hasta la saciedad) voy a escoger esta joyita de Françoise Hardy. No, no es una canción suya a pesar de dar nombre al álbum, tiene múltiples versiones, pero la Hardy es la Hardy. Y la sombra de Gainsbourg es alargada. "Sous aucun pretexte je ne veux avoir de reflexes malhereux..." y la versión de Jimmy Sommerville me ha dejado sin palabras...

40. "There's a light that never goes out" THE SMITHS (The Queen is dead, 1986)
Morrisey es un tipo que me cae mal, pero muy mal. Menos mal que estaba Johnny Marr con él, de lo contrario The Smiths hubieran sido insoportables, como su cantante. Pero hay que reconocer algo al bueno de Moz, a pesar de ser un pesado, era un intérprete espectacular que marcó una época. Mi canción es ésta y es que cuando dice aquello "..to die by your side is such a heavenly way to die" me entremezco.

39. "Girls and boys" BLUR (Parklife, 1994)
Una de las canciones de los 90, por lo tanto una de las canciones mi adolescencia. Yo estaba muy metido en músicas más extremas y escuchaba secretamente a Blur, más que a Oasis que me parecían unos petardos. Ay si me hubieran pillado mis amigos que adoraban el Chaos A.D. de Sepultura escuchando este canto a hacer lo que cada le venga en gana. Además, el Damon Albarn es un tío listo, todo lo que ha hecho después me podrá gustar más o menos, pero desde luego no se ha quedado en su casa viviendo de las rentas. El video es una porquería como diría Del Nido, ¿o quizás no y las sutilezas son demasiado complicadas para mí? Ah, bueno, eso es altamente probable.

38. "The boys of Summer" DON HENLEY (Building the perfect beast, 1984)
Me encantan los Eagles, qué le voy a hacer. Creo que era el grupo americano más importante de los setenta y que, como dicen en su canción, supieron "Take it to the limit" todos los clichés del rock and roll. Y Don Henley encauzó su carrera en solitario sin abusar de su pasado, incluso lanzándose abiértamente a la comercialidad con sintetizadores y todo, algo que atentaba contra la estética country-rock de sus antiguos compañeros. Esta primera canción de su disco del 84 es una perfecta pieza basada en la nostalgia y en los tiempos que ya se fueron y quién sabe cuando volverán. De verdad que escuchar esta canción en la playa emociona y todo, es como nuestro "El final del verano" pero más americano.

37. "Waterloo sunset" THE KINKS (Something else, 1968)

¿Es "Waterloo Sunset" una de las mejores canciones de la historia, objetivamente hablando? Creo que sí. Al igual que The Kinks es uno de los mejores grupos de la historia, con una discografía que ya quisieran para ellos más de uno que está por ahí semibeatificado. Sencillamente extraordinaria. No me canso de escucharla.

36. "Every little thing she does is magic" THE POLICE (Ghost in the machine, 1981)
Siempre se declararon herederos de la ola punk de finales de los setenta, y como tantos grupos, en cierto modo es verdad. Sus canciones trascendieron todas esas etiquetas para crear otras, tan inútiles como las viejas. Para mí, The Police es un grupo con demasiados altibajos, aunque reconozco su importancia y su legado musical. Mi favorita de hace muchos años es ésta, por encima de "So lonely", "Roxeanne" y por supuesto la otra "Every..." ya sabéis, la de Schwepps (uf, qué antiguo).

35. "Out of time" THE ROLLING STONES (Aftermath, 1966)
Los Stones son el paradigma del Rock and roll, con sus claras raíces blues, pero eran los 60 y allí quién más, quién menos respetaba las modas. Este fenomenal "Aftermath" es una de las obras cumbres de los Stones, con canciones como "Stupid girl" o la archiconocida "Paint it black", por no hablar de "Under my thumb" o "Lady Jane", pero me siempre me ha encantado ese estribillo "Baby, baby, baby, you're out of time...". Uno se pregunta porque no tocan canciones como "Out of time" en estas últimas giras tan productivas, todas sus canciones de los 60 son maravillosas.

34. "I only want to be with you" DUSTY SPRINGFIELD (Stay awhile / I only want to be with you, 1964)
Dusty es Dusty. Si tuviera que hacer una lista de mis intérpretes favoritos estaría muy tentado de ponerla en el nº1. Una mujer muy especial con un don igualmente especial. Clase, clase, clase.

33. "Strangers when we meet" THE SMITHEREENS (Especially for you, 1986)
The Smithereens nunca gozaron de gran popularidad, al menos por estos lares. Pero sigo pensando que este disco del 86 es excelente pop rock estilo Elvis Costello y creo que Roy Orbison hubiera adorado cantar "Strangers when we meet". Es una canción que vuelve a los 60, como tantas buenas canciones pop, y realmente lo hace muy bien.

32. "Such great heights" THE POSTAL SERVICE (Give up, 2003)
No puedo resistirme al synth pop de The Postal Service. Donde falla otro de los grupos que he puesto en esta lista, Owl City, aquí ellos triunfan. Estas canciones están llenas de alma. "Such great heights" tuvo años después una versión folk de Iron & Wine, que lo único que venía a demostrar era que era una canción fantástica, poco importa el estilo. Sin estridencias, The Postal Service muestran el camino que el pop puede evolucionar sin convertirse en basura de usar y tirar.

31. "With every heartbeat" ROBYN (Robyn, 2007)
Robyn, Robyn, Robyn...¿quién me iba a decir que iba a estar escuchando discos como éste y que me iban a gustar? En los últimos cuatro años, la artista sueca ha barrido a muchas de sus competidoras, lástima que otros no se den cuenta y prefieran a Lady Gaga, por citar una. Todo espectáculo y nada de música. Con "With every heartbeat" me pasa algo raro. Me hace pensar en una etapa que no le corresponde, quizás unos ochenta que nunca existieron. Serán los arreglos de Kleerup, será el video que me recuerda a Tron, será un tema que parece no tener estribillo y que sin embargo es tan pegadizo. "And it hurts with every heartbeat..."

30. "Hey ya"! OUTKAST (Speakerboxxx/The love below, 2002)
Esta canción fue el éxito del 2002. De eso no hay duda. Lo tenía todo para serlo: estribillo pegadizo, video retro muy divertido y miles de radiofórmulas que lo ponen una y otra vez. Y todavía no me he cansado de de decir aquello de "lend me some sugar I am your neighbour!". Andre 3000 dio en la diana con este temazo que no parece tener nada que ver con el resto del doble álbum, el cual también está más que bien. Otra canción que tiene múltiples versiones, algunas bastante divertidas también por cierto.

29. "Stacy's mom" FOUNTAINS OF WAYNE (Welcome Interstate Manager, 2003)
Primero hay que reivindicar a los Fountains of Wayne. Tienen discos simplemente perfectos, como "Utopia Parkway". Y sí, a veces usan guitarras que deberíamos incluir en el rock alternativo...pero no puede ser, ¡son puro pop (en el mejor sentido de la palabra, aunque eso a estas alturas de la lista no habría ni que decirlo)! "Stacy's mom" es esa declaración de amor a toda madre que no es la tuya y por la que sientes bajas pasiones. No, no es "La madre de José" de los innombrables, es mucho mejor. El video es muy divertido, sobre todo la parte final en la que el chico decide dar rienda suelta a todas esa presión hormonal en el clásico desahogo ononista propio de la adolescencia, para ser descubierto por la propia Stacy, que sonríe pícara. Un homenaje a la recomendable "Aquel excitante curso" con los Judge Reinhold y Phoebe Cates en la misma situación.

28. "True faith" NEW ORDER (Substance, 1987)
"I feel so extraordinary...". De New Order no me gusta todo, en absoluto, pero este "True faith" es sencillamente una de las mejores canciones de los 80, 90 y de todo lo que vino después. Georges Michael ha hecho una versión hace poco que me resulta insoportable, quiere encontrar el punto intimista que la canción ya tiene a pesar de los temibles arreglos made in 80s que tan rápido pasaron de moda, pero es que esta canción tiene una estructura perfecta, con una letra inolvidable. Otra que podía haber puesto en el nº1 y me hubiera quedado tan ancho.

27. "Tainted love" SOFT CELL (Non-stop erotic cabaret, 1981)
Ahora ya se me está poniendo la cosa muy difícil. No sabría decir por qué una canción está antes que otra. Todas significan mucho para mí ya sea por su valor intrínseco o por los recuerdos que conllevan.
"Tainted love" no fue escrita por por Marc Almond, aunque sí arregló el multiversionado tema de Ed Cobb. Se podría decir que hicieron la versión definitiva y desde luego la más reconocible. O, ¿acaso Marilyn Manson no se basó en este tema de Soft Cell para la suya? Pues claro que sí. Mr. Manson siempre fue un New Romantic.

26. "Summer wine" NANCY SINATRA and LEE HAZLEWOOD (Nancy and Lee, 1968)
El excelente disco de Lee Hazlewood con Nancy Sinatra del 68 es uno de los indispensables. Canciones perfectas con unos arreglos que marcaron toda una época. Esta sección de viento digna del mejor Morricone es un ejemplo perfecto. ¿Pero de qué va "Summer wine"? Quiero decir, va de fornicio, ¿no?

25. "Gimme gimme gimme (a man after midnight)" ABBA (Voulez vous, 1979)
De ABBA podría hacer una lista exclusiva de sus canciones, ¡es la banda más pop que conozco! Con miles de recopilatorios, un musical y Dios sabe qué más, estoy seguro que su imagen está mucho más estereotipada de lo que debería. Insisto en que un vistazo a su discografía y realmente podríamos encontrar auténticas joyas. Esta canción siempre me ha parecido una obra de arte de la música pop, el canon por el que toda canción hortera con vocación de clásico debería servirse. Yngwie Malmsteen, que siempre tuvo un ego desmesurado, lo sabía.

24. "Wuthering heights" KATE BUSH (The kick inside, 1978)
No tengo palabras para describir Wuthering Heights. Uno de los himnos más evidentes de mi historia personal y una de las canciones que nunca puedo cantar, el falsete que consigo da realmente miedo. La canción que la puso en órbita bajo la producción de Dave Gilmour puede que no sea el clásico single que toda discografía quisiera, y a fe mía que Kate Bush puede ser un poco espeluznante a ratos. Sin embargo creo que tenía (y tiene) una belleza tan inusual que, al lado de su talento, la convierten en una de las cantantes más singulares que conozco. Vamos todos: "Heathcliff, it's me, I'm Cathy I've come home.."

23. "Total eclipse of the heart" BONNIE TYLER (Faster than the speed of night, 1983)
Supongo que Bonnie Tyler con Jim Steinman en las letras y la producción debería clasificarse como arena rock, y desde luego la grandiosidad de sus canciones están hechas para este estilo. Pero sigo considerando que, a pesar de las guitarras de Rick Derringer y la voz rasgada de Bonnie, Steinman se piraba por el pop. Eso sí, un pop épico. Y tanto, si hay una canción épica que intenta convertir una canción de amor desesperado en Madame Bovary, ésta es "Total eclipse of the heart". Supongo que a muchos les resultará sumamente pesada, preferirán la más comedida "It's a heartache", si es que KISS Fm o M80 no se la han cargado ya, pero a mi "Total eclipse..." me pone muchísimo. Y no quiero las limpias voces que he escuchado por ahí, yo quiero a mi Bonnie, con sus crepados y todo. Sobre todo por sus crepados.

22. "Solsbury Hill" PETER GABRIEL (Peter Gabriel 1, 1977)

Peter Gabriel es uno de los músicos pop más importantes del siglo XX, demasiado intelectual para muchos quizás, pero sus canciones eran puro ingenio. Siempre me ha parecido eso, una genialidad, esta "Solsbury Hill", un tema optimista que me hace sentir mejor tras escucharlo. No se puede pedir más.

21. "David Watts" THE KINKS (Something else, 1968)

Otra más de The Kinks y otra más de Something else, pero es lo menos que puedo hacer por uno de los discos más extraordinarios que servidor ha tenido ocasión de escuchar. Ya sabéis como empieza, ¿no? "fa, fa, fa.." Es curioso, porque esta canción puede sonar punk o pop según tuvieran el día Ray Davies. Ah pero el punk no lo inventaron los Kinks...¿seguro?: "(Wish I could be) Wish I could be like David Watts..."

The Muppets: The Green Album, qué suerte ser verde

2011-08-29T17:39:00.002+02:00

"Someday we'll find it, the rainbow connection.

The lovers, the dreamers and me".

8/10

Hay pocas canciones más pegadizas que las infantiles, si no sólo tenéis que escuchar uno de esos cantajuegos que tan de moda se han puesto en estos últimos años. No hay adulto que se resista a tararear cualquiera de esas melodías, por supuesto lo hará exclusivamente en un ámbito en el que su reputación permanezca asegurada. ¡Y qué decir de las canciones sacadas o versionadas en The Muppet Show (o Los Teleñecos como se vino a traducir por aquí)! Muchas de ellas son tan míticas como los propios personajes, al igual que aquellas aparecidas en Sesame Street (o Barrio Sésamo, como todo el mundo sabe). Por eso el hecho de traer al mundo de la música pop/rock las clásicas canciones de nuestra infancia no es de extrañar, tampoco es nada nuevo. En este caso toca el Muppets: The Green album, sacado por Disney que tiene los derechos de los Muppets desde el 2004 (excepto Barrio Sésamo, aparentemente), con una recopilación de artistas dentro del espectro más pop/rock/alternativo que adaptan esas fantásticas canciones, la mayoría pertenecientes al dúo Kenny Ascher/Paul Williams, aunque no solo. El nivel de los temas es bastante notable tirando a sobresaliente.

1. "Muppet show theme song" - Ok Go

Lo más conocido de Ok Go, la banda de Chicago con cuatro discos a sus espaldas, son sus videos, para qué nos vamos a engañar. Sus canciones no suelen ser tan memorables, ese indie rock tan americano no convence, aunque alguna buena tienen como You're damn hot. Aquí se atreven con el archiconocido tema de inicio, respetando la reputación que tiene y haciendo un video sensacional. No es mi canción favorita del álbum, ni mucho menos. Creo que es la que menos me gusta, de hecho.

2. "Rainbow connection" - Weezer & Hayley Williams

Ellos, los Weezer, que ya tienen su Green album y su Blue album, e incluso un último Red album, tenían que participar en un proyecto llamado The Green album. Sentido común en Disney tienen, y dinero también. Además, a la banda de Los Angeles les va The Muppets totalmente, como anillo al dedo. La canción escogida es una maravillosa Rainbow connection, creada para la película The Muppets del 79, e interpretada por la rana Gustavo/Kermit de manera impecable, ahí con su pantano y su banjo. Fantástico. Es una colaboración entre Weezer y la jovencísima y pequeñísima Hayley Williams, la cantante de Paramore. Una de mis favoritas del disco.

3. "Mahna Mahna" - The Fray

¿Quién no ha cantado alguna vez aquello "mahna mahan turiruriru ... o me pica el culo como se decía en aquella época? Una canción escrita originalmente por Piero Umiliani para un documental sobre Suecia (Svezia, inferno e paradiso) y posteriormente incluida en el show. La famosa frase que acompañaba al sketch mahna mahna, "The question is: What is a mahnamahna? The question is: who cares?". The Fray se encargan de la versión de una manera bastante fiel, lo cual la hace aburrida. Además, este grupo ya de por sí parece bastante tedioso con todo aquello de How to save a life y todo eso. Cualquier otra elección hubiera sido más interesante, me estoy imaginando a los Super Furry animals, les hubiera quedado perfecta.

4. "Moving right algong" - Alkaline Trio.
Para The Muppet Movie, un fantástico duo (Fozzie y Kermit) haciendo una oda a las road/buddy movies. Bien por los punkrockeros Alkaline Trio, que toman el aire de esta alegre canción para poner una de las más divertidas en todo el disco. Quizás un poco monótona, hay que tener en cuenta que el divertido video ayudaba bastante a la canción.

5."Our world" - My morning jacket

Uno de los temas más Disney de todos es de los pocos de los que Mickey no tiene los derechos. Y es otro de los grandes momentos del disco. Our world fue escrita por Paul Williams para un especial de la HBO de 1977. Jim Henson había adpatado el clásico libro infantil "Emmet Otter's Jug-Band Christmas" de Russell Hoban. Para este tema, con muchas reminiscencias al AM Pop de The Byrds o Harpers Bizarre, se han puesto manos a la obra los enormes My morning jacket que lo han hecho totalmente suyo y para bien, con pequeños arreglos de country-rock que la hacen casi irreconocible de la original, pero igualmente emotiva.

6. "Halfway down the stairs" - Amy Lee.

Nunca me han gustado Evanescence. Sé que sus canciones tienen bastante aceptación y la cantante, Amy Lee, puede llegar a transmitir muchísimo con su voz pero sus canciones son demasiado artificiosas y aburridas. No sé si Amy estuvo muy inspirada por los Muppets para encontrar el sonido de su banda, sobre todo teniendo en cuenta el origen de rock gótico de lo que alardeaban, pero esta preciosa cancioncilla cantada por Robin The Frog se transforma en su voz, haciéndola más oscuro pero igualmente melancólica y evocadora. No es mi favorita, lejos de eso, pero los arreglos que tiene y la voz de Amy, que a veces parece que ha trabajado para Disney toda su vida, la hacen muy digna.

7. "Mr. Bassman" - Sondre Lorche.

Aquí tenemos uno de los puntos fuertes. La canción que más veces he escuchado de todo el álbum, y es que es imposible resistirse a su melodía. Me parece imposible escucharla solo una vez. No conocía para nada a este noruego llamado Sondre Lerche, y que, al parecer, tiene una carrera sencillamente perfecta de compositor y cantautor. El tema escogido es el de los más divertidos y el trabajo de Sondre es brillante. Scooter y el Sgt. Floyd Pepper (puro Rn'R con ese nombre) lo interpretaron en este famoso sketch musical, un tema escrito por Johnny Cymbal años atrás.

8. "Wishing song" - The Airborne Toxic Event

Otra banda desconocida para mí, The Airborne Toxic Event, versionando el tema "The wishing song", canción escrita por Paul Tracey en 1974 y cantada originalmente Gonzo para la actriz Madeleine Kahn. Una canción para conformarse con lo que uno le ha tocado cantada bajo la influencia de bandas como Arcade Fire. Me gusta especialmente la parte del coro final cuando se da cuenta que tiene más cosas de las que cree "I'm happy to be me...".

9. "Night life" - Brandon Saller & Billy Martin

El tema hardrockero del disco corre a cargo del batería y voz de los Atreyu, Brandon Saller. Toma un tema originalmente bastante más funky heredero de la música que imperaba a finales de los setenta, creado para la película The Great Muppet Caper. "Nightlife" fue compuesto por Joe Raposo, el gran compositor de Barrio Sésamo. Un tema potente y divertido aunque un poco fuera de lugar con respecto a los otros

10. "Bein' green" - Andrew Bird

Éste siempre ha sido uno de los más conocidos de todos los temas de The Muppets. Un tema que habla sobre el problema de ser diferente para poder integrarse. Un alegato contra el racismo a cargo de Gustavo/Kermit en un famosísimo número musical. También escrita por Joe Raposo, pertenece a los primeros programas, allá por 1969. Hay una famosa actuación con Ray Charles de esta misma canción. El multiinstrumentista Andrew Bird hace una versión llena de matices, tan colorista como lo que la propia canción anhela. Preciosa.

11. "I hope that something better comes along" - Matt Nathanson
Otro cantautor, Matt Nathanson, crea otro bello momento cantando esta hermosa canción, interpretada origianlmente por Rowlf the Dog y Gustavo/Kermit, para la película the 1979, The Muppet Movie. Una canción sobre los desengaños amorosos, mucho más melancólica en este disco que la original, donde veíamos un par de colegas con vistas al futuro.

12. "I'm going to go back there someday" - Rachael Yamagata

Rachael Yamagata era otra completa desconocida para mí, así que me encuentro otra hermosa voz recreando otro hermoso tema de The Muppet Movie (1979). También es Gonzo quien la "interpretaba" orignalmente con Rowlf the Dog, Fozzie the Bear y Miss Piggy acompañando. Es una versión realmente parecida a la original, Yamagata ha querido darle el mismo aire nostálgico y de añoranza ("This looks familiar, vaguely familiar / almost unreal, yet, it's too soon to feel yet").

Sí, me ha parecido un gran disco que puedes escuchar una y otra vez, mientras vas leyendo estas letras tan aparentemente sencillas pero mucho más profundas de lo que parecen. No todo el monte es orégano, pero la mayoría de estas canciones podrían funcionar perfectamente en trabajos de sus intérpretes y quedarían como grandes temas. Mis favoritas son "Rainbow connection", "Our world", "Mr. Bassman" y "Bein' Green" pero me he quedado con ganas de más. No podía esperarse menos de unas canciones tan "Sensational, Inspirational, Celebrational, Muppetational...."